A la artista inglesa Sarah van Gameren le gusta jugar con fuego y tanto se divierte, que con un tipo especial de pintura similar a la de los fósforos, pinta circuitos para él.

En su performance Burn Burn Burn ha dibujado con dicha pintura un complejo camino lleno de filigranas que recorre la pared, una silla, el suelo, una mesa y un jarrón con flores.


Una vez prendida la llama por un extremo, el fuego lentamente avanza y va quemando el recorrido hasta terminar carbonizando las rosas del jarrón.


El rastro que la llama deja a su paso, conforma un dibujo negro y difuminado sutil y algo triste.

El vídeo de esta performance te deja hipnotizado, es una pena que no lo pueda reproducir, pero lo podéis encontrar aquí.


Otra performance, en la que Sara vuelve a flirtear con el fuego, es la llamada Chain Reaction. Junto a Rowan Mersh, grabaron una reacción en cadena de 100.000 cerillas, que duró 12 horas. Parece mentira que tardaran tanto en consumirse.


La llama del primer fósforo pasa al siguiente y lentamente se desplaza a través del espacio y el tiempo. Visualmente muy estético y relajante. Con lo que atonta mirar el fuego y unido al sonido chispeante de todas esas cerillas encendiéndose. Eso sí, debía hacer un calor...

Las personas que estuvieron presente, seguro que disfrutaron. Según cuentan, la gente iba desplazándose siguió el recorrido de la llama como si si estuvieran reunidos alrededor de una pequeña hoguera que se desplazaba y cuando todo quedó a oscuras... aplausos.


Espero que por la noche no se hicieran pis en la cama, como me decía de pequeña que ocurría si jugaba con fuego. El vídeo, que tampoco se puede reproducir, lo podéis encontrar aquí.


Otra de sus performances Big Dipper, no tiene que ver directamente con el fuego sino con cera caliente. La artista ha inventado una máquina que crea candelabros de cera. Con una estructura de hilos en inmersión constante dentro de un bidón de cera hirviendo va formando capas que se superponen a otras hasta conseguir el grosor deseado.


La máquina va rotando y sumergiendo los candelabros, doce veces cada uno. Después de unas doce horas, veinticuatro candelabros de cera blanca quedan terminados. Y vuela a empezar.

El vídeo también se puede ver aquí.

Ahora no se de donde saqué la información, tenía guardada la página de la artista, pero no la fuente, lo siento.

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Me cuesta encontrar espacios arquitectónicos que me conmuevan, y cuando escribo la palabra conmover, quiero decir, que me guste por su calidad y sensibilidad, que me produzca calorcito en el corazón y que me apetezca visitar.

Porque muchas de las obras que me llegan a través de revistas o blog me conmueve pero para mal, vamos que más que conmover lo que hacen es removerme las tripas.


Si queréis saber qué es lo que pienso, en líneas generales, sobre la arquitectura contemporánea os podéis leer el artículo "La arquitectura de moda" que escribió Jaime Sarmiento para Flylosophy, una revista/blog que co-edito con mi amigo Ángel y que por supuesto recomiendo.

Por eso, no suelo escribir sobre edificios o construcciones a gran escala y con nombre propio y mis comentarios se limitan a pequeñas obras que me llaman la atención por su humildad, usabilidad, sostenibilidad o delicadeza.


Así las cosas, estaba yo paseando la vista por Arkinetia, cuando ¡tatachan...! se me ha presentado como una revelación la obra de Fredrik Pettersson para White Arkitekter AB, un estudio de arquitectura escandinavo que pese a su gran tamaño también tiene la sensibilidad para acometer proyectos tan especiales como el Kastrup Sea Bath.

Y eso puede deberse a que dicha empresa no tiene dueño, porque todos sus empleados lo son. Ellos se definen como una gran fábrica de ideas, donde la forma de organización es el motor y el generador de la energía necesaria para que funcione.


Desde luego vaya si funciona, porque con este método de trabajo, han creado en la costa de Kastrup una maravillosa piscina natural de madera, dentro del mar y unida a tierra por un muelle de madera.

Según cuentan en Plataforma Arquitectura: Este baño se concibe como una forma escultural dinámica, que puede ser vista desde la playa, el mar y el aire. Su silueta cambia gradualmente a medida que el observador se mueve a su alrededor.


El proyecto, según Arkinetia: "consiste en una plataforma para que las personas puedan acceder al mar como si éste fuera una piscina. Además provee vestuarios, baños y lugares con sombra y con sol, utilizando formas simples que contrastan con el mar. En la costa, un segundo edificio contiene los sanitarios. Una pasarela de madera, que une la playa y la plataforma, es una invitación para los que están en tierra firme."

