Ya me voy y lo dejo todo como lo encontré. No he movido nada, no he roto nada, no he pintado en las paredes y tampoco he intervenido en ningún sitio, simplemente... he andado...
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Por dios... por dios... corro a dejar esta preciosidad en el ático, antes de que los de siempre se me adelanten y ya no lo pueda hacer, por ese principio tonto que tengo de no hablar de cosas que hayan pasado recientemente por la calle Wooster y alrededores.
Pero como es fin de semana y no han hecho aún los deberes, pues aprovecho y vuelvo a la carga con el favorito de mis favoritos artistas de por aquí, al que voy a dejar ya de llamar urbano porque creo que le viene pequeña la acotación, él es Sam3 otra vez y como quien no quiere la cosa, ha vuelto a dejarme con la boca abierta, gracias a su deliciosa pieza de animación, llamada Water Kiss.
Ya quería dejarlo tranquilo y dedicarme a otras especies florales, pero es que este hombre me provoca, ¿cómo puede combinar con esa delicadeza, elementos para mí tan atrayentes como, agua, sol, caducidad, desintegración, piscinas abandonadas... bueno y besos, que aunque no haya hablado de ellos, también me encantan?.
Pues nada, que después de ver varias veces este divertimento, me encuentro en una especie de estado acuoso y algo preocupada por si el calor me hace desaparecer también. Encima, sobre el asfalto de Nueva York está empezando a llover.
Bueno me dejo de palabrería chorra y os invito a presenciar, un largo beso de más de un minuto, en el que intervienen, peces algo escurridizos, caballos y bocas que se fusionan, generando tanto calor, que ellas mismas se hacen desaparecer. Sam3, al que también le deben gustar las piscinas abandonadas, tuvo la suerte de pillar toda la escena.
Juro que no he podido evitar mencionarlo, válgame dios, como diría mi abuela... cuánto talento...
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Hoy he ido remando hasta alta mar, para traer el trabajo fotográfico del artista Thiago Rocha Pitta, que me ha dejado como tonta, mirando fijamente la pantalla del ordenador, tanto rato que me ha parecido que el barco y el árbol se movían, lo prometo.
Bueno, no me hagáis mucho caso, es que mañana se acaban mis vacaciones y ando un poco sensible.
Espero os relaje como a mí.
Lo he conocido aquí, las fotos las he sacado de aquí.
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Interesante trabajo fotográfico el de los artistas berlineses Nina Fischer y Maroan el Sani.
Ellos lo han llamado su serie de fotografías sea maravillosa e innovadora o poética o rompedora o, o, o... simplemente se trata de documentación fotográfica del Stedelijk Museum de Amsterdam, un espacio ahora en renovación o destrucción, según se mire.
Y es que el título que le han dado, algo así como "un espacio anteriormente conocido como museo" me ha hecho pensar en cosas como, ¿qué se necesita para llamar a un edificio museo?, ¿por qué los museos contemporáneos son como son?, una atracción arquitectónica es si misma que a veces resta protagonismo a la obra que contienen...
Por no hablar de ese afán que tienen las comunidades autónomas españolas de hacerse con edificios representativos y espectaculares, para alojar en ellos colecciones, que poco tiene que ver con la realidad y la situación particular del emplazamiento, pareciendo más, una competición con otras comunidades, por exponer lo "más moderno" y a veces polémico del panorama internacional...
Bueno pues dejo las fotos, de esto, que también podría ser un moderno museo, tal como aparece en las fotos, muy al estilo neoyorquino...
Me ha gustado también ver su serie sobre el Palacio de la República en Berlín, un edificio que en los últimos tiempos, ahora ha desaparecido, tenía unos espacios interiores impresionante y que por suerte tuve la oportunidad de ver, lleno de guerreros de terracota.
He conocido estas obras aquí.
Etiquetas: arquitectura, arte, todos
Mucho visto interesante los últimos días en este Nueva York que estoy acotando a mi medida, para hacerlo más humano y abarcable a mis pisadas.
Destaco por condensación de cosas interesantes, mi paseo por las galerías del barrio del Chelsea, que reúnen en 5 calles unas 40 0 50 juntas, en las que se alojan artistas de lo más interesante, son estas mismas galerías a las que todo el tiempo "pido prestadas" las fotos que saco por aquí... una pena que al ser agosto la mayoría estén cerradas o con montajes, aun así algo he cotilleado en Eyebeam, Whitebox o Zach Feuer Gallery, donde he tenido la oportunidad de ver alguno de los jardines de Phoebe Washburn... Además, como extra, asistí a una performance de el Cedar Lake Contemporary Ballet, deliciosa.
Pero hoy no me quiero meter en las galerías, así que como hace un día estupendo para andar por las calles voy a dejar por aquí algunas iniciativas, que aunque no he visto, han tenido lugar en estos barrios por los que me muevo, bueno... y por algún otro...
La primera que he me ha llamado la atención que se está llevando a cabo en barrios céntricos de Manhattan, es la de Trash Any Color You Like, idea del artista plástico Adrian Kondratowicz que además de pintar cuadros, que no me dicen casi nada, pues ha ideado esta intervención urbana, que va moviéndose por distintas zonas y que consiste en sustituir las tradicionales y grandes bolsas de basura negras, tan comunes en las calles de la ciudad, por otras estéticamente más vistosas, magentas con lunares blancos y dorados.
