Me gustan las cosas efímeras, que están hechas para no durar, que se van diluyendo hasta desaparecen, sin importar cuanto se tardo en hacerlas, ni lo que costó, ni cuanta gente lo vio, no, no, que no me estoy refiriendo a las Fallas de Valencia, que mal pensados sois.

Me refiero a cosas como los dibujos a tiza de Ellis G., como las velas de Sarah van Gameren o como la decoración que ha ideado Linda Florence para cubrir el suelo de Victoria & Albert Museum de Londres.


Esta diseñadora de papeles pintados, creo una pista de baile espolvoreada de finísimo azúcar con la que dibujó motivos ornamentales que iban transformándose a medida que los bailarines evolucionaban en la pista. Esa era toda la escenografía, sombras, luces y un dulce suelo.

Los motivos florales habían sido depositados en el suelo por medio de plantillas y ahí se quedaron quietos hasta que los bailarines en su evolución por la pista fueron arrastrando parte del azúcar y transformaron el perfecto tapiz en formas imperfectas y escurridizas.

Este baile de azúcar llamado oficialmente One of a Kind Tea Dance tuvo lugar el pasado mes de enero.


Pienso que elegir el tipo de azúcar para el tapiz, no debió ser fácil porque dependiendo de lo tamizada que estuviera, podría correr el riesgo de que se volatilizara y los bailarines acabaran en plan muñecos de nieve, blancos de la cabeza a los pies, o en el caso contrario, que crujiera bajo sus pies.

A mí, me hubiera gustado estar allí sentada viendo por ejemplo las formas sinuosamente azucaradas que dejaban al deslizarse Fred Astaire y Ginger Rogers o las que formaría Mijail Baryshnikov en sus mejores momento, o, o, o....

Lo he visto en Dezeen, a los que también he cogido prestadas las fotos.

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No quería dejaros ni quedarme con tan mal sabor de boca (me refiero al post anterior, es decir el que aparece inmediatamente después de este), así que os muestro estos muebles de una empresa barcelonesa que he descubierto en Designboom y que me han encantado.

Se trata de un juego de estanterías llamado Kodama, diseñado por Damaris and Marc Desing, y que me han cautivado por su mezcla de modernidad y tradición y eso sin dejar de ser absolutamente simples.


El mueble consiste en un cubo sin trasera, al que se le han añadido patas torneadas que yo asocio a las mesas y aparadores de la casa de mi abuela.


Se pueden encontrar en blanco y verde brillante, en varias medidas y modelos de patas.


Me parecen muy versátiles y apropiados tanto para casa tradicionales como super modernas. Después de mirarlos un rato... me he quedado mucho más tranquila.

Etiquetas: decoración, mobiliario, objetos, simplicidad, todos

El por qué a una señora con pinta de madre de familia americana, aficionada a construir casas de muñeca tradicionales, le da por recrear en miniatura edificios ocupado por drogadictos borrachos y prostitutas, es algo que se me escapa, por mucho que la buen señora intente explicarlo.


Me ha llamado tanto la atención lo que ha hecho Grace Shaw, que no me podido resistir la tentación de comentarlo.


Ya se que hay personas a las que no les agrada ver cosas feas por aquí, pero nunca ha sido mi intención hacer de este ático, un catálogo de cosas bonitas, de buen gusto y estéticamente ejemplares, para nada.


Sí, lo confieso, al igual que me gusta ojear productos para millonarios, a los que les sobra el dinero, pero andan algo escasos de gusto, también me produce gran placer sumergirme en los abismos de lo kitsch, cutre y uncool, que le vamos hacer....


La recreación que esta miniaturista ha hecho de un típico edificio en hilera de la ciudad de Baltimore demuestra que no se puede juzgar a las personas por su aspecto y que tras una cara angelical e inocente se puede esconde un auténtico friki.


La idea se la dio su marido. Cuando ella le preguntó qué podía hacer con una maqueta de un edificio Row House típico de Baltimore, él sin dudar le dijo que una casa de vendedores de crack.


Y eso es exactamente lo que ha hecho. En la parte delantera, una fachada tradicional a la que se ha añadido algún que otro graffiti, en la posterior, todo un universo de marginación a pequeña escala.


El primer apartamento, de dos plantas, perteneciente a un vendedor de crack, está totalmente destrozado, todo roto y sucio, colchones por el suelo, paredes agrietadas, cortinas descolgadas... un tipo colocado en la bañera y los perros como amos y señores...no le falta detalle.


El segundo, apartamento está ocupado por un pub en la parte inferior y una tienda de libros pornográficos registrada y clausurada por la policía, en la parte de arriba.


El tercero, un prostíbulo de lo más decadente, tampoco le falta detalles, la planta baja es un cursi recibidor, todo lleno de encajes y maderas brillantes, en el piso superior el dormitorio con la prostituta en salto de cama y recargada decoración en dorado y púrpura.


Al cuadro hay que añadir un policía de la D.E.A. y un borracho que permanecen en la calle, en el tejado, una plantación de marihuana.


La ambientación está realizada con tanto detalle que me hace sospechar que la dulce señora se ha pasado mucho tiempo en escenarios reales para documentarse.


En fin, espero que no me tengáis en cuenta un post de tan mal gusto, pero a veces no me puedo resistir a cosas así. Por lo menos esto es ficción y no lo que estamos viendo estos días en la caja tonta.

Lo he visto en BB Blog.

Etiquetas: decoración, humor, no me gusta, todos

Cada vez es más fácil encontrar stickers (pegatinas de vinilo) con los que decorar las paredes de nuestra casa, se pueden conseguir con relativa facilidad sobre todo de temáticas florales, ornamentales, de graffiti o que imitan elementos arquitectónicos y de decoración.


Pero los que fabrica la empresa Harmonie Intérieure tienen un estilo especial sobre todo su serie Temp Retróuvé me ha llamado la atención.


Se trata de de una colección compuesta de 6 modelos de temática tipográfica y cuidados colores inspirados en el pasado. Antiguos tampones, fragmentos caligráficos junto a ornamentos tipográficos, reproducciones de libros y de documentos, todos ellos con las imperfecciones producidas con el paso del tiempo.


Cada modelo está fabricado en tres o cuatro tamaños que pueden llegar casi a los 2 metros y los precios oscilan entre 17 euros y los 106 euros.


El resto de las series, Organic, Ornements y Kids también tienen un aire anticuado que las hace distintas a las de otros fabricantes.


Además esta empresa comercializa vinilos de tipografías japonesas y reproducciones fotografías de temática oriental o tipográfica.


Otra opción para los que están cansados del estilo Domestic.


Lo he visto en BB Blog.

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Esta noche me apetece algo delicado, ¿por qué será?. Algo que me guste sin más y de lo que no haya que hablar demasiado, sutil, frágil y que transmita calor humano.

Pues todo esto me inspira la cerámica de la belga Lucile Soufflet, tierna y con cierto aire nostálgico, que me agrada sobremanera.


Sobre todo las re-cup esas tazas imperfectas, rotas y despostilladas, de un blanco inmaculado y que parecen haber sobrevivido a muchas batallas del hogar. Modestas y encantadoras que dan ganas de tener entre las manos.


Formas modernas con motivos antiguos y algo cursis, así son las piezas de la serie Les objets roses. Fina porcelana china que de la sensación de romperse sólo con mirarla.


Casi etérea, la fuente plat à la rose creuse, es una pieza de delicada cerámica perforada, imitando antiguos motivos ornamentales florales. Pertenece a la colección Royal Museum of Mariemont.


Además, también ha diseñado un juego de 8 tazas blancas con distintas asas azules, llamado Lucile, un plato de sopa irregular llamado Assiette à soupe y Les Objets Blancs una versión de los, tan de moda, objetos cerámicos que imitan a otros de usar y tirar. Botellas de plástico, vasos de papel, bandejas para comida precocinada son su fuente de inspiración.