Como yo no lo he visto en persona sigo copiando lo que cuentan en Plataforma Arquitectura que sí parece que han estado ahí.


"La forma circular crea un interior, protegido de los vientos. Esta forma se abre hacia la costa para conectarse con la playa e invitar a los visitantes a entrar. Una banca continua corre a lo largo del muelle, creando otra zona de descanso y esparcimiento. Una parte importante del concepto del Baño Marítimo es que el ingreso es libre y está abierto al público durante todo el tiempo. Este “baño” está diseñado como un soporte no tradicional para practicar actividades deportivas. Hay cabida para una tranquila tarde de nado, así como para ejercitar y divertirse. Está previsto que los adultos mayores estén tan cómodos como los jóvenes deportistas. Rampas, y otras características e instalaciones permiten que los miembros de la comunidad con menos movilidad puedan tener completo acceso a los baños."


"La iluminación está diseñada para hacer énfasis en el escultura diseño arquitectónico. Los elementos más importantes son una serie de focos verticales que iluminan el interior del muro semi circular. La luz reflejada desde estos muros ilumina indirectamente el sector de lavatorios, y su forma dinámica es visible desde los alrededores. A medidas que el muro reflector va creciendo, hay un dramático contraste de luz azul que viene desde atrás de las escaleras y plataformas de nado. El otro elemento importante en la iluminación, son dos líneas guía en base a puntos LED a lo largo del muelle."


Toda lo construcción está hecha de madera de Azobé, de gran duración y resistencia al agua, las barandillas son de acero galvanizado, el interior de los servicios y vestuarios también es de madera pero esta vez pintada de brillantes colores.

Ahora dejo de copiar a otros para decir que me parece impresionante, lo veo casi como un templo. Por un lado es un estupendo sitio de reunión, ideal para ir los domingos de verano con toda la familia y por otro, intuyo un espacio para el recogimiento donde relajarse con el sol y el sonido del mar, leyendo, meditando, haciendo ejercicio o incluso purificándose.


Seguro que además, gracias a su espectacular iluminación, en las noches de verano se aprovecha para actos culturales como conciertos o teatro. En invierno, supongo que nada, que hará un frío de muerte.

Qué penita da, que mientra otros países disfrutan de maravillosas construcciones que no contaminan visualmente el paisaje, aquí nos llenemos de horribles edificios.


Lo he visto en Arkinetia y Plataforma Arquitectura.

Las fotos han sido hechas por Ole Haupt y yo la he tomado prestadas de Arkinetia.

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Ayer fui algo densa y trascendente en mi post, hoy quiero compensar con algo más divertido.

La obra del escultor bostoniano Nick Rodrigues utiliza situaciones y objetos humorísticos para que nos enfrentemos con la sonrisa puesta a una realidad tecnológica que ya está cambiando sutil pero profundamente nuestros hábitos de comportamiento.

Hay un tipo de sofisticados productos tecnológicos, que nos dan confianza y ayuda a que nos acepten socialmente, otro sin embargo nos aíslan e incluso ayudan a adoptar otras personalidades.


A esos dos grupos de objeto se dirige la mirada burlona de Nick y a partir de ellos ha creado su The Human Interaction Series, un grupo de 5 obras interactivas, situadas en espacios públicos, y que llevan instaladas cámaras de vídeo que captan las reacciones de la gente que se topa con ellas.

Uno de sus objetos preferidos es el Ipod con el que ha creado tres de sus obras y que a mí son las que más me divierten.


El Porta-Party es una pieza que nos ofrece la posibilidad de bailar en la intimidad de un cubículo parecido a un baño público, pero con la forma exterior de un Ipod.

Si alguien va por la calle escuchando música y con ganas de bailar pero es algo tímido o si odia a la gente pero le gusta la fiesta, en el Porta Party puede dar rienda suelta a sus deseos en la intimidad, con bola de discoteca y todo. En el vídeo, se ve cómo la gente se mete entro y baila y baila, solos o en compañía.


DiePod es una tumba para Ipod, ese objeto que va con nosotros a todas partes y cuya música e imágenes está creado la banda sonora y la reconstrucción gráfica de nuestra propia vida.


No hay momento importante que no se pueda compartir con nuestro Ipod, así que al final de nuestros días merece un lugar de descanso digno de su dueño. Y de diseñar esa última morada, se ha encargado nuestro Nick.


La AdverTie es una corbata aparentemente tradicional pero en ella se puede insertar nuestro Ipod de manera que sólo se ve la pantalla. Con ella puesta y el Ipod funcionando a modo de presentación, podemos mostrar lo que nos apetece que los demás vean de nosotros.


Si la presentación es buena, será más fácil vendernos, también ahorra muchos preliminares.