Con esta iniciativa, la basura se supone que adquiere una apariencia de regalo, con envoltorio de diseño, además de biodegradable y perfumado, que va a hacer que la gente se fije más en ella, concienciándose así, del gran problema que supone el exceso de residuos en el mundo. El autor lo explica en este vídeo.
Para mí la iniciativa es floja, casi tanto como la obra pictórica de su autor. Si yo hubiera reparado en esta instalación, habría pensado, mira tú que modernos son en este barrio que han cambiado el diseño de las bolsas por otras más alegres... y hubiera rematado... esto sólo pasa en Nueva York... pero no lo hubiera relacionado con nada de ecología, ni de responsabilidad con la basura.
Así que paso a otra obra, también en la calle, que me parece bastante más interesante.
Se trata del proyecto Spectres of Liberty que se desarrolló el pasado mes de mayo en Troy, Nueva York, y que consistió en devolver a la vida, una antigua iglesia de 1840, icono de la lucha a favor de la abolición de la esclavitud y que fue derribada, ahora ocupa su lugar un parking.
Lo que han hecho los artistas Olivia Robinson, Josh MacPhee y Dara Greenwald ha sido utilizar planos y documentación de la época para levantar otra vez, aunque esta vez en plástico hinchable, la iglesia, con las mismas proporciones y situarla en el lugar exacto que ocupó la original.
No se trata de un templo para el culto, sino más bien pretendió ser una especie de iglesia fantasma, donde los espíritus, hacen recordar lo que aquí aconteció y ayudan a tomar conciencia de lo que significa la perdida de edificios históricos, debido a intereses comerciales.
En la práctica, lo de iglesia fantasma parece que se consiguió bien, puesto que si se miraba desde fuera, lo que se apreciaba del interior, difuminado por el plástico semitransparente, era una visión algo espectral de los que pasaba en el interior, algo así como si se viera a los espíritus del pasado...
Ademas, en sus paredes se proyectó todo tipo de documentación, para sacar a la luz otra vez lo que ya no se conserva. Poético trabajo, simple, pero con un resultado interesante y educativo.
La siguiente iniciativa callejera, tendrá lugar en Brooklyn en el mes de septiembre, y consiste en adoptar una fuente... sí, como lo estoy diciendo, que hay dos artistas Charles Goldman y Paul Benney, que han ideado una intervención urbana, en la que forman parte tanto los artistas como los que soliciten adoptar, durante una semana, una fuente diseñada por ellos.
La obra se llama Adopt-Le-Font y por ahora solo es posible la participación de los vecinos de este barrio, que deben solicitar por escrito, su adhesión a este programa artístico-ecológico. Una vez evaluada la solicitud, si es aprobada, unos operarios se encargan de instalar la fuente en el lugar elegido, que debe ser lo más público posible y una vez pasado el periodo semanal, la recogerán y la llevan a otra casa.
El tipo de fuente con el que se va a encontrar los agraciados en el proceso de selección, es de una estética "algo" industrial, ya que se trata de una simple torre, hecha con unos 10 botes de pintura de plástico reciclable, por supuesto, con sus correspondientes agujeros y un motor para que el agua circule por ellos, cual bonita cascada.
La fuente en cuestión, es sencilla y rápida de montar, solo se requiere un grifo con agua y corriente eléctrica, seguro que van tener muchas solicitudes.
Recomiendo echar un ojo además a la obra de Charles Goldman que me parece que es el que más ha aportado al trabajo, pues tiene proyectos la mar de interesantes, muchos relacionados con fuentes. Se merece una entrada para él solito que haré un día de estos si los de la calle Wooster y compañeros mártires no se me adelantan.
Por último y muy de pasada, un pequeño regalo que me he encontrado por las calles de mi barrio, son unos pequeños jardines improvisados, que dudo se puedan inscribir en movimientos de guerrilla gardening, pues parece que llevan ahí mucho tiempo y que han echado raíces en el asfalto.
Sea guerrilla o algo espontaneo surgido por una iniciativa personal, en Gothamist he encontrado algo de información variada, por si estáis interesado en profundizar sobre el tema, yo lo dejo aquí, por hoy.
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Me ha venido a la cabeza, casi como un acto reflejo, el trabajo de la americana Valerie Hegarty, una artista que sabe representar la destrucción y la desolación, de una modo bastante poético.
En días como estos, donde las imágenes crudas, sensacionalistas y gratuitas, asaltan a diestro y siniestro, para mí son como un bálsamo. Y eso que yo no lo estoy viviendo en directo y que cuido mucho la selección de mis fuentes de información...
Ya se que no es el mejor momento para incidir en el tema, pero es que no he podido evitar la asociación de ideas y como me suelo dejar llevar por mis impulsos, pues tengo que dejar estas imágenes por aquí.
Poco se necesita decir de este trabajo, mejor ver y callar...
Lo conocí aquí y las fotos se las he cogido prestadas a la galería Guild & Greyshkul.
