Fantástico trabajo, también con material reciclado, el llevado a cabo por el estudio de diseño londinense StudioSuperniche, aunque esta vez el proyecto tiene bastante más enjundia, ya que lo que se ha reciclado es la valla azul que ha mantenido escondida, desde el 2006, la zona olímpica donde se llevarán a cabo los Juegos del 2012.
Todo el área fue aislada del mundo por una valla de madera maciza de 17 kilometros y 3 metros de altura, en eléctrico color azul, que ahora se está cambiando por otra de acero, mas ligera y segura. La que se sustituye ya era un símbolo para los vecinos de la gentrificación a la que se va a ver sometida esa zona, durante y después de los juegos.
Las comunidades locales, según explican los diseñadores en su página, se sienten excluidos del proceso de planificación de la zona, ya que como el resto del mundo, han sido repelidos por esta impenetrable valla azul.
Ahora la incertidumbre y desconfianza por el futuro incierto de este inmenso terreno, una vez haya terminado el macroevento, a hecho presa en los vecinos, que ven la valla como un símbolo político de regeneración forzada, un cartel interminable anunciando la llegada de la gentrificación a la zona.
StudioSuperniche ha visto una gran oportunidad, en la cantidad de madera que se está acumulando en los alrededores de la zona olímpica y con ella, están desarrollando un kit de herramientas, un catálogo de estructuras temporales fabricadas con esta madera azul y que estarían destinadas a facilitar la ocupación del terreno, por parte de los habitantes de la zona, para que no acabe convertido en un tremendo vacío abandonado y degradado.
Estudiando las particularidades de la zona que está inscrita en el Lee Valley Regional Park, han desarrollado cantidad de material, torres para observar los pájaros, kioscos, embarcaderos, botes para remar por los canales, mobiliario, mesas de ping pong, salas de exposiciones... todo azul y lo han presentado en la International Architecture Biennale de Rotterdam.
Para mitigar un poco la curiosidad, estos gamberros de la arquitectura, llevaron a cabo una acción de guerrilla llamada Blueprint 269 en la que colocaron una escaleras observatorio para qu todo el que quisiera se pudiera subir a contemplar las obras.
El observatorio duró dos días lo que tardaron los organizadores en darse cuenta de que habia gente asomando la cabecita por encima de la infranqueable valla.
Estupenda acción para mi gusto, simple y efectiva.
Lo conocí todo aquí y aquí.
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El colectivo Bios ha creado una instalación artística en forma de techado, utilizando más de 2000 vasos de cerveza de plástico reciclados en el San Francisco Outside Lands Concert, que ha tenido lugar el pasado agosto. Esta pieza ha sido instalada en el AIASF durante el City Festival.
Se utilizó para la instalación una malla metálica con forma ondulada, en la que se engancharon todos los vasos, mediante unos clips de plástico diseñados para la ocasión. El coste fue irrisorio.
Una vez terminado el evento debió ser facilísimo desmontar todo y guardarlo para próximas ocasiónes.
Otro de los muchos ejemplos de los nuevos usos, que se está intentando dar a materiales de gran consumo que aun cuesta mucho que sean reciclados por los consumidores...
Lo he visto aquí.
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El proyecto One earth, one sun comisariado por el estudio de arquitectos Byoung-soo cho, fue presentado en la Gwangju Design Biennale 09 de Corea.
El proyecto, consistió en situar 24 casas de luz, en distintas ciudades del mundo y grabar el efecto de los rayos de sol al penetrar en su interior.
Las 24 imágenes producidas por el efecto de las luces y sombras que se colaba en el interior de las casas, fueron proyectadas durante los 24 días que duró la bienal.
El resultado mejor verlo en imágenes, a mí me han atraído por su simplicidad y belleza algo etérea.
Lo he conocido aquí de donde también he sacado fotos.
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Me gustan mucho esta casa de dos viviendas, del arquitecto chileno Smiljan Radic Clark.