Además de cerámica, Lucile ha diseñado mobiliario urbano, sobre todo bancos públicos: El modelo que más me gusta es el SDP versátil y con muchas posibilidades para relajarse en solitario o compartir con familia o amigos.


La pieza 2 Chaises 1 Carré donde la autora sitúa dos sillas en plena naturaleza, frente a un marco cuadrado, que parece delimitar una vista del paisaje, como si quisiera acotar un cuadro vivo.


Por fin algo de diseño, que últimamente lo tengo algo dejado de lado.

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Quería dejar por aquí una intervención urbana llamada Truth que me ha llamado la atención y de la que no se muy bien qué pensar.


Podría parecer que son piezas decorativas que algún diseñador, contratado por el ayuntamiento, se hubiera dedicado a instalar por la ciudad, para embellecerla.


Pero no, se trata de una acción de arte urbano, llevado a cabo por un artista en la ciudad polaca de Wroclaw. Bueno en realidad según cuenta él mismo, no es un artista, es un diseñador industrial, aunque confirma que su obra es arte callejero...


Realizada con figuras geométricas y formas tipográficas en 3d, que superpuestas forman complejas composiciones escultóricas, todas muy decorativas y pensadas expresamente para el lugar en el que se van a ubicar. Desde luego, no se puede negar que hay una gran carga estética en todas sus piezas lo que a priori no es bueno ni malo.


Las piezas son instaladas en lugares abandonados y edificios viejos y decrépitos a los que aporta un toque de minimalista y aséptica belleza. También añaden una pincelada de color, a anodinos edificios y a parques y jardines.


Es otro tipo de intervención urbana al que no estoy demasiado acostumbrada, no reivindica, no interfiere, no molesta, y además al irse desintegrando queda perfectamente integrada en el paisaje, sin estridencias, como si hubiera estado allí siempre.


¿Se podría considerar la intervención de un artista o la intervención artística de un diseñador industrial?, o, o, o, o... yo qué se... lo dejo aquí y que cada uno decida.


Lo he visto en Yatzer.

Etiquetas: arte, decoración, exteriorismo, paredes, street art, todos

Nada tiene que ver el arte brasileño que he visto en Arco, con el que lleva a cabo Eduardo Srur, un artista de São Paulo decidido a poner en evidencia esos espacios públicos que no queremos ver, las cloacas de la ciudad ante las que todos cerramos los ojos.


Para ello esta vez se ha valido de una enorme botella de plástico hinchable que ha situado en la uno de los espacios más contaminados de las margenes del río Tiete. La intención es que todos los que pasan por allí, normalmente a gran velocidad, reparen en ella.


El artista no pretende convertir el río Tiete en un lugar bonito, esta pieza no es un adorno, lo que quiere es que la sociedad tome conciencia de la contaminación que producen los materiales no biodegradables, concretamente las botellas de plástico, tan abundantes en esta parte del río.


La suya ha sido construida por láminas de PVC y nylon y ha permanecido hasta finales de enero con la intención de volver a ponerla pronto en el mismo sitio. Paralelamente a esta intervención, ha tenido lugar un "desfile de moda tóxico" en el mismo espacio.


Esta acción forma parte de un proyecto más ambicioso que el artista gestó en el 2007 y que consiste en intervenir una extensión de 2 kilómetros de las margenes de este río, que el gobierno local está intentando rehabilitar y que en este momento está altamente contaminado.


30 botellas gigantes de vivos colores ocuparían durante 30 días el espacio, con en mismo propósito reivindicativo. Por la noche, iluminadas seguirían llamando la atención de los transeuntes, como faros fluviales donde se dirigen todas las miradas.


Espero que hayan tenido en cuenta el reciclado final de los material utilizados para estas esculturas de plástico, porque se van a emplear grandes cantidades para su elaboración, y ese proceso también es altamente contaminante.

Como ya andaba metida en la pagina del artista, me he paseado por otros de sus trabajos y he encontrado otros interesantes.


En su intervención urbana Kayaks en 2006, eligió el cauce del río Pinheiros también en São Paulo y también contaminado, para lanzar 100 kayaks y 150 maniquíes montados en ellos a lo largo de 5 kilómetros.


El propósito de la acción era que los ciudadanos pensaran en el uso que en la década de los 40 había tenido el río como sitio de recreo de los ciudadanos, y que ahora se ha perdido por la contaminación y el inmovilismo de los ciudadanos.


Otra acción llevada a cabo entre 2003 y 2007, Camp of Angel, consistió en acoplar tiendas de campaña de tamaño real en fachadas de edificios. Desafiando la ley de la gravedad, estas fueros instaladas perpendiculares a edificios de Brasil, Francia, Suiza y Cuba...


Elige, no sólo edificios representativos, también algunos que están a punto de ser demolidos, en ellos monta sus tiendas de campaña, de vivos colores y que se iluminan por la noche. Campamentos para ángeles situados en edificios muy terrenales.


En la instalación Bicycles 2007, sitúa bicicletas pendientes de un cable, sobre la Avenida Paulista, también en São Paulo. De un lado al otro de la calle, las bicis van circulando por el aire, como si el carril bici estuviera situado en el cielo.


Esta es una pequeña muestra de su obra, no toda con la misma calidad artística según mi opinión. Personalmente me gustan las que tienen un mensaje más social aunque en todas veo el problema de la gran cantidad materiales plásticos empelados en su elaboración.


Me estoy volviendo algo intransigente...

Lo he visto en Nómada y en io9.

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Nunca las bolsas de papel tuvieron una vida interior tan interesante como las afortunadas que el artista japones Yuken Teruya ha elegido para su serie del 2005 y cuyo dueño es Saatchi Gallery, (publicitarios como mecenas del arte).


Se trata de un delicado trabajo, con clara estética japonesa en la que el/la artista sitúa diminutos arboles troquelados dentro de bolsas de marcas de lujo.


Yuken, decide la forma del árbol y la dibuja en la superficie de la bolsa, abarcando parte del logotipo. Después, recorta la silueta y pega el tronco del árbol al lateral contrario de la bolsa, de manera que al asomarnos dentro, el árbol con porciones de logotipo impreso, se recorta contra el fondo proyectando su sombra hacia el interior, como si la guardara.


Y es que las sombra son super importante en la cultura japonesa. No quiero ser pedante pero me leí hace poco el delicioso librillo "El elogio de la sombra" de Tanizaki que hablaba precisamente de ello, (copio textualmente):"En Occidente, el más poderoso aliado de la belleza ha sido siempre la luz. En cambio, en la estética tradicional japonesa lo esencial es captar el enigma de la sombra. Lo bello no es una sustancia en sí sino un juego de claroscuros producido por la yuxtaposición de las diferentes sustancias que va formando el juego sutil de las modulaciones de la sombra. Lo mismo que una piedra fosforescente en la oscuridad pierde toda su fascinante sensación de joya preciosa si fuera expuesta a plena luz, la belleza pierde toda su existencia si se suprimen los efectos de la sombra".


Algo así, pienso, es lo que ha pretendido hacer el artista, preservar el objeto junto con su sombra en las profundidades de las bolsas. Y no ha querido escatimar en el envoltorio por lo que no se ha cortado en elegir las más caras, de marcas tan poderosas como Louis Vuitton, Pucci, Marc Jacobs, Christian Dior, Berluti... aunque otras de las piezas hayan sido realizadas con varios modelos de la más vulgar de las bolsa de papel de McDonalds.


Todas ellas, rescatadas por el autor, de la basura, con la intención, creo, de llamar la atención de una manera estética, sobre el grave problema de deforestación, que sufrirá el mundo, si no dejamos de consumir papel. Lujo consumista enfrentado a ecología y sostenibilidad.


Asomaos al interior y disfrutad del íntimo mundo de luces y sombras de estas bolsas.





Lo vi directamente en la Saatchi Gallery.

Etiquetas: arte, ecología, materiales, todos

Una increíble intervención en fachada es lo que ha realizado el escultor Richard Wilson en un edificio de oficinas de Liverpool, Inglaterra y que forma parte de la serie de instalaciones enmarcadas en el evento Liverpool Capital de la Cultura 2008.