La Automotive Armor es una pieza con forma de minicoche. Se insertada en la cabeza y permite a su portador tener los mismos comportamientos como peatón que los que tiene cuando se sienta al volante, es decir, ser maleducado, tocar constantemente el claxon, avasallar a los demás, poner la música a todo volumen, insultar y otros comportamientos propios de los automovilistas. El vídeo que adjunta, da una idea de lo más completa.


Por último y en la misma línea, la Portable Cellular Phone Booth trata de representar el aislamiento y la perdida de interacción con el entorno, que produce ir hablando con el móvil por la calle. Tiene la forma de una cabina portátil, se transporta en los hombros y cuando se quiere hablar por teléfono se mete la cabeza en ella para encontrar ese espacio de intimidad que antes representaban las cabinas públicas y que ahora está despareciendo.


En definitiva, según explica el autor, vivimos en un mundo donde las personas están trabajando día y noche para hacer robots humanizados, en contraposición, él intenta crear obras que muestran a los seres humanos con comportamientos cada vez más robotizados.

Yo no entro ni salgo en la calidad artística de la serie pero tengo que reconocer que alguna de las piezas me parece muy ocurrente. ¿No os apetecería a veces meteros en un espacio cerrado e íntimo y poneros a dar botes al ritmo de la música, incluso lanzar algún que otro alarido?.

Lo he visto en ArtMoCo.

Etiquetas: arte, humor, tecnología, todos

Hoy estoy algo disgustada, bueno bastante disgustadas, me he llevado una mala noticia, y aunque algo intuía, no sabía bien por dónde iban los tiros.

El País, en la sección de Madrid lo ha explicado clarito clarito. En su artículo Pelotazo de moda en las calles de la Ballesta y Luna han desvelado el futuro que le espera a mi barrio.

Contaré, para los que no lo saben, que la zona de La Ballesta y Luna perteneciente al barrio de Noviciado, en este momento es una zona deprimida y con mala fama al ser frecuentada por prostitutas, chulos y drogadictos, aunque en los últimos meses a fuerza de un estricto control policial ha mejorado algo.


Pero no toda la zona es mala, el resto conserva una identidad de barrio popular, con pequeño comercio, bares tradicionales, algunos restaurantes de cocina casera, tiendas de moda con encanto, dos teatros y uno de los pocos cines porno de la ciudad.

Además de trabajadoras del sexo y drogadicto, en él convivimos en bastante armonía: los que, como yo, añoran el barrios de la pequeña ciudad, con los vecinos de toda la vida, que se han podido mantener aquí porque la zona no se ha encarecido demasiado. También hay inmigrantes, mucha gente joven y algo bohemia y cada vez más famosos que encuentran aquí el anonimato.

Todo esto lo cuento para que os hagáis una idea del tipo de barrio que ha sido hasta ahora, se me olvidaba comentar, que la zona está muy muy céntrica, a dos pasos de Chueca, Malasaña y Gran Vía, es decir que para los especuladores inmobiliarios sería un pastelito si no fuera por el problemilla que existe en estas confictivas calles.


Pero de la noche a la mañana, sale a la luz, que casi todos los locales de este área degradada, han sido comprados por un grupo inversor con la intención de crear "el centro fashion de Madrid" conocido ya como Triball (debe ser un juego de palabra asociado a Tribeca) al que ya han sido invitadas, según el artículo, grandes firmas de ropa tentados por alquileres de 20 euros el metro cuadrado. No hay problema con eso, puesto que calculan que el precio de los pisos de la zona se incremente entre un 20% y un 30%, y seguro que ya tiene muchos en su poder.

Esta noticia, coincide en fechas, con iniciativas de rehabilitación de la zona por parte del ayuntamiento como son: la instalación de cámaras de vigilancia en la zona; con la reconstrucción de la Plaza de la Luna, jardín vertical incluido; con la propuesta de peatonalizar algunas calles; con la fuerte presencia policial, con la insistencia de desalojar a los propietarios de uno de los restaurante con más tradición del barrio, El Bocho. ¿No da que pensar?.

Esto es gordo pero lo que más me indigna, es esa manera tan agresiva de comprar el comercio de un barrio para convertirlo en una especie de centro comercial a pie de calle, diseñado por los intereses de unos cuantos , empeñados en convertir una zona marginal en el paraíso de las compras de lujo, actividad que por supuesto, nada tiene que ver con el nivel económico y las inquietudes de los habitantes de la zona.


En el artículo del País, los nuevos propietarios del barrio, comparan lo que pretenden hacer en esta zona, con lo que ocurrió en barrios como Chueca o Soho.