Etiquetas: arte, destrucción, escultura, ruina, todos
Las lámparas... mi objeto fetiche..., pero estas de hoy, no están en las tiendas de decoración, para verlas hay ir a los museos, de cuyos techos cuelgan orgullosas, porque son la obra de la escultora Lee Bul, una de las artistas coreanas más reconocidas internacionalmente y que tiene en su haber infinidad de exposiciones por todo él mundo.
Esta mujer, ha demostrando gran virtuosismo, en el dibujo, en la performance, en escultura, pintura, instalaciones y videoarte en general, toda una artista renacentistas, vaya.
Pero hoy me quedo con sus impresionantes instalaciones de lámparas, que me han dejado con la boca abierta.
No hay mucho que explicar porque las imágenes hablan por sí solas. Yo la he conocido, por el blog sobre arte feminista del Museo de Brooklyn.
Etiquetas: arte, iluminación, materiales, todos
Sigo con pequeños retazos de mi vida en Nueva York, en la que como pretendida neoyorquina, por un mes, esquivo los sitios demasiado turísticos, no penséis mal, es que esos ya me los he visto en anteriores ocasiones.
Mis amigos de por aquí tratan de seguirme la corriente y llevarme a conocer sitios especiales y diferentes, por eso me extraño cuando uno de los que mejor me conoce, me invitó a ir a la piscina con él, pensé, ¿no se acuerda que a mí, nacida en los márgenes de un río, en agua estancada no me meten ni a la fuerza?...
Pero claro, mi amigo no me iba a decepcionar y enseguida supe que no se trataba de una piscina al uso, sino de una especial, situada en Williamsburg, ese barrio absolutamente gentrificado y por lo tanto de moda, cuyo nombre es MacCarren Pool y que ahora está abandonada y por supuesto completamente seca.
Fue construida en 1936, concebida como una piscina gigante con cabida para hasta 6800 bañistas, pero en 1984 se cerró al público y hasta ahora. Ha servido como pista de skate y como galería de exposiciones para graffiteros y no se para cuantas otras cosas más, hasta que en 2005 Clear Channel Entertainmen, pagó un dinerito a la sociedad correspondiente, para realizar algunas obras de mantenimiento básicas, a cambio de poder utilizarla para sus eventos culturales.
Los planes de futuro pasan por cambiar definitivamente su uso, acondicionarla para eventos más o menos artístico, pero la mayoría de los vecinos, prefiere que se vuelva a habilitar como piscina pública y que los actos culturales, se organicen en otros lugares del barrio...
Por ahora, es un sitio extraño y algo deprimente, cuando hay poca gente, pero con gran encanto, donde se organizan conciertos, fiestas y los martes por la noche, proyectan cine gratis.
A eso es pues a lo que me invitaba mi amigo, a pasar una velada típicamente williamsburgiana, viendo Velvet Goldmine, sentada en el fondo de una piscina, cubierta por graffiti y esponsorizada por varias marcas, como la mencionada Clear Chanel, una famosa cadena de cafeterías de por aquí, con muchas sucursales en España también, por una marca de cerveza local y por otra de coches.
El espectáculo que me encontré al entrar... de lo más interesante. Era la caída de la tarde y todo el mundo estaba ya tirado en el suelo, bien provistos de mantas, cojines, sillas de playa, colchones hinchables y unos fantásticos picnics de comidas exóticas donde el sushi, las ensaladas y los alimentos macrobióticos eran los ingredientes más comunes.
Nosotros, menos preparados, habíamos comparado algo de comida en un supermercado y no teníamos ni mantas ni sillas ni nada de nada así que haciendo de tripas corazón acudimos al stand de los coches donde después de rellenar un formulario, que me inventé, nos dieron unos cojines, para no estar sentados en el suelo, de piscina, pero igualmente duro.
Una vez terminada la merienda, cena para ellos, a las 8.30, dio comienzo la película, dos horas sentada en el suelo y con frío de narices pero, claro, no quería perderme ni un minuto de esa noche genuínamente neoyorquina, tan sofisticadamente descuidada, como casi todo lo que se ve por las zonas alternativas más de moda de la ciudad.
Y es que, como dije el otro día, no se puede ser más moderno, baile en los museos y fiestas y cultura, en las piscinas abandonadas... imposible estar a la altura.
El próximo 30 de agosto, en esta misma piscina, concierto de los Sonic Youth por si alguien se anima, no es imprescindible bañador.
Y esa fue mi experiencia de ayer. Pero como no me quiero limitar a dejar por aquí mis historias personales os adjunto un catalogo fotográfico de algunas piscinas abandonadas increíblemente hermosas en las que espero, que no pongan la vista los especuladores publicitarios, para sus fines particulares.
Me está dando miedo, no es la primera vez que lo digo, cómo las empresas y marcas comerciales, con enormes recursos económicos y oscuros intereses disfrazados, se están apropiando de espacios públicos, en muchos casos marginales pero con gran encanto y a golpe de talonario están organizando sus eventos publicitarios privados, en esos mismos sitios a los que resultan tan difícil de acceder, para el común de los mortales.