Este escultor, con formación de diseñador gráfico, ha tomado esta fachada, como si de una fotografía se tratara y ha practicado en ella un corte perfectamente circular, que da la sensación de haber sido trazado con un compás y recortado con un preciso instrumento. Es algo así como si una de las fotografias de George Rousse se hubiera materializado y hubiera adquirido movimiento.


La dificultad de la intervención reside en que el edificio, por supuesto, no es una foto y la fachada es de sólido hormigón y cristal. A lo que hay que añadir además que la pieza circular gira 360 grados sobre un eje y que lo hace suspendida sobre las cabezas de los transeuntes y coches que pululan por la calle.


Hay que imaginarse la cara que pondrán los desprevenidos, cuando al mirar hacia arriba vean que, un inmenso circulo de unos 11 metros de diámetro, se desliza de una fachada hasta quedar perpendicular al edificio y en 60 segundos dar un giro completo, todo esto sin hacer ruido, y sin que se vislumbres el tipo de mecanismo que se esconde en su interior.


La resolución técnica ha debido ser tan compleja, que para el corte y la fabricar el mecanismo de giro, se ha tenido que recurrir a la empresa de ingeniería Price & Myers.


Así el artista, en colaboración con los ingenieros, ha conseguido una pieza de tal simplicidad que parece hecha con tijera y pegamento, logrando disimular toda la compleja maquinaria para que no se rompa la magia.


Y algo que me gusta mucho es que es una pieza efímera, (2 años) hecha con ese fin, en un edificio próximo a su demolición. Otra vez se me ha aparecido el fantasma de Matta Clark.


Esas tijeras mágicas me las quisiera yo para cortar por aquí y por allí cosillas que no me gustan de las fachadas que me rodean, pero os aseguro, que en este caso, las piezas iban a ir a parar directamente, al contenedor de los escombros.


Lo he visto en Land+Living y BD online.

Etiquetas: arquitectura, arte, evento, todos

No hubiera creído a quién me hubiera dicho que se puede vallar la luz con una malla de acero, le hubiera respondido sin dudar, que intentarlo es un acto poético imposible.


Pero estaba equivocada, porque la lámpara Galaxy, producida por OWL, hace exactamente eso, ciñe la luz con una bobina de malla galvanizada y sólo deja escapar la que necesita para proyectar sombras, bastante inquietantes, en el techo.


Así de simple, así de fría, así de espectacular y así de poética.


Además la empresa OWL produce, entre otros modelos menos interesantes, algunos fabricados con materiales de ferretería que son bastante creativos.


Me gustan: la lámpara Cocoon, la Strainer, la Angel, la Sponge... todas industriales, básicas, brillantes y me atrevo a decir que, para un manitas, sencillas de copiar. Miradlas y seguro que os entran ganas de haceros una.


A mí me apetecería ponerme manos a la obra con la Galaxy, aunque a riesgo de que, en el momento más inesperado, me caiga encima la bobina, tendré que esperar a ver si me lo explican paso a paso en bricomanía.


Lo vi, en mi archivo, ni idea de dónde lo encontré en su momento.

Etiquetas: decoración, humor, iluminación, materiales, objetos, todos

De los buenos recuerdos que tengo de la infancia uno de los mejores es el de las casitas que nos hacíamos mi hermano y yo con los cojines del sofá, ahí nos metíamos en nuestro micromundo donde los mayores no tenían acceso. ¿Esto lo he contado ya?...

Por eso disfruto tanto cuando veo algún modelo que me gusta, que no es ñoño ni plasticoso, uno que se pueda usar sin miedo a romper.


Así que me he quedado encantada cuando he descubierto el prototipo Cardboard Cubby que ha diseñado la empresa Super Colosal. En realidad no ha sido pensada como casa para niños sino que se hizo para decorar el stand de una feria de Diseño y decoración en Sydney. esta es la interpretación que los autores hicieron de una casa sostenible.


Al desmontar la feria, el prototipo de cartón, pasó al jardín de una casa donde descubrieron su utilidad como casa de juego. Total que al final la van a producir para ese fin, en un tamaño más pequeño, que quepa en el maletero de un coche y a un precio muy barato para que cuando se deteriore con el uso o la lluvia se puede volver a reponer sin dolor de corazón, y la que ya no nos sirva se puede reciclar sin ningún problema.


Además los autores te facilitan los planos, por si algún impaciente la quiere construir ya. Solo piden que cuando se tengan montada les pasen una foto. No parece muy difícil de hacer.


Si la comercializan, ya tengo regalo para todos los amigos con niños, seguro que a la larga me lo agradecen, no les van a ver el pelo en un buen rato y además ahí saciarán sus ganas de pintar en las paredes. Con un tamaño más pequeño, no se necesita jardín para montarla.


Mientras sale o no a la venta tendré que conformarme con regalar algo más pequeño aunque igualmente creativo y por supuesto original. Así que compraré los muebles de Carton Chic que he visto en Little Fashion Gallery.

Se trata de juguetes que reinterpretan otros clásicos, con un aire moderno y un sentido ético que los hace baratos, didácticos, ecológicos y customizables. Qué mas se puede pedir.


La Cardboard doll house or garage es una casa de muñecas de estilo ¿racionalista? a la que no le falta detalle, garaje, piscina, helipuerto, rampas, varias habitaciones... qué felices podrían ser aquí Barbie y Kent...

Pero es que además puede usarse simplemente como un garaje, si es que el dueño es más aficionado a los coches que a las muñecas.

Además se puede plegar para guardar debajo de la cama.


También me podría decidir por el Reversible cartboard theater otro mueble de las mismas características. Este es un teatrillo reversible por un lado con forma de pantalla de televisión que es mas cercanos a los pequeños que el clásico teatro de marionetas y por el otro recrea una cocina.

Una delicia de juegos con un precio que no está mal, la casa 34 libras y el teatrillo 29.


Moraleja: Unos niños que crecen jugando con objetos de cartón sin complicada tecnología y consumo de energía, de mayores serán algo más solidarios con el medio ambiente. O todo lo contrario, que con las personas nunca se sabe...

Lo he visto en Minor Details y en Swissmiss.

Etiquetas: ecología, niños, objetos, simplicidad, sostenibilidad, superficies, todos

Hoy estoy realmente agotada y es que la cultura cansa, pero mucho, sobre todo cuando se consume en grandes cantidades y sin tiempo para digerir. Lo que quiero decir es que tengo tal indigestión de ARCO que creo me va a durar hasta el año que viene por estas fechas.


Así que prefiero escribir sobre casi nada, simplemente sobre sombras en el suelo.


Ese "casi nada" se llama The life of a Shadow y es una acción de street art de Ellis G. un artista de Brooklyn que se ha dedicado a siluetar, con una simple tiza blanca, todas las sombras inspiradoras que ha encontrado a su paso.


Vehículos aparcados en la calle, mobiliario urbano, persianas, mesas, sillas... todo lo que proyecta su sombra sobre las calles de Nueva York es susceptible de ser siluetado por este artista.


Su obra es tan perecedera, que bastan unas pisadas o una simple lluvia para que desaparezca sin dejar el menor rastro de su existencia. Arte con una fecha de caducidad demasiado corta, eso me gusta.


Y después... vuelta a empezar, que hay muchas sombras que perfilar, y algunas son preciosas.


Ojalá la lluvia de hoy, borre algunas cosas que no quiero ver.


Uff, un poco cursi me ha quedado este post.

Etiquetas: arte, street art, suelos, todos

Pero, pero, pero, qué simple y divertida idea, que me deja pensando cómo no lo había visto antes y cómo no se me ha ocurrido utilizar algo parecido en mi trabajo.

Y ha tenido que venir Finn Magee, un joven diseñador industrial Irlandés, para ponerme ante los ojos, cómo se puede dar vida a un papel, otorgándole atributos que en principio no le corresponden y que él vincula con la imagen que representa.