Para mí nada tiene que ver. Estos dos barrios llegaron a ser lo que son, a través de una lenta transformación, iniciada por colectivos con claros intereses comunes, a la busca de un espacio donde poder desarrollarse. En el caso del Soho fueron los artista necesitados de grandes espacios para sus estudios. En el caso de Chueca, el colectivo gay, necesitado de una zona donde vivir sin ser marginado, rehabilitó y sacó del anonimato, un barrio lleno de droga y marginación para convertirlo en el más famoso de Madrid.

Me salgo un poco del tema y del barrio pero no quería dejar pasar la ocasión sin decir que lo que ahora mismo es Chueca, no me gusta. Lo considero casi un parque temático, un reducto cada vez menos auténtico, lleno de locales de diseño e invadido por visitantes que "van a ver a los gays" después de un duro día de compras por Fuencarral.


Todo en él es caro, con una estética similar, e incluso me atrevería a decir que algunos vecinos homosexuales están huyendo a barrios más tranquilos, dejando la zona para el negocio y para los visitantes de fin de semana.

Se que, al no conocerme, a alguien le puede molestar mi comentario, pido disculpas, pero no puedo dejar de decir que Chueca funciona en parte como un gran armario dentro del que se está tan cómodo que a veces cuesta salir.

También tengo criticas para la zona cercana de Fuencarral. Hace pocos años era el sitio al que ir si no querías vestir como los demás, tiendecitas de ropa alternativa jalonaban las calles, el Mercado de Fuencarral era un hervidero de tendencias, los jóvenes empresarios cuidaban la decoración el producto y por supuesto a los clientes.


Ahora las franquicias han tomado el terreno y ya da igual comprar aquí que en el Barrio de Salamanca, además las pequeñas tiendas han sucumbido al acoso de los caseros ambiciosos y ya no queda prácticamente ninguna.

Así, en un panorama comercial tan estandarizado, hubiera sido bonito que al ayuntamiento, dentro del plan de rehabilitación de la zona de Noviciado, se le hubiera ocurrido ayudar a jóvenes, con proyectos e iniciativas interesantes a instalar sus negocios en Ballesta y Luna.

Con esto se hubiera dando un poco de aire fresco al barrio y también la ciudad lo hubiera agradecido. Porque según mi modesta opinión, a esta ciudad le sobran franquicias y centros comerciales y le faltan pequeños comercios, estudios y talleres donde los jóvenes puedan desarrollar su creatividad y comercializar sus productos.


Encima cerraron los de El Ojo Atómico...

Pero como esto ya no va a pasar porque alguien ha comprado el comercio del barrio en las rebajas de enero, es el momento de empezar a fantasear con lo que puede llegar a pasar.

Lanzo mis preocupaciones y preguntas al aire, si alguien tiene alguna respuesta me encantaría escucharla.

¿Quienes van a ser mis futuros vecinos?, (yo desde luego no me muevo de aquí, que trabajo cerca), ¿cuanto se van a incrementar los precios de los productos básicos?, ¿van a recibir mis vecinos, suculentas ofertas por sus pisos?, y si es así ¿donde se van a ir?, ¿voy a poder comprar una barra de pan normal cerca de casa? ¿el café me lo tendré que tomar en Starbucks? ¿van a subir por fin los precios en El Palentino?, ¿el Bocho cerrará y harán casas de 30 metros en el edificio?, Servirán brunch los domingos en Casa Julio y Casa Perico?, ¿qué mega centro comercial se instalará en los Cines Luna? ¿pondrán una pista de patinaje privada en la plaza Luna para las navidades? ¿limpiarán y adecentarán el cine porno para convertirlo en un local
multi disciplinar? ¿por fin el jardín vertical crecerá y reverdecerá? ...

Como escribió SAM3 en esta misma calle Ballesta de la que estoy hablando... "gracias por su visita"...

Actualización 1-2-08

Al ir a sacar entradas para El Gran Atasco, programada por Escena Contemporánea 2008 me he llevado la desagradable sorpresa de que la obra, que en principio había sido programada en El Canto de la Cabra, ha sido reubicada en la que han dado en llamar Sala Temporal Triball, que está situada en Loreto y Chicote, 3.

Ni idea que ahí hubiera una sala y tampoco entiendo el cambio de última hora de una programación que se supone se hace con tiempo.

No se si será porque con la política de tirar precios que tienen estos señores hayan ofrecido mejores condiciones económicas. ¿Será que en esto también existe el regateo?.

Por ahora no he sacado la entrada, por no hacerlos el juego, pero claro, no me apetece quedarme sin ver la obra, ¿que hago?. Seguro que acabo yendo, así que ya os contaré.

También intentaré averiguar por qué no se ha representado finalmente en El Canto de la Cabra, un teatro alternativo con mucha solera y prestigio, que programa buen teatro alternativo contemporáneo. Seguro que perder una de las obra más interesantes de este festival, no ha sido bueno para ellos.