Las primeras fotos pertenece a la MacCarren Pool y las he sacado de la página oficial y de Little Read Book.
Después una preciosa serie Absence of Water, del fotografo inglés Gigi Cifali que he conocido por Bldg Blog en la que ha capturado el estado actual viejas piscinas abandonadas, del area de Londres, que pertenecieron a lidos y a casas de baños de los años 30 y que al pasar de moda fueron abandonadas, quedando sus piscinas, como testigos mudos de esplendores pasados. Las fotos son impresionantes, o a mí, amante de lo imperfecto y derruido, desde luego me lo parecen...
El resto igualmente maravillosas si no más, las he conseguido en Flickr, cómo no.
Así que, si venís por aquí y alguien os pregunta si queréis ir a la piscina, mejor que preguntéis si os ponéis traje de bañó o traje de noche, por si acaso...
No he podido evitar tener presente, durante todo este post, la triste película, El Nadador.
Etiquetas: baños, fotografía, ruina, todos, urbanismo
Repasando a los clásicos contemporáneos, hoy le toca el turno al británico Antony Gormley, un señor escultor con letras mayúsculas, con más de 25 años de trayectoria artística, en la que ha desarrollado una obra verdaderamente interesante, formalmente hablando que es lo que a mí me interesa, ya sabéis y que le llevó en 1994 a conseguir el premio Turner, lo cual no es que signifique gran cosa, también se lo han dado a Damien Hirst, pero bueno, para que nos situemos, vale la referencia...
Con formación arqueólogo-antropólogica según se cuenta en su biografía " Durante los últimos 25 años Antony Gormley ha revitalizado la imagen humana en la escultura a través de una investigación radical del cuerpo como un lugar de la memoria y la transformación, utilizando su propio cuerpo como objeto, herramienta y material. Desde 1990 ha ampliado su preocupación por la condición humana para explorar el cuerpo colectivo y la relación entre el yo y el otro... Su reciente trabajo cada vez más, se involucra con los sistemas de energía, los campos y los vectores, en lugar de masa y volumen definido...".
A los que le interese saber más sobre este autor gente más sesuda que yo ha escrito mucho sobre él, sólo hay que hacer una búsqueda en google para informarse.
Últimamente se le ha visto mucho en la web porque una de sus obra Waste Man de 2006 ha sido recordada por Vvork.
Yo, como es precisamente ese tipo de obra la que no me gusta de él, me quedo con sus interpretaciones del cuerpo humano, esas en las que el artista partiendo de la forma original hace sus variaciones e interpretaciones y en las que la masa, el movimiento y la energía acaban amalgamadas en piezas de gran complejidad formal, pero que por otro lado me da la sensación de haber sido concebidas mientras el artista, sentado en un café, dibujaba descuidadamente trazos con su lápiz en los bordes del periódico. Dios mío... qué cosas digo...
En fin, os dejo las fotos de este mago del alambre, que no deja de sorprenderme en cada pieza...
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Etiquetas: arte, escultura, materiales, todos
Si ayer, el post de más abajo, decía que me gustaba ver como una escuela se había convertido en un interesante museo, hoy es una iglesia la que acoge obra artística, lo cual no es nuevo porque grandes tesoros de la pintura, se esconden en ellas y a veces se muestran al público y otras tantas no.
Bueno pues esta vez, la iglesia ha sido despojada de todos sus artificios y llenada de agua. Esto tuvo lugar en Londres el año pasado en el London Design Festival y lo llevó a cabo el artista, bueno mejor llamarlo diseñador, Michael Cross.
La instalación se llamó Bridge y consistió en llenar la superficie de una iglesia vacía, con 60 pulgadas de aguas. Cuando alguien se situaba al borde del agua, unos pequeños peldaños surgían de las profundidades y le invitaban a penetrar en el interior de la superficie embalsada de agua.
Con cada paso que se daba, una nueva plataforma emergía a la superficie y todas las que se iban dejando atrás iban desapareciendo.
La sensación debía ser bastante extraña al sentirse uno solo y aislado... sobre la superficie de un estanque... contenido en un recinto sagrado... Un cierto desasosiego debía invadir al visitante, pero seguro que pasados los nervios del primer momento, una sensación de recogimiento y paz llegaría a más de uno, el que no fuera demasiado nervioso o miedoso.
A mí, desde luego, me hubiera gustado meterme hasta el fondo.
El problema gordo fue, que la compañías de seguros decidió añadir algunos elementos más a la obra y metió a un propio que ayudaba y seguía a corta distancia a los que se internaban en el paseo, sumergido hasta la cintura en el agua, también obligó a usar un chaleco salvavidas y a que las plataformas no desaparecieran, lo cual sinceramente acabó afeando mucho la instalación.
Que pena que las cosas no siempre salgan como uno las planea y que haya gente poderosa que pueda obligar a que todo se haga a su manera...
Menudo disgusto se debió llevar Michael, me pregunto si después de un año, se le habrá pasado... Lo vi aquí.
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Ayer estuve en el P.S.1, ese maravilloso anexo, que MoMA tiene en Queens y tengo que decir que se siente un placer especial visitado museos de arte contemporáneos como éste, cuyo packaging no es una obras faraónicas de la arquitectura contemporánea.