Vamos, que me lío, lo que se le ha ocurrido es dar uso a los objetos que imprime en un papel formato poster. En este caso han sido, un flexo de los de toda la vida, y un despertador digital, también de los de andar por casa.

Así en esta serie llamada Flat Life, el poster con el reloj, nos da la hora en formato digital y la lámpara, pues ilumina, todo ello gracias a unos diminutos leds.


El despertador seguramente no tenga alarma y la lámpara tampoco iluminará como si se tratara de la versión real, pero el efecto es increíble e inspirador, la de cosas que haría con esta idea...

Se trata de un proyecto exhibido en el Museo del Diseño de Londres y la propia presentación del producto es original, en una secuencia de posters el artista va mostrando con imágenes su instalación.


En este caso, estos posters se van a vender, por lo que si estamos interesados en conseguirlos, debemos contactar con el diseñador.

Me encanta sobre todo por lo que me ha inspirado.

Lo he visto en Designerblog.

Etiquetas: decoración, humor, iluminación, objetos, tecnología, todos

Parece que, cuando falta muy muy poco para que demos la bienvenida a la web 3.0 (espero reconocerla cuando llegue) clientes, agencias, planificadores y todos los que sufrimos en nuestras carnes los dictados del marketing y la publicidad ... nos hemos leído por fin el Manifiesto Cluetrain.

Bueno, algunos nos lo hemos leído y a otros nos lo han contado... El caso es, que el asunto de los mercados como conversaciones... por fin nos ha convencido y lo estamos intentando aplicar rápidamente y de la mejor manera que se nos ocurre, antes de que deje de ser tendencia.


Todos lo hacen, (los que crean los microsites se deben estar forrando) y hay que estrujarse mucho mucho la cabeza para parir una estrategia que no defraude. Lo más normal es que, bajo el señuelo de una conversación atractiva e inteligente el resultado sea... quien sabe qué...

Hoy quiero comentar una de estas "conversaciones", la que ha iniciado la empresa de mobiliario BoConcept, a que ya pensabais que me había ido por las ramas.

Me he enterado por Brandlife, y me ha hecho gracia. Copio textualmente:

Etiquetas: crítica, decoración, mobiliario, no me gusta, objetos, todos

Hoy toca decoración, pero con mucha literatura porque he visto en Pan Dan, una mesita de noche con la apariencia de una pila de blancos libros, de lo más divertida.

Siento si he defraudado a alguien que hoy esperaba temática "día de los enamorados", pero creo que hay tal sobredosis de este tipo de información que no merece la pena molestarse en encontrar algo distinto y original, otro día tal vez...

Volviendo al tema, el mueble ha sido un trabajo de fin de curso de la estudiante de diseño Josefin Hellström-Olsson, para la escuela Beckmans de Estocolmo.

Se llama Pile of books y es muy ocurrente, aunque... (como siempre poniendo pegas, ¡es que es tan fácil es criticar desde la distancia!) no todo lo cómodo que debería para tener al lado de la cama.

Se trata, como su nombre indica, de una pequeña mesa en forma de libros apilados y desordenadamente ordenados de menor a mayor.

El lomo de dichos libros está hueco para poder meter objetos. Estos, no pueden ser muy grandes, más bien está pensado para libros, zapatillas y lo mínimo que uno necesita en su ritual nocturno.

En la parte superior hay sitio para un vaso, un despertador las gafas y poco más hay que tener cuidado al depositar cosas medio dormido, seguro que se caen.

Buen ejercicio de estilo para empezar una andadura como diseñador. Con algunos ajustes, la pieza funcionaría fenomenal. Y original... es un rato...

No creo que la veamos comercializada.

Etiquetas: decoración, mobiliario, objetos, todos

Mal día para la creatividad, mejor no haber salido.


Según piso fuera de la oficina, me "asalta", una simplona aunque carísima campaña de publicidad exterior, para un coche que a pesar de todo... me gusta. Triste.


Mas cosas tristes... paseo tardío por Recoletos para descubrir: 1, que el apartamento reversible, que mi admirado Santiago Cirugeda ha instalado en Cibeles, para Madrid Abierto no estaba aún listo. 2, que me hubiera gustado verlo montado en una verdadera azotea, porque en su ubicación actual queda un poco desangelado, no se entiende bien y parece casi una caseta de obra.


3, que el resto de las cosas que he visto (Recoletos, Cibeles, Alcalá) relacionadas con este evento, no me han interesado. Es posible que las intervenciones no estuvieran funcionando del todo, pero no se por qué, me han parecido poco creíbles, y que no se ofenda nadie por favor, pero me he acordado de cuando un cliente te pide un encargo y te dice cosas como... hay que hacer algo "estilo arte urbano"... es para vender bien Madrid... que vienen los de Arco..., por el dinero no hay problema... pero que quede bien... ya sabes.


Así que, relacionando coches, espectaculo y creatividad, me ha venido a la cabeza un artista chino que ha hecho la mejor intervención con coches que he visto en mi vida.


El artista se llama Cai Guo-Qiang y es un maestro de la escenografía, sus montajes son dramáticamente teatrales, de difícil ejecución y de una sensibilidad bastante brutal. Del 22 de febrero al 28 de marzo, se podrá ver I Want to Belive, una exposición retrospectiva sobre él, en el Museo Guggenheim de Nueva York.


Según cuenta la página del museo, "el artista ha adoptado un lenguaje artístico contemporáneo. Bebe de fuentes de la antigua mitología, de historia militar, cosmología taoísta, estudios sobre extraterrestres, tácticas revolucionarias maoísta, filosofía budista, tecnología, medicina china, y métodos de la violencia terrorista. Para Cai el arte es una forma de energía social, constantemente mutable, la vinculación de lo que él denomina "el mundo conocido y el desconocido".


Bueno, así debe ser, de lo que no cabe duda, es que su obra es rabiosamente moderna, y dramática. Basta con echar una ojeada al montaje, Innoportune: Stage One del 2004, en el que recrea un accidente de coche, para quedarse boquiabierto.


En esta obra, el artista ha sabido captar el instante de la colisión de un coche, para ello va dramatizando toda la secuencia, presentando en varias escenas consecutivas cómo va girando el vehículo a la vez que saltan chispas de él.


Para ello se vale de varios coches que cuelga del techo con cables transparentes cada uno más girado que el anterior. Para representar los chispazos, varillas de acero con led de colores en las puntas que atraviesan la carrocería de los coches. El efecto es el de una autentica imagen congelada.


Esta obra fue creada en el 2004 para el Mass MoCA de Massachusetts, en el 2006 se montó en Shawinigan, Canada y ahora en El Guggenheim de Nueva York. Recomiendo echar un vistazo a las fotografías del montaje de esta última exposición.


Nunca hubiera pensado que me podría atraer mirar un peligroso accidente de coche a cámara lenta.


El resto de sus instalaciones también merecen una visita. Hay muchos temas recurrentes, como son la congelación del movimiento, las chispas, los fuegos artificiales, el fuego, las secuencias, las proyecciones, los animales, los objetos destruidos...


Aunque mi instalación favorita es Innoportune: Stage One, me gustan otras como el 99 Golden Boats, el Clear Sky Black Cloud, Illusion II, Explosion Project, Inopportune: Stage Two, Dream, Fireworks from Heaven, Red Star Flying Saucer, etc, etc, etc, etc...


Menos mal, ya me encuentro mejor, después de esta explosión de creatividad, de técnica y de imaginación. Lo he visto en The Cool Hunter.

Etiquetas: arte, evento, iluminación, tecnología, todos

Por fin encontré la información del mueble-librería- estantería que un día vi en un escaparate de Londres y del que no tenía información ninguna, solo una mala foto y un vago recuerdo.

Me encanta cuando esto sucede, de golpe, sin proponértelo, zas, das con lo que te habías vuelto loca buscando, es la magia de la red, casi todo suele aparecerme antes o después.

Bueno pues ahora se que se llama Assemblage y que ha sido diseñada por la empresa italiana Seletti.