Etiquetas: crítica, evento, no me gusta, todos, urbanismo

Ni los monstruos sagrados del diseño se pueden libra de ser interpretados, variados, mejorados o desdramatizados por jóvenes y traviesos diseñadores, a los que no les asustan los mitos.

El ejemplo más deslumbrante lo tenemos en el famosísimo Maarten Baas, quien no ha dudado en pasar por el soplete, piezas emblemáticas, como por ejemplo, del recientemente fallecido Ettore Sottsass, Rietveld, Gaudí, Richard Hutton o de sus coetáneos Droog Desig y los hermanos Campana. Nada se le pone por delante.


También el diseñador Gerard de Hoop, propietario de la empresa Huting & de Hoop, ha partido de otra famosísima pieza, la silla Ant de Arne Jacobsen, pero con toda la legalidad, pues ha contado con el consentimiento del fabricante, la empresa danesa Fritz Hansen.

Y lo que ha hecho con este modelo llamado AVF, ha sido añadirle más elementos, como una lámpara de pie y una diminuto mesita. Y eso sin perder la unidad estética de la pieza, pues los dos elementos parten de las propias patas de la silla, utilizando un tubo con la misma sección y forma.


No está mal el conjunto del que sólo se han producido 9 piezas, dios sabe a qué precio. Resulta curioso ver una obra tan conocida con una apariencia ligeramente distinta. Lo bueno es que la versión es muy respetuosa con el original, no se distorsiona en ningún momento ni se descompone, simplemente incrementa sus usos.

Otra pieza de esta empresa que quiero reseñar, y no porque me guste especialmente su aspecto, sino porque me interesa su uso, es la silla Stickstools, que permite personalizarse, forrándola con papeles, posters, adhesivos, o cualquier imágenes corporativas que se nos ocurra.


Es muy apropiada para sedes, bares, ferias, sitios públicos o acciones promocionales de cualquier tipo... aunque como he dicho, en mi casa no las pondría.

Lo he visto en Mocoloco.

Etiquetas: arte, decoración, humor, objetos, todos

Aunque me desagradan bastante las excentricidades de los que no saben qué hacer con el dinero, tengo que confesar que a veces espío su forma de vivir a través de blog y revistas especializadas. Y alucino, claro.


Lo hago en parte por voyerismo y en parte porque en mi trabajo se supone que debo estar informada de lo que se cuece en el mercado de lo exclusivo....


Bueno, pues cotilleando la revista Forbes, he encontrado la selección de los 10 restaurantes más inusuales del 2006. La noticia no es lo que se dice novedosa, pero es que dentro de los seleccionados, me ha llamado la atención la extravagancia de cenar en el cielo, suspendido por una grúa.


No se trata de la acción puntual de una marca, para dar difusión mediática a alguno de sus productos, para nada, es un negocio montado por una empresa, con una continuidad y por lo que veo con gran éxito y proyección de futuro.


Dinner in the Sky es una idea de la empresa belga Benji Fun, especialista en montajes de altos vuelos, todos francamente espectaculares. Recomiendo a los que trabajan en agencias de eventos que le echen un vistazo, puede ser una fuente de inspiración.


Lo que ha hecho esta empresa es montar cenas a a 50 metros de altura, en un restaurante, bueno, más bien una plataforma, de 9 x 5 metros, suspendida por una grúa y con espacio para chef, camarero y animador, que están situados en el centro y 22 comensales sentados alrededor de la mesa, los cuales deberán permanecer durante la velada, sujetos por un cinturón al asiento.


Muchas empresas ya han contratado este singular espacio, pero particulares con dinero también pueden hacer uso del servicio para sus fiestas, bodas, o simplemente por capricho.


El precio del alquiler de la superficie flotante para una noche es de 7.900 euros, por 8 horas de uso. Ahí se incluye la plataforma, la grúa y la seguridad.


La gestión del sitio para la instalación del "restaurante" 1.125 euros, fotógrafo sin vértigo otros 630, pack de bienvenida, es decir azafatas, hospitality y ¿wc? 475, música e iluminación especial 850 y la hora extra 265 euros.


El catering, una segunda plataforma, transporte a otros países o customizar el espacio... eso se presupuesta aparte. El espacio requerido para todo el montaje es de unos 500 m2.


Esto es lo que nos cuenta la web, pero a mí se me plantean varias dudas metódicas, por ejemplo: ¿se mueve mucho la plataforma?, ¿te puedes marear arriba? ¿qué pasa si tienes ganas de ir al baño?, ¿hace mucho frío por ahí arriba?.