Será por su sobriedad; por su color blanco; por su patio abierto, pero no del todo, a la naturaleza; será porque conservó los viejos nogales, que proyectan su sombra sobre el enlosado; será por sus grandes ventanales interiores o por esas otras ventana que miran al exterior y que parecen cuadros de paisajes o quizás sea por ese aire de soledad y un pelín de tristeza que destilan las fotos...
No lo sé exactamente, pero al ver las imágenes, he sentido tremendas ganas de permanecer en su patio, sentada bajo la lánguida sombra, de ese viejo árbol sin hojas...
La he conocido aquí.
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Arte público partiendo de lo privado, me gusta la idea que ha llevado a cabo la artista Dagmar Schmidt en Halle Alemania.
Tomando como base los cimientos de un edificio típico de la Alemania del Este y utilizando como material de construcción planchas de hormigón recicladas, ha levantado un impresionante monumento, en forma de escultura, a lo que fue la arquitectura Plattenbau alemana posterior a la Primera Guerra Mundial.
Eligió para su proyecto, un edificio de 5 plantas de vivienda pública, el Grabungsstaedte que iban a derribar y conservó el trazado antiguo, conservando las paredes originales que cortó a 80 cm de alto, llenando el interior con mobiliario realizado con las mismas planchas de hormigón empleadas en la construcción original del edificio.
Con esto consiguió, que a pesar de ser una nueva construcción, siguiera conservando la esencia de su antiguo uso.
Según el recuento hecho por la artista, el interior fue equipado con camas, sillas,mesas, armarios, cocinas,lavabos y bañeras, sillones y mesa de café y otro tipo de muebles.
Esta pieza se utiliza actualmente como parque público y por las fotos que he podido ver en primavera está bastante concurrido, además muchos skaters practican sobre el mobiliario, sin miedo a estropearlo.
Precioso espacio público, levantado sobre los escombros un espacio privado.
Lo conocí aquí.
Etiquetas: arquitectura, arte, divisiones, instalacion, materiales, mobiliario, naturaleza, todos, urbanismo
Aunque no todos los trabajos de Lang Baumann me gustan, mejor dicho, aunque muchos trabajos de Lang Baumann no me gustan, tengo que reconocer que varias de sus obras, logran despertar en mí una sonrisa de oreja a oreja y eso ya es un punto...
Instalaciones imposibles, bien ejecutadas, ya que sus autores andan sobrados de conocimientos de arquitectura, y parece que también de presupuesto. De esta manera, su trabajo consigue ser muy visual.
Inmediatamente captan la atención del que se topa con estas obras y despiertan tremendas ganas de interactuar. Por su apariencia parecen estar allí para algo, aunque la mayoría de las veces, no tengan un uso real.
Que me lío así que mejor dejo fotos de las piezas que me gustan y os invito a que visitéis su web y seleccionéis los trabajos que mas os interesan a vosotros, hay para elegir....
Lo he visto aquí.
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Domingo ideal para echar un poco la vista atrás y homenajear a uno de los artista que trabajan en la naturaleza, que más me interesa.
Su nombre es Nils Udo y en contra de lo que suele pasar con otros artistas de land art, que no tienen problema en actuar sobre la naturaleza de manera irreversible, él realiza sus composiciones, con gran sensibilidad, refinamiento y una economía de medios, que inequívocamente se asocia a la estética oriental.
Intenta preservar las condiciones originales del espacio que interviene, componiendo sus obras como si de un cuadro se tratara, añadiéndole en algunos casos materias orgánicas que encuentra a su alrededor y en otros, esos mismos elementos, son transportados a diferentes escenarios sobre los que actúa de manera escrupulosa, obteniendo resultados sorprendentes, pero no extraños ni fuera de lugar.
Palos, piedras, bayas, flores, hojas, arena, sal y pigmentos naturales, son algunos de los materiales con los que Nils trabaja, también lo hace con el movimiento del agua, o con plantas vivas que el trabaja con sus propias manos, para transformar el paisaje con obras efímeras, misteriosas y simbólicas, de una innegable riqueza visual y una alta intensidad poética.
Como suelo decir, mejor os dejo con las fotos, tomadas por el propio artista y que en trabajos tan efímeros, como los de Nils Udo, son parte esencial de la propia obra.