Es un mueble con cierto aire de provisionalidad, compuesto por 10 módulos cuadrados, sin trasera ni delantera, fabricados en madera y serigrafiados en negro con motivos: figurativo, floral, tipográfico, ornamental, cuadriculado...

Todas las piezas son de distinta medida, cada una un poco más pequeña que la siguiente, por lo que se acoplan unas dentro de otras, ocupando el mínimo espacio.

Cuando se monta, adquiere un aspecto, algo desequilibrado, debido a que las piezas no encajan perfectamente y hay que sujetarlas con unas correas, que son las que le dan consistencia al conjunto.


El resultado final... de lo más divertido. Aunque no se muy bien si será todo lo seguro que debiera, yo por si acaso, no la llenaba de objetos pesados.

Por lo demás... de lo mas apetecible.

Etiquetas: almacenaje, decoración, humor, objetos, todos

"El agua es vida", esta vez no estoy intentando dar una charla sobre el tema, es que esa es la frase que ha utilizado el artista Henk Hofstra para acompañar a los 1000 metros de pintura azul de su intervención artística The Blue Road en Drachten, Países Bajos.


Lo que ha hecho el artista, ha sido cubrir de viva pintura azul una carretera de 1.000 metros de longitud y 8 metros de ancho. El trazado coincide con un antiguo canal que fue anegado para construirla.


Todo lo que queda dentro de ese espacio ha sido pintado de azul y sólo permanecen en blanco las señales viales y las palabras "Water is leven" incluso se puede ver lo que parece un coche azul hundiéndose en el azul asfalto.


Para el proyecto se gastaron 4.000 litros de pintura y costó 75.000 euros y la mitad fue subvencionado por el ayuntamiento.


Esta instalación no es pesimista, no quiere dramatizar sobre la falta del agua, muy al contrario hacer una simulación gráfica de cómo va a quedar la ciudad en el futuro, porque durante el 2008 las aguas van a volver a su cauce primitivo recuperando la carretera su antigua condición de canal.


La pintura industrial es un material relativamente barato pero inteligentemente aplicada puede conseguir fines reivindicativos espectaculares.


Ya en el 2003 el artista Florentijn Hofman pintó de amarillo una calle de Schiedam uno de los pueblos más pobres de los Países Bajos.


Esta acción llamada Gele Straat quería marcar dicha calle en color dorado, para simbolizar la riqueza que iba a conseguir al convertirse en la nueva entrada principal al pueblo.



La obra Delete de Cristoph Steinbrener, reflexiona sobre la invasión de los espacios publicitarios en las grandes ciudades. Este artista, se atrevió a, literalmente, borrar todo tipo de publicidad de una calle comercial de Viena en el 2005.


Así comerciantes y anunciantes vieron como sus rótulos, señales y publicidades fueron cubiertos de amarillo, durante dos semanas, dejando así la calle muda de publicidad que pudiera servir de reclamo y perturbar a los transeúntes.


El artista anteriormente mencionado Florentijn Hofman utilizó pintura azul en su instalación Beukelsblauw con la que cubrió varios edificios del principios del s. XX en Róterdam. El artista se propuso mantenerlos de ese color hasta que se decidiera sobre el futuro incierto de dichos edificios. En realidad lo que consiguió fue que pasaran del anonimato a ser los más fotografiados de la ciudad.


La intervención ha durado del 2004 al 2006 y según el artista ha hecho que los habitantes de la ciudad reflexionen sobre la desaparición de edificios tradicionales para ser sustituida por una arquitectura de moda.


En el 2006, Florentijn comenzó una intervención similar con el color naranja Campagne voor Oranje que aplicó no solo a fachadas sino a soportes publicitarios.


La información la he sacado de Guerrilla Innovation.

Etiquetas: arte, humor, street art, todos, urbanismo

Para compensar la desagradable carga de carne del anterior post, os dejo unas imágenes algo relajantes algo claustrofóbicas e inquietantes en cualquier caso.


Se trata de la instalación que los arquitectos japoneses del estudio Sanaa han elegido, como obra permanente para su Museo de Arte Contemporaneo de Kanazawa y que ha sido creada por el artista argentino Leandro Erlich.


Los visitantes del museo tienen la posibilidad de acceder a un mundo subacuático donde todo es azul verdoso y el sonido del exterior llega amortiguado por el agua. De esta manera, el minutos antes, extrañado observador de este mundo irreal se convierte después en objeto observado por los que le preceden.


¿En qué lado del agua os gustaría habitar?.


Y ya que estaba me he dado una vuelta por la página de Leandro, no conocía su obra pero me ha sorprendido gratamente.


Según explican en ARQtipo "Leandro Erlich produce instalaciones fenomenológicas que juegan con nuestro sentido de la realidad a través de la astucia y la manipulación del espacio físico mediante efectos de simulación. Sus obras apelan a todos nuestros sentidos desafiando las reglas básicas de la percepción. Es aquí donde se origina el aplauso masivo que su arte ha evocado en los últimos tiempos: Erlich sabe apelar al espíritu juguetón de su público en el mundo entero, al sumergir a sus espectadores en un mundo de ilusión".


Mientras espero para disfrutar de su obra me conformaré con mirar las fotos de sus instalaciones.


Lo he visto en Elmanco y en ARQtipo. Las fotos, las he tomado prestadas de la página de Leandro.

Etiquetas: arte, humor, todos

Ángel me ha recordado en su post de hoy, que ha llegado a Madrid "Bodies... The Exhibition", según dice, una copia algo más didáctica, de la famosa exposición de Gunther Von Hagens "Body Worlds”.

También nos cuenta que el tal Von Hagens está intentando vender sus "bodies" plastificados por internet a particulares, por ahora sólo lo ha podido hacerlo a universidades y laboratorios al precio de 31.000 €, debido a que muchos provienen de donaciones y sólo se permite su uso para fines científicos.


Pero seguro que pronto conseguirá salvar los impedimentos legales, para que así los caprichosos, puedan tener su propio cadáver en casa, ya que gracia a las mejoras del proceso, los cuerpos en venta no pasarán de los 12.000 €. Toda una ganga firmada por el "artista Von Hagens".

Es por esto, que inevitablemente me ha venido a la cabeza, lo "fino" que quedaría, completar el bodegón del cuerpo "plastinizado" con alguna de las piezas de mobiliario que diseña el artista italiano, Simone Racheli.


Según cuentan en Arquitectura y Técnica, "La obra "cárnica" de Simone consta de objetos cotidianos recubiertos de carne cruda y posteriormente recubierta con cera, para mantener el aspecto de la carne cruda. Para ello utiliza la técnica de la cartapesta, que es una técnica decorativa en la que se superponen trozos de papel, y en este caso tiras de carne. Esta técnica también se utiliza en la fabricación de máscara para los carnavales".

Así, si queremos exhibir en nuestro comedor un "body sentado" pues lo podemos colocar en una "Poltrona" de carne, o directamente llevarlo al baño con su propio "Water Closet", donde también se puede retocar el peinado con el "Asciugacapelli".


En la cocina hará buen papel gracias a la batidora "Frullino" o la plancha"Ferro da Stiro". Y para llevarlo por la ciudad es imprescindible su "Telaio Bicicletta".

Vamos, que me río yo de los complementos de la Barbie.


Ya lo conocía esta macabra colección desde hace tiempo y desde luego no tuve la intención de hablar de ella, vamos es que sólo pensar en tocarlas me espeluzna, pero claro, me imagino esos pobres "Bodies" sin ningún aditamento y no he podido resistirme... prometo no volver a hacerlo.

Lo he visto en Arquitectura y Técnica.


Por si a alguien le ha entrado el gusanillo de ver más sobre arte cárnico, aquí dejo el enlace de un artista tailandés, cuyas creaciones parecen exactamente partes del cuerpo humano desmembrado y su estudio un matadero. En realidad, se trata de un panadero cuyas creaciones tienen sabor a simple pan. Graciosillo el chico. Lo he visto en Mystarbucks.