En fin, no es que me muera precisamente por cenar a 50 metros de altura, atada como si estuviera en un avión y con el riesgo de marearme y echar todo encima de mi compañero de mesa. Tampoco se cómo reaccionaría flotando, con los pies casi colgando, en principio no tengo vértigo, pero no se, no se, además seguro que me dan ganas de ir al baño a la media hora de estar allí atada.


Aún con todo, si me invitan... tampoco diré que no...

Etiquetas: evento, tecnología, todos

Que buen diseño tiene los cubiertos, pues a pesar de los años y las modas hay pocas transformaciones que se pueda hacer para mejorar su usabilidad.


Se podrán fabricar en mil materiales, en mil colores pero aunque algunos diseñadores se empeñen en sofisticarlos, añadirles nuevos usos y disfrutes, en mi opinión, es mejor que no toquen demasiado su forma original y se centren en el mango para cuestiones de creatividad.


Y es con la más básica de las cuberterías con la que la empresa UNIK fabrica sus series Kitchen Collection y Spoon Collection. Además, en la Coffee Collection añade tazas a la composición.


Las piezas son obra del canadiense Francois Legault un diseñador industrial de luminarias con amplia experiencia en proyectos a medida. De su trabajo, yo me quedo con estas dos series.


Partiendo de cucharas tenedores y cuchillos reciclados, Francois entreteje formas en las que aprisiona la luz, la tamiza y la convierte en un juego de luces y sombras, consiguiendo unos resultados de lo más escultórico.


Otro ejemplo de elementos básicos, esta vez reutilizados para nuevos fines. Me gustan estas lamparas tan apetitosas y las interpreto como un homenaje a los platos de cuchara de toda la vida que son los que a mí me gustan...

Etiquetas: humor, iluminación, materiales, menaje, objetos, reciclaje, todos

Me da la sensación de que hoy el mundo es un poco menos bonito y luminoso. Desde mi ático se ve así de gris.




Todas las fotos están sacadas de www.google.com si buscas en imágenes gaza+ruins te saldrán estas y muchas más.

Etiquetas: no me gusta

Matta Clark pensaba que todos podíamos y debíamos hacer arte.


Si eso es posible... también podemos convertirnos de la noche a la mañana en curators, que para el que no lo sepa, son unos tipos con mucho poder en el mundo del arte que dicen lo que se tiene que programar o no en los museos. Últimamente han salido del anonimato y están más de moda que los propios artistas.


Pues esa es la personalidad que ha adoptado UrbanCurators, un grupo de ¿activistas?, ¿artistas? bueno, dejémoslo en jóvenes estudiantes preocupados por el estado de su ciudad, Providence en Rhode Island.


El grupo se lanza a la calle, armado exclusivamente con marcos, de esos que se cuelgan en las paredes y que de alguna manera están indicando que lo que hay en su interior tiene valor, bueno, eso antes de que apareciera Ikea. Los que portan estos curators, están vacíos y preparados para encontrar en la calle el objeto escena o decorado que según su criterio, sea digno de ser enmarcado.


Y lo que les interesa es todo aquello que demuestra la decadencia de la ciudad, allí donde hay grietas, oxido, destrucción, caos, abandono... allí aparecen esos cuadro, incidiendo sobre estos aspectos desagradables de la ciudad, que casi nadie quiere ver.


Así, al utilizar marcos que uno podría esperar encontrar en un museo o galería de arte, los espectadores se ven obligados a hacer conexiones entre el paisaje urbano y el de un museo y no tiene por menos que tomar consciencia de la realidad que le rodea.


Al igual que al hombre siempre le ha atraído las ruinas de antiguas civilizaciones, el proyecto de estos curators urbanos propone que deberíamos apreciar también las ruinas contemporáneas, que reflejan el consumismo y la industrialización a que está sometida la ciudad.


Los cuadros se cuelgan con cinta de doble cara y se pueden despegar fácilmente. Con esto se consigue un componente necesario del proyecto, la temporalidad, porque aunque la idea haya partido del grupo, su desarrollo requiere la participación espontánea de los ciudadanos que pueden mover y reubicar dichos marcos a su antojo, sin dañar el entorno.


El proyecto se inició auspiciado por 6 escuelas de diseño de Rhode Island, pero quieren que se extienda por todas partes y proporcionan la información necesaria para que cualquiera pueda emprender un movimiento similar en su ciudad.


Divertida manera de que los estudiantes salgan a la calle y se enfrenten a la realidad de su entorno, dialogando, colaborando con los compañeros y relacionándose con los habitantes.


Además la idea da para más, porque si a alguien particularmente le apetece ser curator por un día, también puede readaptar la idea a su gusto, incluso puede dedicarse a enmarcar cosa bonitas que encuentre por las calles que aunque parezca que no, también las hay, muchas y buenas, yo las he visto.