Las fotos las he sacado de google.
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Os dejo el trabajo de Toba Khedoori una artista que dibuja al detalle objetos en 3 dimensiones flotando sobres enormes papeles blancos.
Sus delicados trazos va componiendo minimalistas dibujos de gran realismo donde nos muestras objetos cotidianos, edificios, ventanas, puertas, materiales... nunca personas, que la artista separa de su contexto y rodea de un gran espacio blanco, algunos de estos objetos son colocados en extrañas posiciones otros repetidos hasta el infinito, con una calidad y calidez de dibujo que me han dejado enganchada al primer vistazo.
Me es difícil contar más sobre una obra tan visual, así que ahí van los dibujos, espero os gusten tanto como a mí.
La he conocido aquí de donde he sacado fotos, también de aquí.
Increíble pieza de arte público la que ha creado el arquitecto y artista Ling Fan para un parque tecnológico de Shanghai.
La pieza se llama Floating Green y el nombre le viene al pelo, porque gracias al ingenio y creatividad de su autor, el césped parece flotar, conformando un cómodo banco público, donde la gente puede entrar en contacto con la vegetación, sentarse en ella, tocarla, olerla y disfrutarla con comodidad.
La construcción es aparentemente sencilla, una enorme y fina plancha de metal, de forma ondulada que se adapta a la forma del cuerpo y que se balancea con el peso. Dicha plancha ha sido forrada de césped hasta que queda perfectamente oculta, pareciendo que un trozo del suelo se ha levantado con el viento y flota alegremente en el aire.
Una pieza magnífica, me pregunto, por sacarle alguna pequeña pega, si se podría haber fabricado con madera u otra materia natural, más en armonía con el entorno, pero bueno, como digo, es por sacarle alguna pega.
Lo he conocido aquí.
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Pop Up podría ser una divertida y rápida manera de utilizar el espacio público, para sentirse como en casa... o como en la oficina...
Lástima que el resultado sea frágil y endeble, me hubiera gustado ver como los peatones lo utilizaba en sus rutinas diarias.
Por cierto la silla es una versión en cartón de la maravillosa Emeco, que buen detalle.
Lo he conocido aquí.
Etiquetas: arte, efímero, materiales, todos
45 años separan dos series de fotos en blanco y negro sobre gasolineras. Las dos con el mismo nombre, Twentysix Gasoline Stations y por supuesto una rinde homenaje a la otra.
La más antigua es la editada por el artista-fotógrafo Ed Ruscha, fue publicada en formato libro, en 1963 que muchos consideraron en su época uno de los primeros ejemplos de libro en formato road movie.
Originalmente fue una edición numerada de 400 ejemplares, que contenían imágenes de gasolineras, que Ed encontró en el camino de Los Angeles y Oklahoma en un viaje para visitar a sus padres. Todas las estaciones estában en la mítica Route 66, y el orden en que aparecen las gasolineras en la paginas del libro, es prácticamente el mismo que su posición en la autopista, desde el oeste al este.
Imágenes de día y de noche, algunas desde coches en movimiento, gasolineras con gente o sin ella, con coches o vacías... incluyó hasta un total de 26 imágenes, tomadas desde el otro lado de la carretera.
La intención del autor era crear un material neutro carente de cualquier detalle superfluo, dejando reducidas las páginas a un titulo y una imagen, lo más anodina posible, ya que el autor quería fijar una sucesión de momentos, no hacer un libro interesante.
Como suele pasar, el libro no tuvo ningún éxito y fue rechazado por la crítica por su forma poco ortodoxa y su falta de interés estético. Durante los 40 años siguientes, ha sido ganando prestigio y hoy es un libro de culto, que se guarda en los museos de arte contemporáneo, como ejemplo de uno de los primeros libros de artista.
La segunda serie, 26 Gasoline Stations ha sido creada por Jan Freuchen con fotos sacadas de internet y aunque el escenario es el mismo, esta vez las gasolineras han sido fotografiadas en el momento en que un golpe de viento dejó su reconocible estructura en forma de T tumbadas en el en el suelo.