Debo hacer otro post rápido, para que no tengáis que sufrir ésto, nada más entrar en el blog.

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Producto hecho por aquí cerca, eso es lo que necesito hoy, que ya está bien de andar siempre con los ojos entornados, intentando vislumbrar en la lejanía ese producto maravilloso o ese diseñador que me haga tilín.


Pues mira por donde, hoy me quedo en casa y he traído a unos creadores valencianos para que me aconsejen cómo dar un toque más divertido a la anodina iluminación de mi atiquito.


Son Daniela y Juan Carlos, se les conoce como Madreinspain, sí, sí, madre... no made... y han sabido mezclar en justas dosis, las bellas artes y la publicidad para crear lámparas, que como poco, provocan la sonrisa y que según ellos afirman, además, "nos hablan".


Pero en realidad no son diseñadores de lámparas, sino decoradores de luminarias, es decir, a cualquier sistema de iluminación lo dotan de vida propia, le asignan un mensaje y lo convierten en divertido y único.


Estos duendecillos, realizan sus travesuras iluminatorias en casas, empresas, locales, o cualquier sitio que a uno se le ocurra. Sólo tenéis que mirar en su sección "Sitios" para ver hasta donde llega su imaginación. ¿No es divertido, por ejemplo, su proyecto para el Home Guest House, para el Café del Mar, para el estudio de Rafa Armero o para el Home Backpacker?...


Todos los proyectos son distintos y personalizados, pero tienen un claro sello distintivo que yo relaciono con la iconografía publicitaria, las tiendas de los chinos (que me perdonen por la asociación), el clima mediterráneo y el humor inteligente.


Tienen tres lineas de lámparas, que espero pronto estén a la venta, "Círculos", son cajas de luces circulares, que ellos casi humanizan, otra "Planchas", en la que el metacrilato iluminado, se convierte en transmisor de mensajes tipográficos y gráficos y una tercera "Bolas" en la que ellos personalizan esferas de todo tipo, hasta casi darles vida, de manera que te entran ganas de adoptarlas.


Según me han comentado, aunque ellos normalmente se dedican a proyectos personalizados y piezas únicas, están empezando a comercializar algunas series, como el OJO.


Pero vamos, lo normal es que les requieran para proyectos completos de iluminación, en los que ellos estudian al cliente y sus necesidades y de ese trato directo es de donde fluye su creatividad.

No penséis que esto es un post publicitario, para nada, lo que pasa es que me encanta hablar de cosas que se hacen por aquí y que además están llenas de sentido del humor. Simplemente es eso.


Las fotos me las han pasado ellos, muchas no están en la web, pero si la visitáis, seguro que pasáis un rato divertido.

Etiquetas: decoración, humor, iluminación, objetos, todos

Dos cosas que he encontrado y de las cuales no tengo opinión pero como son curiosas, ahí las dejo, por si a alguien le inspiran. Por cierto las dos necesitan aire para alcanzar su forma definitiva.


La primera es el Museo Aero Solar creado por Tomas Saraceno un artista especializado en instalaciones inflables, modulares y móviles con las que, según el artista, "el hombre puede experimentar sensaciones poco comunes".


Este museo es una especie de globo aéreo, fabricado exclusivamente con bolsas de plástico recicladas. Se eleva con aire caliente que se genera con energía solar.


El globo viaja de ciudad en ciudad y va creciendo con la colaboración de los artística artistas y ciudadanos que lo desean. Así las dimensiones, la forma, el color y la ubicación están mutando constantemente.


Podéis ver la mecánica del proyecto en este vídeo grabado en Medellín, Colombia.

Las próximas paradas de este ligero museo serán Tirana en Albania y Rapperswil-Jona en Suiza.


Lo he visto en Swissmiss.

La segunda cosa, también flota en el aire, y aunque se trata de un graffiti no huele a pintura ni mancha ni deja huellas indeleble en las paredes. Es muy especial y tiene nombre propio se llama Free-floating Graffiti.


Ha sido desarrollado por una agencia de comunicación alemana llamada Jung von Matt con la intención de establecer un puente entre el verdadero arte del graffiti y su representación virtual, casi nada.


El artista de graffiti DAIM fue elegido para el experimento. Equipado con la tecnología adecuada, DAIM dibujó en el aire su obra virtual que fue recogida por tres cámaras equipadas con un programa llamado Motion Capturing.


Estas 3 cámaras grabaron los movimientos que el artista ejecutaba con el spray virtual y que eran transmitidos a las gafas del artista en tiempo real. De esta manera podía decidir cómo y dónde aplicar sus trazos, y por medio de un controlador de bluetooth también determinar los colores, la fuerza de las pinceladas y texturas de su trabajo.




En el vídeo es más fácil hacerse a la idea aunque desde luego a mi me hace gracia ver aun tipo tan serio, tocado con un casco de obra que lleva incorporado un cartel en la parte delantera, y que luego se quita, con unas extrañas gafas y una especie de paleta rectangular en la mano con la que va haciendo movimientos en el aire como si de un baile se tratara. Después, cuando ves lo que ha hecho pasado por el filtro de las cámaras, algo más entiendes, aunque sinceramente tampoco es que me encante.


Los creadores dicen que así será el arte de las calles de la próxima generación. Desde luego yo me resisto a ponerme esas gafas cada vez que salga por si hay alguna nueva obra de mis artistas favoritos. ¡Que no, hombre, que no!.


Lo he visto en Cool Design Ideas.

Etiquetas: arte, crítica, evento, reciclaje, street art, todos

El arte pronto se instalará al sur de New York, en forma de 4 cascadas artificiales, con la intención de acercar el arte a los habitantes y turistas y de paso proteger los hábitos acuáticos y el medio ambiente de la ciudad.

The New York City Waterfalls han sido proyectadas por el famoso artista danés Olafur Eliasson y subvencionadas por la fundación privada Public Art Fund. Se podrán ver en a lo largo de las costas de Brooklyn, Manhattan y Governors Island, de julio a octubre del 2008.

El Public Art Fund durante los últimos 30 años se ha encargado de acercar innovadores proyectos de arte a los ciudadanos, y mediante su apoyo económico, muchos artistas han podido mostrar su arte en espacios público.

El espacio elegido esta vez para situar las obras es bastante simbólico, ha servido de puerto de entrada durante 4 siglos a Estados Unidos y punto de origen para el crecimiento de la ciudad.


Estas espectaculares cascadas artificiales de 90 a 120 pies de altura funcionarán de 7 a 22 horas, los siete días de la semana y serán iluminadas después de la puesta de sol agregando así un nuevo icono en el skyline de la ciudad.

Gracias a la gran altura de estas obras se podrán ver desde el corazón de la ciudad acercando a los ciudadanos un poco de naturaleza y mejorando sus relaciones con el entorno.

Además han sido construidas con materiales comunes de la ciudad, andamios como columna vertebral de la estructura y las mismas bombas que traen el agua desde East River. También se ha tenido en cuenta en su construcción el compromiso con el medio ambiente

No sólo se protegerá la vida acuática, el río y la costa, sino que también se ejecutarán con electricidad generada a partir de recursos renovables.


Pero este proyecto, no sólo trata de todo lo anterior, hay más, un trasfondo económico evidente, se trata de rehabilitar la zona para hacerla más atractiva a los inversores y además se prevé una gran entrada de dinero con este reclamo turístico, para el que se articulará un potente plan de marketing y una puesta en marcha de infraestructuras que faciliten la visita pro tierra mar y aire.

Por lo que he podido leer hay muchas expectativas puestas en este proyecto tantas que parece que la elección del artista (mediático) y la espectacularidad de la obra es una mera excusas para un fin más económico y propagandístico.

Pero bueno, sea por el motivo que sea, New York va a disfrutar de una atmósfera húmeda y fresca este verano. Habrá que ir.

Etiquetas: arte, evento, sostenibilidad, todos, urbanismo

Otro de los muchos elementos básicos, de esos de toda la vida, que ha sufrido en sus carnes la mirada irónica de un creador buscando nuevos usos a objetos simples.