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Lo que puede dar de de sí un objeto tan humilde y tan de toda la vida como el bolígrafo Bic. Y es que se ha puesto de moda y en manos de traviesos diseñadores ha encontrado tantos nuevos usos que a los más jovencitos les costará creer que antes escribiéramos con ellos.

¿Os acordáis de la cancioncilla "Bic Naranja escribe fino, Bic Cristal escribe normal...? pues ahora, menos para escribir, sirve para todo, incluso han sido elevados a la categoría de arte, e incluidos en la colección permanente del Moma y del Pompidou.


Hablé en el pasado de las divertidas y decorativas lámparas Volivik, diseñadas por el estudio español EnPieza, Ya las veo referenciadas en muchos sitios y eso me alegra, porque son un ejemplo perfecto de los magníficos resultados que se pueden conseguir con mucha imaginación y objetos anodinos.


También conocía el mini jarrón Daisy Vase, de Giffin Termeer, que me ha servido para salir de algún apuro estas navidades. Está fabricado partiendo de un Bic Cristal y un lector me ha hecho reparar en su similitud con una pipa de crack, espero que nadie se lo esté fumando.

Y aún hay más creaciones que deben su existencia a este insignificante objeto y que hasta hoy no conocía.


Fantástico y lleno de sentido del humor, así veo yo el set de tenedor cuchillo y cuchara con forma de capucha Bic.

Andrea Cingoli, Paolo Bellisario, Cristian Cellini y Francesca Fontana, han gestado el Din-Ink para presentado al concurso organizado por Designboom con el título Dining in 2015. La idea de sustituir el capuchón de serie que viene con el boli, por otro en forma de cubierto para la hora de comer, es increíble, y claro, ganó el primer premio.


De la "Anemone Lamp", de Paolo Ulian, no tengo mucha información, sólo que se fabricó con 400 bolis con sus correspondientes capuchones y que formó parte de la exposición "la meravigliosa avventura del barone bic " que tuvo lugar en Aosta en 1998 y fue patrocinada por la propia marca Bic, en honor a su inventor.


Otra pieza, que personalmente me encanta, es la "Suck my bic" ideal para los que nos mordemos las uñas y devoramos bolígrafos. Se trata de una capucha de Bic, pero de caramelo. La propuso Clement Eloy, en un workshop de la marca y aunque aun es un prototipo, espero se llegue a realizar, aunque corro peligro de convertirme en una adicta y engordar con tanto azúcar.


El mundo del arte tampoco ha podido sustraerse a la moda Bic, en este caso a la del Bic Cristal de capucha azul. En la galería Georg Kargl de Viena, el artista Herbert Hinteregger ha tenido la santa paciencia de llenar las paredes de una de las salas y el escaparate, con cientos y cientos de estos objetos.


Seguro que pronto surgen otros tantos ejemplos porque cuando algo se pone de moda...


Esta vez todo el mérito es de Designboom.

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Me está pareciendo que destruir o deconstruir o como cada uno quiera llamarlo, galerías de arte, se ha puesto de moda.


Ya hablé de la impresión que me causó ver la famosa grieta de la Tate Modern, y del mal rollo que me me produjeron los comentarios que sobre ella había hecho su autora Doris Salcedo. Me lo tengo merecido por leer más de la cuenta, ya me lo advirtió mi amigo Ángel.


Por eso cuando he visto que el suelo de otra galería ha sido destruido por amor al arte, he decidido leer lo imprescindible, evitando a toda costa las explicaciones de su autor.

Esta vez la grieta de Doris se convirtió en el cráter de Urs Fischer y es que este artista hizo desaparecer casi por completo el suelo de la galería Gavin Brown dejándolo convertido en un agujero de tierra rojiza de unos 11 x 9 metros y 2,5 de profundidad. El coste de esta instalación que más bien es una des-instalación ascendió a la bonita suma de 250.000 dólares pagados por el señor Brown.


La pieza se llamó You y ha permanecido en la galería hasta el pasado 22 de diciembre. En la puerta se advertía al publico del peligro que suponía internarse en este espacio que sólo conservaba a nivel, un pequeño pasillo alrededor. Aún así se permitía al público descender por la obra bajo su responsabilidad.

Alguna crítica que he leído sobre dicha exposición, definió la obra como lo más innovador que se había hecho en mucho tiempo en una galería de arte. Y desde luego debió ser impactante ver, que en un espacio de inmaculadas paredes blancas se habría un socavón de semejantes proporciones.

Este gusto moderno por destruir espacios públicos o privados, me ha llevado a pensar inevitablemente en un artista pero en mayúsculas, GORDON MATTA CLARK.