Estas fotos, también fueron tomadas desde coches, pero esta vez por turistas o personas que huían de sus casas ante un tornado o un fuerte golpe de viento. Me ha llama la atención, en las imágenes que he podido ver, la limpieza con que ha caído la estructura, como si hubiera sido doblada por razones técnicas, no dando la sensación en ningún caso de que el poste central ha cedido por el viento. En cualquier caso el efecto que producen las imágenes con el techo en el suelo, es de lo más chocante.
Además otro fotógrafo Eric Tabuchi, ha homenajeado este libro en su serie Twentysix Abandoned Gasoline Stations, en la que nos muestra 26 paisajes desolados, con sus correspondientes gasolinera abandonada.
Increíble lo que ha dado de sí el supuesto libro feo de Ruscha.
Casi todo lo he conocido aquí, de donde he sacado algunas imágenes, el resto son de google y de Jan Freuchen.
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Tuve la suerte de conocer al artista Gaia en el Festival Crítica Urbana de Madrid y después, por casualidad, lo encontré en New York, en la galería Ac Hoc Art de Bushwick, justo el día antes de que cerrara definitivamente sus puertas. No podéis imaginar la alegría que me da, cuando encuentro a alguien que conozco en otro país y mucho más si es un artista.
Esto sería más que suficiente para que le dedicara mi post de hoy, pero en realidad, lo más importante es que me gusta su trabajo, cada vez más, el que he visto in situ y también el que he ido rastreando desde que lo conocí.
De las obras que ha dejado en la calle, las que a mí más me interesan, son los animales, que él dibuja con detalle y un estilo ilustrativo bastante personal, que en pequeño formato, parecería clásico, como si hubiera sido hecho por un paciente ilustrador, valiéndose de plumilla o pequeño pincel, pero que al ser pasados a un tamaño tremendamente grande, adquieren un aspecto, bastante complejo y a veces nada fácil de ver.
La temática de su obra es curiosa. La mayoría de las veces, representa animales de apariencia muy real, pero con extremidades humanas. Estos gigantes seres zoomórficos, miran desde la paredes, con lo que debería ser, una presencia amenazadora, pero sus ojos humildes y tristes y sus actitudes humanizadas, invitan al acercamiento.
En muchas ocasiones, saca a la calle dibujos ya realizados, que pega en las paredes, en otras dibuja directamente en los muros, a pincel, con pequeños trazos casi puntillistas, que dan a las piezas un aspecto más pictórico. Este es el caso del animal que nos dejó en Patio Maravillas.
Os dejo una selección de imágenes, las he sacado de sus páginas oficiales y de google. Os sugiero que las dediquéis algo de tiempo, así apreciaréis esos pequeños detalles, que creo le dan un estilo propio, diferente al que estamos acostumbrados a encontrar en nuestras calles.
Si queréis saber más cosas sobre Gaia, él mismo os las puede contar en esta entrevista.
Esperemos verlo, lo antes posible, de nuevo por Madrid, quizás... en un muro más grande... y por supuesto, en la calle...
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Preciosa idea la que ha desarrollado el arquitecto Johan Hybschmann en su libro, desconozco el título, en el que ha tratado de representar su idea de la percepción espacial, conectando visualmente, espacios de referencia para él.
Para ello, efectuó precisos recortes laser en las páginas de de un cuaderno en blanco. Cuando el libro se abría y se miraban las páginas, se podía ver una representación espacial de una secuencia de la película, en la que se refleja, el tiempo pasando y su efecto en los objetos y espacios de una habitación del Palacio de Invierno de San Petersburgo.
Así, en cada doble página del libro, aparece representado, de manera minuciosa, mediante precisos cortes, estas variaciones del espacio arquitectónico de la película, en perspectivas, muy simplificadas, ya que no hay dibujos que ayuden a entender las imágenes, solo hojas de papel blanco y espacios vacíos.
Me imagino que el efecto de pasar las páginas de este libro, es como estar visionado de manera rudimentaria, esa escena de la película. Una pena que en las fotos que nos muestran el resultado no se perciba bien el efecto que se debe conseguir al tenerlo entre las manos.