Se ha respetado completamente la idiosincrácia del edificio, un magnífico colegio suburbial que fue reconvertido en lugar de exhibiciones por el The Institute for Art and Urban Resources, organización dedicada a la reutilización de espacios abandonados, para convertirlos en talleres y salas de exposiciones.
Desde el 2000 es parte de MoMA, que sin complejos, lo ha dejado tal cual estaba, limitándose en apariencia, claro, a dar unas manos de pintura, unos pequeños arreglos de carpintería y poco más.
Y gracias a eso, para mí se ha convertido en un espacio de lo más interesante, expositivamente hablando, ya que todo lo que se expone en su interior parece más cercano, comprensible y humano. ¿Enseñar arte en las escuelas?... pues al pie de la letra se lo han tomado, incluso las oficinas y despachos conservan ese aire docente que a mí me encanta.
Cosas interesantes dentro de las aulas, pues muchas, cada una tendrá su post específico un día de estos, pero para abrir boca, me quedo con el siempre admirado aunque con escasa represantación Olafur Eliasson y sobre todo, por ser desconocidos para mí, los artistas finlandeses de la exposición Arctic Hysteria: New Art from Finland, en la que he visto obra de lo más sorprendente y con un sentido del humor fino fino.
He pasado un divertido rato escuchando los recitales de Complaint Choir, un evento artístico internacional, que consiste en cantar las quejas, que los vecinos de una ciudad han manifestado, en talleres específicos sobre el tema y a las que después se ha puesto música que ha sido interpretada por coros formados por voluntarios. Os recomiendo que los echéis una oida, porque las letras no tienen desperdicio.
En el exterior de este museo, como si se tratara de un patio de colegio que acoge particulares actividades "extraescolares", en estas fechas se organizan eventos musicales dentro del programa Warm Up en el que traen a grupos de lo más vanguardista para que toquen en directo, algunos son bastante conocidos.
Este espacio al aire libre, ha sido intervenido este verano por el equipo de jóvenes arquitectos WORK Architecture Company, ganadores del concurso anual, MoMA/P.S.1 Young Architects Program, con su trabajo Public Farm 1, una especie de jardín/huerto, hecho de material reciclable, donde los grandes tubos de cartón son el principal elemento y en ellos se siembra todo tipo de plantas comestibles. Además anexa hay una minigranja y una pequeña piscina donde los más pequeños se pueden bañar, mientras lo padres bailaban en la pista creada para ese fin.
Así, mientras nosotros dormimos largas y reparadoras siestas veraniegas, aquí de 2 a 9, bailan y se bañan en los museos, rodeados de hortalizas, con olor a gallina... y es que no se puede ser más moderno...
Bueno y después de este leve repaso a la configuración de un museo tan particular, me centro en el artista del que quería hablar hoy y al que he conocido gracias a esta visita, se llama Pekka Jylha, es finlandés y escultor.
La poca obra expuesta me ha dejado con ganas de más, así que he echado mano de internet, como no y he visto que tenía piezas de lo más interesantes, algunas muy subrrealistas, otras bastante poéticas y otras con grandes dosis de mala leche. El agua es uno de sus elementos favoritos, los conejos blancos y animales disecados... también...
Bueno como ya he escrito bastante hoy, os dejo con imágenes de su trabajo que espero os guste, a mí me ha provocado una sonrisa de complacencia.
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Para compensarme, a mí misma, por la saturación de enormidades que me paso el día viendo en esta inconmensurable urbe llamada Manhattan, hoy me apetecía hacer dieta baja en calorías y poner mis ojos en algo que fuera pequeño y liviano, casi volátil, por lo que he recurrido, como no, a mi colección de artistas orientales, a los que eso de la ligereza se les da de miedo.
Y me he quedado con Yuko Yamamoto, un ilustrador cuya obra en este campo no me dice gran cosas, pero que hace unas encantadoras flores de papel, que me han cautivado por su candidez y su modestia.
Supongo, porque en su página el autor no cuenta nada, que se trata de pequeñas piezas recortadas a mano sobre papel blanco, dibujos orgánicos que parecen flotar en el espacio de tan finas y etéreas creando interesantes sombras.
Pues, sólo eso, que para asimilar toda una semana de grandezas a diestro y siniestro, nada como una pequeña nadería de poco peso para sentir otra vez elevarse el espíritu.
Mañana, algo con más enjundia, espero.
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Me había prometido ir haciendo una crónica de lo que fuera descubriendo en Nueva York, pero está claro que necesito reposar las cosas un tiempo, seguro que cuando llegue a España empiezo a procesar la información y me sale todo, pero ahora no lo consigo, está demasiado fresco, así que seguiré con historias que ya tenía seleccionadas y con otras que voy encontrando por internet.
Hoy, algo de arte urbano, no muy trascendente pero con sentido del humor que ya es algo... que habla francés... y que no es Zevs... se trata de un artista llamado Lignes Rouges y utiliza casi exclusivamente el rojo y el blanco, en sus intervenciones urbanas.
Y ¿por qué estos colores?, pues porque lo que hacen está muy relacionado con las señales de prohibición y porque su material favorito es la cinta rojas y blancas que usa la policía para precintar zonas de peligro, o donde ha ocurrido un siniestro.