Esta vez ha sido un diseñador conocido, Sander Mulder el que la ha versionado, bueno en su caso es mejor decir que la ha roto. Tan simple como eso, una bombilla rota que ilumina como si tal cosa.


Se llama Ceci n'est pas une lampe y según su autor, este objeto juega con los estereotipos impresos en nuestra mente. Es algo así como poner magia en un objeto cotidiano de nuestras vidas, la lámpara se convierte en sombra y las sombra en lámpara.

Además es segura al tacto, está fabricada en pirex, por lo que no se rompe y está pulida para que los cantos no corten.


Un curioso objeto que sorprende por su simplicidad. Ahora sólo falta que sea barato, no he encontrado el precio.

Lo he conocido por Below the Clouds.


Repasando el trabajo de Sander Mulder me ha encantado otra lámpara de gran simplicidad e ingenioso mecanismo, se llama Cyclops y consiste en un tubo dividido al centro por un mecanismo circular, un aro del que se tira para apagarla. Así mientras los tubos no vuelvan a estar en línea recta la lampara no se encenderá de nuevo. Otra forma de rotura.

Es de lo más simple y muy apropiada para situar encima de un puestos de trabajo.

Etiquetas: humor, iluminación, objetos, simplicidad, todos

Otra vez vuelvo con lo verde. Esta vez con un ejemplo de cómo añadiendo un elemento de ese color al espacio, podemos hacerlo más habitable.

Eso es lo que se propuso el estudio Spark, intentar hacer más apetecible una zona de paso sin ningún atractivo, situada en la parte posterior del edificio de The Economist en el centro de Londres.

Cuando se diseñó este edificio, en el 64, se pensó que esta plaza trasera podría ser un sitio donde los trabajadores descansaran retirados del mundanal ruido. En la práctica, simplemente había quedado como lugar de paso, un atajo para ir a otro sitio.

Así que Spark, por iniciativa propia, propuso un proyecto llamado Convocation consistente en una alfombra de césped artificial que actuara, como su nombre indica, como invitación o convocatoria para pasar al interior, donde se llegaba una plataforma elevada, del mismo material, dispuesta como zona de descanso.

En este caso, ningún elemento utilizado en la instalación es natural, pero también funciona.


El resultado es el mismo que produce una alfombra roja, inevitablemente se asocia a que nos transportará a un espacio de glamour y sofisticación. En este caso, el palillo verde conducía directamente a un área de descanso y relax, una mini colina verde desde donde, mientras se descansaba, se comía, o fumaba un pitillo, se podía contemplar el devenir de la ciudad.

Lo que Spark pretendía, a la vez que invitar al uso de este espacio público, era hacer una reflexión sobre cómo un periódico que habla de macroeconomía mundial también se preocupa de fomentar la conversación entre personas que comparten un espacio mientras comen un bocadillo. "La escala macro a la micro". Bueno, eso me parece un poco traído por los pelos...

La pieza se instaló a principios de agosto y se mantuvo hasta finales de octubre.

Yo lo he visto en Iconeye.

Etiquetas: arte, evento, exteriorismo, materiales, simplicidad, suelos, todos, urbanismo

Me gusta la intervención urbana Streetclock que ha desarrollado 3eyes, una consultora de diseño especializada en acciones interactivas orientadas a clientes interesados en nuevos usos creativos de la tecnología y que desarrollan en el entornos de la movilidad, la conectividad y los factores humanos.

Bueno, pues precisamente la acción que me ha llamado la atención de esta empresa, es una de las menos tecnológica, pues se trata ni mas ni menos de crear relojes de sol a partir de mobiliario urbano.


Lo que hacen, es elegir elementos urbano como bolardos, perfiles de casas, postes de señales o farolas... que harán las veces de agujas de un reloj pintado por ellos en el suelo, y que funciona a medida que las sombras que proyectan van desplazándose a lo largo del día.

La configuración de sus relojes solares ha quedado reducida a unas marcas viales, propias del suelo urbano y anotaciones horarias que no tienen que indicar horas en punto, sino otras más personales como 10:19 o 5:02.


Según 3eyes, el tiempo no es sólo es que nos dan los relojes digitales, los móviles o las PDA´s, sino que su paso es algo físico, tangible y tan simple como las sombras que se desplazas y hacen referencia a la posición del sol en el cielo.

A lo mejor estas sombra no son tan precisas como los dígitos de nuestros relojes y además se distorsionan o desaparecen momentáneamente con el paso de los viandantes, pero tampoco dejan de funcionar nunca al no dependen de la tecnología.


No está entre sus preocupaciones la precisión horaria, sino más bien recuperar y acercas los territorios urbanos a sus habitantes y para ello se inspiran en la estética del propio lenguaje vial que satura los espacios públicos.

Buena y simple idea de cómo interactuar en espacios públicos sin dañarlos y que además aportar una beneficio para los habitantes de ese espacio que podrá saber mas o menos la hora pero sin estar sujetos a la tiranía de los fríos dígitos que nos acosan en nuestra rutina diaria.


Sutil y de lo más creativo.

3eyes, tiene más proyectos interesantes relacionados con el espacio urbano. Es el caso por ejemplo de su proyecto Loca, en el cual nos hacen reflexionas sobre la facilidad de ser localizados y vigilados a través de nuestros teléfonos móviles.

¿Qué pensaríais si de golpe empieza a pitar vuestro móvil y os llega un mensaje por bluetooth parecido a este "En estos momentos estamos teniendo dificultades con la supervisión de su posición: por favor, mueva su dispositivo de red en el aire" o "Usted ha estado en una floristería y 30 minutos en un parque ¿está usted enamorado?" os aseguro que a mi me da un pasmo y apago el móvil inmediatamente.


Preguntas como ¿Qué ocurre cuando es fácil para todo el mundo realizar un seguimiento de los demás?, ¿de qué manera la vigilancia de unos a otros se puede ver afectada por el nivel de consumo de tecnología peer-to-peer sin que se controle a través de un punto central? son algunas a las que 3eyes nos obliga a enfrentarnos con esta acción.

Son muy inteligentes estos señores y adelantadillos, porque en vez de platearse este tipo de acciones bajo un sello artístico, como sería habitual, ellos se lo ofrecen a clientes inquietos e innovadores para que de esta manera llegue su mensaje provocador al público final.


Si hasta han conseguido con su taller Feral London que un grupo de clientes ¿ricos? paguen por sobrevivan 48 horas sueltos en las calles de Londres, solos, sin dinero, sin llaves de casa, sin móvil, sin robar, desplazándose a pie y vestidos con un traje de chaqueta y corbata, y sin nadie que les ayude...

Perfecto, ellos viven estupendamente haciendo lo que les interesa y además grandes clientes les sirven como altavoz de sus subversivos mensajes.

Etiquetas: crítica, evento, exteriorismo, street art, tecnología, todos, urbanismo

Que los habitantes de una ciudad puedan constatar el nivel de su consumo de energía, de manera gráfica, algo debe influir para su uso responsable.

Si cada noche, cuando te asomas a la ventana, ves en el horizonte, como si de un anuncio luminoso se tratara, la evolución del tamaño de las emisiones de vapor de la planta de energía que suministra la electricidad a tu ciudad, algún pequeño sentimiento de solidaridad con el medio ambiente te debe inspirar.


Pues eso justamente es lo que pretende Nuage Vert, una intervención artística con intenciones ético medioambientales ideada por el colectivo HeHe, formado por Helen Evans y Heiko Hansen.

Durante las noches del 22 al 29 de febrero la nube de vapor que emerge de la chimenea de la Central Eléctrica de Salmisaari en el centro de Helsinki, será siluetada por un láser verde para evidenciar las dimensiones del consumo de energía de la ciudad. Así, durante este periodo se podrá apreciar si dicha nube aumenta o disminuye.


En este proyecto, además de una evidente intención medioambiental, existe otra más simbólica y que tiene que ver con transformar una planta de energía en activo en un espacio para el arte, en un sitio para el espectáculo.