Increíble trabajo y no es el único, que ha realizado con la idea de interconectar espacios. Para Replicating a Replic, su proyecto de rediseño del Federal Hall de New York, Johan creo la representación de dos edificios, que podrían estar virualmente conectados, pero espacialmente separados.
En el artículo de BLDGBLO lo explican con detalle, yo lo dejo aquí por hoy.
He conocido el proyecto aquí.
Etiquetas: arquitectura, arte, materiales, todos
Os quiero mostrar las obras que el escultor Michael Kienzer ha dejado en la calle, también en la naturaleza y en el interior de galerías.
Trabajos en su mayoría hechos con un punto de ironía, utilizando referentes de la vida diaria, mobiliario, objetos de uso cotidiano o que están en la calle, materia prima en estado bruto, remezclados o compactados en algunos casos con material de construcción.
Es difícil hacer una descripción general de este artista ya que su trabajo es bastante ecléctico, vamos, que me tendría que leer varios artículos, para encontrar el nexo común de todo su trabajo, así que prefiero que disfrutéis de la obra y las descripciones se las dejo a los más sesudos.
Parte de este trabajo me recuerda a otros ya vistos, no se si anteriores o posteriores, pero en cualquier caso me ha parecido interesante.
Los he encontrado, yendo de un sitio a otro, virtualmente hablando, claro. Las fotos, las he sacado de aquí y el resto de google, ya que Michael no tiene página web.
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Monumentos de un pasado no tan lejano, eso es lo que ha estado fotografiando Jan Kempenaers para su serie Spomenik project.
En ella, ha querido fijar para el recuerdo, algunos representativos monumentos, levantados por el régimen comunista de la antigua Yugoslavia
Formas sinuosas y puntiagudas de gris hormigón que me gustaría dejar aquí junto a los monumentos inventados por David Trautrimas, artista que para su serie Habitat Machines 2008, ha dejado volar su imaginación entre equipamientos de cocina y de la casa en general, para fotografiar piezas, que ensambla digitalmente, de manera que se convierten en otros objetos mucho más monumentales y misteriosos.
Ni los monumentos reales de Jan parecen tan lejanos en el tiempo, ni los de David se me antojan tan futuristas, así que los dejo juntos para que cada uno opine.
Los he conocido a ambos aquí.
Etiquetas: arte, escultura, exteriorismo, fotografía, instalacion, materiales, todos
Mucho tiempo llevo queriendo hablar de Los Carpinteros (fantástico nombre), temendos artistas cubanos que me apasionan por su manera de darnos una vision personal y muy irónica, de un realidad que muchas veces no tiene ni pizca de gracia.
Su obra tiene un humor elegante, que mezcla estrategias artísticas, decorativas y conceptuales, que nos invita a mirar la naturaleza de las cosas, desde otro punto de vista.
Con ello no están tratando de banalizar la realidad, muy al contrario, la visión personal que nos muestran de ella, nos acerca de manera certera y casi sin querer, a situaciones y realidades de gran transcendencia, utilizando para ello, objetos cotidiano con los que juegan, transforman y realizan sus trucos visuales, hasta despojarlos de su supuesto valor social y cultural.
Después ya recompuesto adquieren nuevos valores, en apariencia más humorísticos, aunque en el fondo ahora sean mucho más ambiguos, absurdos y peligrosos.
El dibujo es muy importante en la obra de estos artistas, sus trabajos en papel, en muchos casos parecen estudios preparatorios de sus esculturas, aunque en realidad no fueran creados pensando en su construcción.
Como no quiero escribir más, os dejo un link donde podréis conocerlos con más profundidad, yo paro aquí.
Conocí a Los Carpinteros, hace ya bastante, pero hoy me ha apetecido invitarlos al Ático, todo un privilegio.
Las imágenes las he sacado de google, ya que en su pagina no tienen prácticamente ninguna.