Sus intervenciones sobre señales de tráfico, pues no tienen mucho de original, para que nos vamos a engañar, es que ya se ha usado tanto ese soporte, que es difícil hacer cosas muy novedosas, a no ser que directamente las arranques y construyas nuevas cosas con ellas... pero eso ya lo hace muy bien Brad Downey... (he visto algo de su obra en las calles de por aquí).
Más interesante es su Hazard Strepes Serie en la que da multitud de usos a la cinta banca y roja, con resultados bastante impactantes como cuando dibuja con ella en las fachadas abandonadas y otros más artísticos, que se basan en los juegos ópticos que surgen al repetirla, en distintas posiciones.
También con esa cinta y otras, de color rojo o con la palabra "fragil", ha intervenido en muchas vallas publicitarias de París, ha unido puntos entre distinto mobiliario urbano, a los que también a ha completado piezas que faltaban... Preciosa su intervención en los túneles del metro de París con palos de color rojo iluminados o fluorescentes.
En sus cuadros, que también los tiene, se ha valido del mismo material, para dibujar con él en el lienzo, en su serie Canvas se puede ver.
Otras intervenciones con papel, por supuesto de los mismos colores y también con pintura al uso con la que suele transformar material encontrado en la calle, o pintar en los muros, puertas con rejas de color rojo, completan el catálogo de trabajos de este artista, que no duda por si esto fuera poco, en enfrentarse al reto del graffiti genuínamente americano, que por lo visto le apasiona y con el que ha dejado su firma en multitud de sitios.
Y hablando de graffiti genuínamente americano, el otro día fui a ver Beautiful Losers, un documental sobre el grupo de artistas plásticos y de otras disciplinas, así llamado, que surgió en los 90, influenciados por la subcultura del surfing, el skateboarding, la música y el graffiti. Ahora son imitados y reverenciados por todos los amantes de esta disciplina.
Bueno, la peli no está mal, entretiene y está bien contada, pero es demasiado bienintencionada y tiene un tufillo sentimental que, a mí, que no soy admiradora del trabajo de esta gente, me satura según va pasando el metraje.
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El artista digital Martin Böttger ha creado para Rundgang08 una impresionante escultura, construida gracias a sus conocimientos en programas de 3D. Con ellos, ha conseguido una forma orgánica dibujada en papel, que luego ha llevado a la realidad en cartón corrugado.
Y tan orgánico es el resultado, que a mí me parece como la escultura estuviera viva y se moviera reptando y expandiéndose por las paredes, cual ser maligno de película de ciencia ficción...
Un ejemplo buenísimo, para valorar lo que da de si artísticamente el cartón, ese material que tanto me gusta.
Otra obra, también orgánica, pero esta vez de verdad, pues está hechas con auténtica basura en descomposición, es las que ha creado la artista Tina Hauser para su particular Garden of pleasures.
Para realizarla, ha apilado hasta alcanzar gran altura, un montón de basura, sirviendo de soporte, las paredes de un bunker. Una vez conseguida esta inmensa cascada de material en descomposición, ha hecho fotos, un total de 14, en distintos momentos de su construcción y luego lo ha destruido.
El significado que la autora quiere dar a esta instalación, lo podéis leer en su página, ahí habla de la sociedad de la basura, del reciclaje y de otra serie de lugares comunes que no me interesan mucho, me quedo con las imágenes.
Por último, otra instalación, esta vez de la empresa Freecell dedicada a realizar pequeños proyectos artísticos, en colaboración con los artistas multimedia C505.
La obra fue llamada Audio Cube y consistió en apilar cartón embalado para construir una especie de refugio en el que dos altavoces transmitían sonido dentro del receptáculo, en el que las condiciones auditivas eran inmejorables.
La primera la he conocido aquí, la segunda acá y la última allá.
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Para empezar con ligereza la semana y no cargar el ambiente de lunes con impactantes y altisonantes imágenes, que pueden atragantar a más de uno, nada mejor que hacerlo con fotos de las esculturas, prototipos y dibujos de la artista Anna Hepler.
Su trabajo, ligero y sin demasiadas pretensiones es... como un pequeño garabato en un papel, pero tiene algo de encantador, de trabajo manual, de hecho a mano, que me ha cautivado.
Un arte con minúscula, hecho con gusto y sensibilidad y a veces ¿para qué se necesita más?. Los lunes, desde luego, yo no.
A vueltas con la cerámica de nuevo, que ya sabéis, me gusta sobre todas las cosas...
Esta vez dos trabajos dispares pero que tienen como base común la inspiración en el deshecho, en lo que está roto o es inútil, vamos, lo que ya no se quiere.
El primero es Matt Eskuche, un artista americano que recrea objetos de la basura sobre los que realiza sus piezas de cerámica.
Cualquier material sólido que se pueda hallar en el cubo, es susceptible de ser reinterpretado por este hombre, que consigue cambiar la apariencia de los residuos, para darles un acabado blanco inmaculado propio de la porcelana o en otros casos la transparencia del cristal, sin hacerles perder, esa aspecto de fragilidad, deterioro y abandono, propio de los objetos desechados.