Este proyecto, de dramática belleza, se ha presentado en Pixelache un Festival de Arte Electrónico y Subculturas que se celebra en varias ciudades como Helsinki, Estocolmo, Bergen, Rekiavik, París o Medellín.


En el 2002, HeHe inició Nuage Vert, dentro del proyecto Pollstream, con la intención de crear una serie de entornos interactivos en los que los miembros de la audiencia se encuentran en un proceso de vigilancia de la contaminación, localizada en el mismo momento en que se producen.


Y para ello utilizan el humo de las chimeneas como vehículo de información y se ayudan de la tecnología láser y del color. De esta manera gráfica, quieren que el público tome conciencia y se responsabilice individual y colectivamente de estas emisiones.


Con ese planteamiento, se intervino en el 2002 y el 2003 en Dunkerque, en Helsinki y en Saint Ouen París.

Este es el tipo de actuaciones que lleva a cabo HeHe, un inquieto colectivo francés especializado en instalaciones arquitectónicas interactivas y experimentales y que se define como una "plataforma para el arte, el diseño y la investigación, desde la que explorar nuevas formas de integrar los medios de comunicación electrónicos en el medio físico".


Tienen en su haber más proyectos relacionados con el medio ambiente. A los interesados en el tema os recomiendo que miréis detenidamente la web de sus trabajos, que son muchos y os paréis en los vídeos. Yo voy a reseñar alguno de los más vistosos.


El Tapis Volant un recorrido nostálgico y romántico por Estambul mediante una alfombra voladora que se convierte en un espectáculo real pero anclado en la ficción, por una de las calles restauradas con más tradición de la ciudad.


En realidad, se trata de un minivehículo con apariencia de alfombra que discurre por las vías del tranvía de Istiklal, controlado simplemente por el movimiento del cuerpo.


En Bruit Rose, un soporte publicitario de exterior es utilizado de manera interactiva para transmitir mediante dígitos el ruido medioambiental y de los transeúntes en una concurrida calle.


En este caso el soporte se convierte en un receptor, que refleja lo que ocurre en su entorno, y así se consigue una función didáctica alejada del normal uso de los espacios de publicidad.


Lofi, instalación en la fachada de una sala de conciertos de París, que funcionó como un ecualizador, transmitiendo de una manera gráfica lo que estába sonando en el interior del edificio.


Bueno, podéis ver más intervenciones en su página, también leer sus textos que hablan de medio ambiente, arte, urbanismo... Yo lo dejo aquí por hoy.


Los he conocido por Corre77.

Etiquetas: arte, ecología, evento, iluminación, sostenibilidad, todos

Y repasando los premios Red Dot Design Award 2007 me ha llamado la atención poderosamente el premio al mejor accesorio de interior. La pieza se llama Instant Blosssom y ha sido ideada por Lee Seung-ki ¿otro coreano?.

Me parece un magnífico detalle para ese regalo sorprendente y no demasiado caro que a veces tenemos que hacer, tipo amigo invisible, cumpleaños, o simplemente si queremos sorprender a alguien o ganarnos el corazón de una persona querido.

Muy simple, porque se trata de una especie de tarjeta de cartón reciclado, bastante compacta. En ella aparece troquelada una forma y dibujado lo que podrían ser unas flores y los tallos.

Hasta aquí la pieza es en dos dimensiones, por lo que no ocupa espacio y puede ser enviada por correo sin problema.


Pero por supuesto, la cosa no queda ahí, porque una vez sacada de su embalaje y manipulada, se convierte en un "casi auténtico" jarrón de flores.

Si añadimos agua al papel, veremos como empiezan a surgir flores de verdad (creo) y las dos dimensiones se llenan de una tercera muy florida.

No se bien cómo es el procedimiento pero creo que las plantas han sido tratadas con un sistema llamado de cultivo hidropónico, que las debe dejar como planchadas, de manera que al añadirles el agua, vuelven a su primitiva forma, recuperando todo su esplendor, bueno, eso en teoría.

Además, si doblamos por la mitad el cartón, ya florecido, tendremos una forma que simula un jarrón también en 3 D que se mantiene de pie.


La idea es muy buena y si de verdad funciona tengo que quitarse el sombrero delante de su inventor.

A ver si lo comercializan pronto y sin un precio exagerado, es que sería una elección magnífica para algunos de mis regalos de empresa. Yo siempre pensando en lo mismo...

Ingeniosíiiiiiiiiiiisimo.

La información me ha llegado por Red Dot Design Award y la he completado en Yanko Design.

Etiquetas: decoración, flores, humor, materiales, objetos, regalos, todos

Un diseño sencillo y estéticamente impresionante.

Que a unas baldosas de aspecto tradicional se le puedan añadir unas piezas del mismo material y que lleven incorporado un sistema luminoso, para mí es un misterio y no es que no haya querido enterarme pero no he encontrado gran cosa sobre el tema, se trata de un prototipo y no hay documentación.

Están diseñadas por una talentosa coreana (Oriente está que se sale) llamada Hyomi Kim, que no tiene aún web y cuyos trabajos aparecen publicados en Coroflot, una web donde estudiantes y jóvenes profesionales anónimos, pueden publicar su book de trabajos, entre otras cosas por si hay suerte y algún cazatalentos los descubre.

Aunque Hyomi ya ha salido del anonimato, su pieza Tile +Light ganó el premio Design Concept 2007 de los Red Dot Design Award.


Se trata de un sistema de iluminación personalizable para superficies alicatadas. 5 tipos de piezas, permite al usuario crear multitud de formas. Según cuentan, es fácil de instalar, no se ven los cables y es muy apropiado para espacios públicos, parques piscinas y largos pasillos.

Yo lo veo perfecto además para baños públicos y también, por qué no, para privados e incluso cocinas, y como con él se pueden conseguir todo tipo de formas, quedaría interesante enmarcando elementos decorativos y muebles.

No se si cuando la luz está apagada, el acabado final estará a la altura, pero desde luego, iluminadas, me parecen increíbles.

Simples y bellas baldosas, qué espero pronto se comercialicen, en diferentes colores y sin ser demasiado caras. ¿es pedir mucho?.

Lo he visto en Yanko Design.

Etiquetas: baños, cocina, decoración, iluminación, materiales, paredes, todos

Me gusta Turquía, y los diseñadores industriales no iban a ser menos, pero es que se lo merecen. Ya he comentado la obra de ub-studio de una calidad incuestionable. Así que, como no quiero perder la pista a tantos buenos trabajos, de vez en cuando me doy una vuelta virtual por blog turcos que tengo archivados.

En esas estaba, cuando he descubierto una pieza que me ha gustado especialmente, el autor es Aykut Erol y la pieza se llama Line.

Es simple, es limpia, es ligera y es lineal, nunca mejor dicho pues toda la estructura está fabricada con un fino tubo blanco que se moldea a lo largo de su recorrido para adaptarse a multitud de usos, casi tantos como podamos imaginar.

Es perchero, paragüero, mueble bar, repisa, lámpara, estantería, espejo, revistero, librería, mesita y no se cuantas cosas más.


Sería apropiado utilizar algunos de los tramos en una casa pequeña que debe aligerar sus muebles para que no agobien. Pero yo la prefiero en un estudio, un loft o una oficina, donde no importe que los objetos estén a la vista. Y es que resulta impresionante, vista en todo su desarrollo y para eso hay que tener una gran pared.

No conozco los detalles técnicos de esta pieza o y si está a la venta o no y mucho menos cuanto cuesta, el autor no tiene ninguna información en su web. La única información que nos da es que Line ganó, en el 2006, el Premio al Diseño del Año, en la Istanbul Design Week.

También ha participado como representante destacado en la Feria ILK de Milan que estuvo dedicada a su país en el 2007.

Os dejo las fotos, que hablan por sí mismas. A mí, "simplemente" me gusta.

Lo he visto en PHI.

Etiquetas: decoración, materiales, mobiliario, objetos, paredes, simplicidad, todos