Etiquetas: arte, escultura, humor, materiales, todos
Después de una agradable cena, un placer Andrés, en la que la conversación ha girado en torno los usos del espacio público en general y de Madrid en particular y en la que yo, como siempre, me he quejado de la dureza de las plazas y espacios públicos renovados del centro de la cuidad, me ha apetecido mucho, mucho, hacer esta entrada, sobre una iniciativa que me ha contado mi amiga María y que me ha parecido de lo más interesante.
Se trata de un curioso movimiento llamado Depave iniciado en Portland, Oregon, con el fin de liberar la tierra, aún viva, de esas capas de asfalto y hormigón que normalmente cubren aparcamientos y antiguas construcciones ahora en desuso, que está impidiendo que la naturaleza vuelva a formar parte del paisaje urbano.
Lo que hace esta asociación, formada por voluntarios, es localizar zonas pavimentadas, que ya no se utilizan y conseguir los permisos para levantar el pavimento, hasta dar con la tierra sepultada debajo.
Una vez libre de esa barrera, ellos se encargan de curar y hacer de nuevo fértil el suelo, para que, donde antes había una gris, deteriorada y dura superficie, ahora crezcan bonitos jardines urbanos...
Este verano han liberado 6 zonas de asfalto. Gracias a la ayuda de multitud de voluntarios, de 20 hasta 100, dependiendo de la extensión a destapar, han conseguido crear jardines comunales de urgencia, en los alrededores de iglesias, escuelas, galerías de arte, refugios para homeless...
El proyecto es bastante interesante y merece la pena conocer más sobre él, ya que yo no lo puedo contar todo aquí, así que os recomiendo que leáis detenidamente la página de esta asociación, donde dan concretas instrucciones para poder desarrollar este tipo de actividades en cualquier localización.
Ahí cuentan por qué es interesante lleva a cabo este tipo de iniciativas, qué hay que hacer con el material levantado, cómo tramitar los permisos, y tratar la tierra para que vuelva a ser fértil, una vez sacada a la superficie, ... también te puedes inscribir como voluntario o proponer nuevas zonas a liberar.
Bonita idea ¿no? y especialmente útil en zonas económicamente deprimidas de la América profunda, donde proliferan espacios comerciales abandonados, con grande extensiones de aparcamientos que nadie utiliza.
A mí, me dan ganas de empezar, por alguna plaza de Madrid, aunque aquí la tierra no esté precisamente en zona deprimida, ni asfaltada, sino en céntricas localizaciones y bajo losas de granito.
Gracias querida María por el soplo...
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10 días soplando bolsas, en eso consistió el proyecto que el artista honkones Pak Sheung Chuen presentó en la Bienal de Busán de 2006.
Para su obra Breathing in a House lo que hizo este artista fue alquilarse un piso estandar amueblado, para dos personas, en la ciudad de Busán y tratar de evidenciar la cantidad de aire que tenía que respirar, para llenar todo el espacio libre del piso.
Las medidas de piso 6,7m x 2,7m x 2,2m, bastante pequeño, se empezó a llenar de bolsas transparente que el artista fue soplando una a una y etiquetando durante 10 días, en los que no abandonó el piso en ningún momento.
Cada día que pasaba, el espacio vital del artista iba disminuyendo, encontrándose el último día prácticamente sepultado en bolsas, hasta que ya no tuvo espacio y se vio obligado a salir.
Según nos cuenta el autor en su blog, el trabajo es una performance sobre las condiciones precarias de la vida cotidiana de muchas personas que viven en tan pequeños habitáculos y además es una investigación escultural que simboliza el espacio que ocupa del aire dentro de los espacios físicos, o algo así...
Una simbólica manera de representar esa parte de su vida, de su respiración, que fue absorbida por el apartamento, durante los 10 días que vivió allí.
A mí me ha gustado ver de manera gráfica, cómo la respiración se convirtió en parte de los elementos que rodeaban al artista y que a su vez le iba quitando el espacio que necesita para seguir respirando...
Llegué aquí desde la Bienal de Venecia donde Pak estuvo representando a los artistas de Hong Kong.
Las imágenes de mala calidad, son capturas de pantalla de You Tube, siento no tenerlas mejores.
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