Latas con sus anillas, platos de papel, pajitas, envases de plástico, vasos, tazas, varios tipos y tamaños de botellas, todo deformado y volcado, e incluso residuos orgánicos... él nos lo muestra como si fueran los restos de una fiesta que acabó tarde y mal.
El segundo maestro de la cerámica, que es el que verdaderamente me parece interesante, es Liu Jianhua un artista chino, que mezcla la tradición milenaria, con la modernidad y el gusto por la provocación que de un tiempo a esta parte caracteriza la obra de oriente en general y de China en particular.
Pues lo que ha hecho este hombre, o mujer, es colocar figuritas femeninas dentro de los platos, en posiciones eróticas, pero para darle más efecto, les ha quitado parte de sus miembros, como cabeza brazos... y dejado así, como si del plato emergieran figuras tullidas, muñecas rotas que ya no sirven para su función sexual.
No es que resulte truculento porque la representación no es realista, no hay sangre no hay vísceras... pero tiene algo de morboso, los muñecos rotos y desmembrados siempre me han dado escalofríos y esta especie de figuras de prostitutas, producen malestar.
Y hablando de porcelana erótica, también china, pero esta vez sin nada roto, os dejo la obra de Hu Ke, que trabaja sobre figuras a las que ha colocado en posiciones, que logran un efecto erótico, sin tener que mostrar ninguna parte del cuerpo desnudo, sólo la cara, la postura y los objetos añadidos consiguen el efecto.
Para que veáis lo que se puede conseguir con este material, que da para muchas travesuras...
Todo esto lo he conocido por aquí y por allá.
Etiquetas: arte, cerámica, humor, materiales
Mucho arte en las calles estoy viendo y eso que no he salido de Soho, pero tengo que decir que nada me ha llamado especialmente la atención. Además he constatado, que la obra de Os Gemeos, metida entre cuatro paredes, aunque estas tenga una apariencia tan alternativa y el conjunto parezca tan resultón, no me ha gustado mucho que se diga, y es que como siempre digo, las distancias cortas a muchos les perjudica.
Así que, pensando en alguien que trabaja la calle, que sí me guste y del que no haya hablado aún, descontando a Blu, que me encanta, pero del que no voy a hablar, porque ya lo hace todo el mundo... sólo se me ha ocurrido Specter, artista polifacético dotado de un fino sentido del humor y de bastante sutileza, cualidad que valoro y raramente encuentro en las calles, donde casi todo se dice alto y de manera estridente.
Pues este artista canadiense, tiene un catálogo de obra, hecha por él solito, que por su volumen, bien podría haber sido acometida por varios de artistas distintos y toda ella sin descuidar la calidad y el compromiso social.
Para ver toda la obra, recomiendo su página, que la muestra de manera bastante visual. No debéis perderos sus incursiones en el subvertising, bastante ingeniosas y de cuyas imágenes yo me quedo con la de Still Hungry? en Taco Bell. Tampoco su Brickwork Project, en el cual transforma la arquitectura, añadiendo falsos ladrillos, su puente de madera que no sirve para pasar de un sitio a otro, además de las piezas de su Human Project y su Concrete Project.
Pero yo me quedo con tres de sus series.
El Cardboard Project, que consistió en elaborar cancelas en cartón corrugado, con el aspecto de recargadas puertas de hierro, y situarlas en la calle, en lugares en los que él consideró que hacían falta. Me gusta la idea de realizar objetos que deben ser solidos y recios, pues sirve para proteger y llevarlo a cabo con un material tan poco resistente como es el cartón.
En otros casos, lo que ha hecho ha sido mejorar estéticamente algunas rejas que ya existían en la calle también con elementos de cartón. El resultado está muy logrado y queda hasta bonito.
Muy sutil es su Sign Project, una serie de intervenciones, poco llamativas, por lo cual, a mí me gustan especialmente, en las que ha cambiando los nombres de los rótulos de las puertas, de antiguas tiendas abandonadas y dibujando él sus propios letreros, a la manera de los antiguos, para que pasen casi desapercibidos. En ellos escribe palabras como "gentrificación" o "homeless"a mí me gusta especialmente el de Mom.
Dejo para el final el Window Project, mi favorito, en él que el artista utilizó los vanos de las puertas y ventanas de edificios antiguos y también abandonados, para pegar sobre ellos imágenes de objetos impresos que al situarse en esta ubicación, resultaban fuera de contexto aunque no estridentes.
Dibujos de palet en blanco y negro apilados en un escaparate, sábanas colgadas de una puerta de la calle, una imagen de puerta gótica pegada sobre otra de lo más básico, imagen de productos y envases situados en una ventana tapiada... producen un efecto de lo más extraño.
No es que esto sea un arte con mayúsculas, pero, como ya he dicho, soy benévola porque me resulta muy muy complicado encontrar cosas que no traten de epatarme, que encima tengan sentido del humor y no sean estridentes y como Specter tiene bastante de todo eso en su obra, mi homenaje de hoy va para él, un artista aparentemente modesto y también comprometido.
Gracias Guillermo, al haberlo "escrito en tu pared" me hiciste reparar en él.
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Hoy unas imágenes que he sacado de Vvork, uno de los más básicos y diarios, sitios de mi recreo.
Se trata de una obra del artista Michael Günzburger, llamada Projections, y que fue encargada en el 2003 para el evento Fri-Art.
Su obra, como es evidente, se realiza, proyectando figuras geométricas, con apariencia arquitectónica en edificios tradicionales, con lo que consigue efectos de los más sorprendentes y casi diría oníricos, ya que, el artista se ha preocupado de que la imagen proyectada, encaje bien dentro del perfil del edificio.
En 2001 también hizo un trabajo similar, Lethargy en Zurich y en el 2002 con Videoex 2002 que se dejó ver por Kaserne.
Y poco más puedo decir de esta obra, os dejo las fotos sacadas de la página del autor, que hablan por sí solas...
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Con la intención de materializar en mi mundo real alguna de las cosillas de las hablo por aquí y que sólo conozco de oídas, me he venido un ratito a New York, hoy ha sido el primer día que he tomado contacto con este paraíso, y aunque no ha sido muy fructífero me he familiarizado con el que va a ser mi barrio este mes y tengo que decir que me gusta de verdad.
Estoy en pleno Lower East Side un hervidero de vida, cultura y con un montón de bares y restaurantes con encanto, un barrio que aún no ha perdido su sabor popular y que espero tarde en hacerlo.
Bueno pues este barrio está cerquísima de Soho así que me he acercado a ver si abría boca con algo de street art, pero por más que he recorrido las calles míticas, no he pescado nada que me haya llamado la atención, está claro que para el próximo asalto tengo que ir mejor documentada...
El caso es que, visto el éxito en la calle, decidí ir a un valor seguro, al recientemente inaugurado New Museum que está próximo, en Bowery, pero claro, hoy es lunes y los museos cierran.
Total, que he llegado a casa y no tenía nada para mi post neoyorquino de hoy, así que mirando lo que me había perdido en el New Museum he visto que en la exposición After Nature, se incluía una pieza de Maurizio Cattelan, un artista al que ya tenía yo ganas de alojar en el ático, así que con la excusa, pues lo he invitado, además ahora es vecino de Manhattan, como yo, je je...
La obra escultórica que expone aquí, representa un caballo suspendido en el aire con la cabeza empotrada en una pared... y uff... sí que me ha recordado a otras cosas que he visto últimamente.
Para el que desconozca su trabajo, este artículo de El Mundo describe algunas de sus piezas más representativas: esculturas de niños colgados, el Papa derribado por un meteorito, un famoso galerista pegado con cinta adhesiva a la pared de una galería, uno de sus marchantes paseando vestido de pene, Picasso cabezón, recibiendo a los visitantes de su exposición o un pequeño Hitler de rodillas orando... son algunas de sus travesuras.
Otra, de los más sonado, fue organizar una bienal de arte enItalia, en la que no se expuso ninguna obra y todos los artistas se fueron de vacaciones con el dinero de la subvención..., También ha denunciado en una comisaría que le habían robado una obra invisible, y dejó la escultura de un vagabundo, de apariencia real en la calle, para constatar que nadie se paraba a mirarlo...
Uno de sus últimos trabajos, ha sido para la muestra “Project Synagogue Stommeln” y no se le ha ocurrido otra cosa que colocar en los muros de la sinagoga de la ciudad de Pulheim, una mujer crucificada, de espaldas a la pared y es que a este artista... nada se le pone por delante...
Me gusta, aunque soy consciente de que muchos lo consideran un personaje que sólo busca la provocación, pero para mí su obra tiene un sentido del humor que puede hacer saltar destellos de la mayor finura para después precipitarse en el abismo de lo burdo, sin llegar a ser nunca truculento, eso sí, consigue dejar suspendida, esa cuestión polémica y desagradable que pocos se atreven a formular.
Posee pues, para mí, la cualidad de combinar lo chabacano y lo sutil, la virtud de perturbar sin espantar, para al final dejarnos con una pregunta formulada desde la más básica manera de expresión visual, pero que hinca el diente en temas tan universalmente polémicos como la religión, el poder, el arte, la infancia, la fama, la hipocresía o la autoridad.
Es un autor altamente recomendable para los nuevos y sin embargo ya famosos artistas, que están intentando provocarnos desde la calle y también para lo que se dedican a la subversión, ya que sus trabajos en este terreno no tienen precio, llegando a la formula perfecta de un arte que es "suave para los necios y duro para los sesudos".
Os dejo con su obra, en forma de imágenes. Los buenos textos sobre él, los han escrito otros, muchísimo por cierto, ya que su siempre polémico trabajo, genera ríos de tinta. Recomiendo el artículo Las herejías jocosas de Maurizio Cattelan de Héctor Antón Castillo, aparecido en Replica21.
Ya se que hoy no he descubierto nada nuevo, pero es que me gusta observar a los que, para mí, ya lo hacen bien. De este modo intento entender, por qué, algunos de los recientemente encumbrados, no me acaban de convencer...
Las fotos las he sacado de aquí, de aquí, de aquí y de aquí también.