Ya he dicho en alguna ocasión que para mí es uno de los más grandes creadores del S.XX pero paradójicamente se ha considerado, hasta hace muy poco, un artista maldito, por intentar llevar a cabo hace 40 años, estas mismas intervenciones que ahora son aplaudidas como genialidades.


Matta Clark fue un arquitecto provocador, que nunca construyó nada y fue repudiado por sus compañeros de profesión. Su obra fue destructiva y destruida, sólo conservamos de ella fotos y películas, y esa era la intención del autor, ya que situó todas sus intervenciones en edificios de zonas deprimidas a punto de ser demolidos.


Así las cosas, fue excluido de una exposición de arquitectura en la Cooper Union porque su obra consistía en el desmontaje de las ventanas de la sala de exposiciones para poner en su lugar fotografías de las ventanas reventadas de edificios degradados del Bronx. Por lo que llevo visto, esta misma acción en este momento sería considerada de lo más innovadora.


Y es que este hombre, que vivió hace 40 años y murió con 35 años, fue autor de una obra impresionante que me recuerda muchísimo a algunas cosas que estoy viendo en artistas urbanos actuales cuyo trabajo también es efímero, provocador, crítico con lo establecido, basado en el activismo político y social...


A sus destrucciones las llamó anarquitecturas, y estaban inspiradas en la transformación de la materia. Dotaba de una segunda fugaz vida a edificios en estado de demolición, los diseccionaba y abría, sacando sus entrañas a la luz. Su mirada y punto de vista sobre las ciudades me parece de lo más viva y actual.


Como no soy experta en arte, he cortado y pegado a continuación párrafos que me han llamado la atención, donde se cuentan ideas y proyectos del autor que me son familiares. Están sacados de un artículo titulado Gordon Matta-Clark Una comunidad utópica: Soho en la década de 1970, escrito por Jane Crawford, esposa del artista y que ha publicado la revista Brumaria.


Podéis dejar de leer si os aburráis aunque os recomiendo que acudáis al artículo original, es interesantísimo y ameno. Yo aquí acabo mi intervención por hoy.

Jane cuenta cosas como estas:


"Diseñando para el fracaso
Diseñando para la ausencia
Diseñando para la memoria
Sin un lugar para vivir
Incómodo en tu propia piel"


"La ciudad de Nueva York que algunos veían como ruinosa y llena de basura, era considerada por Gordon Matta-Clark como una rica fuente de materiales a partir de la cual se podía producir arte. La propia ciudad era su paleta. Él se dedicaba a abrir agujeros que dejaban su piel y sus huesos a la vista. Su aproximación era la de un arqueólogo urbano que explora las capas y estratos de vidas previas desarrolladas en edificios ahora abandonados. Poca gente pudo ver el trabajo de Matta-Clark porque las galerías estaban enfocadas al trabajo tradicional que podían vender y casi nadie quería ir de visita a edificios abandonados del Bronx, el distrito más peligroso de Nueva York.


El enérgico idealismo que se encuentra presente en buena parte del arte del período se extendió al genuino deseo de esos artistas por ayudar a mejorar y restaurar la ciudad de Nueva York. Robert Morris, Robert Rauschenberg, Alanna Heiss y Gordon propusieron cada uno formas diferentes de llevar el arte a las comunidades más olvidadas mediante la instalación de centros de arte, exposiciones o proyectos. Gordon estaba interesado en los jardines comunitarios, una idea que había germinado durante sus días como universitario. Para eso propuso la idea de los jardines “relámpago”, según la cual los artistas y paisajistas debían reunirse por la noche en un solar vacío y trabajar hasta la salida del sol, de manera que cuando los vecinos se despertasen, encontrasen un hermoso jardín nuevo donde antes sólo había basura y desechos. Él y su amigo Robert Smithson discutían también la idea de los jardines móviles plantados sobre las barcazas del río, que podían ser desplazados flotando a diferentes vecindarios alrededor de la isla de Manhattan.


...También exploró la idea de una casa canasta en una serie de bosquejos, que no era otra cosa que un dispositivo que se podía cargar en la espalda, tal como los caracoles llevan consigo su casa. A Gordon le gustaba esta idea porque los alquileres eran muy caros para cualquiera que dependiese del dinero proveniente de becas y de las escasas ventas de arte...


...En 1973, en un esfuerzo por llamar la atención ante las difíciles circunstancias que debían enfrentar los sin techo, Gordon creó Dumpster Duplex, una casa hecha a partir de un enorme cubo de basura...


En 1971, Gordon abrió el Restaurante Food junto con la bailarina Carol Godden. En poco tiempo, el local se transformó en parte integral de la escena artística de Soho. Los artistas no sólo acudían a hacer vida social sino que además podían trabajar cocinando o limpiando, con lo que conseguían el dinero para llevar a cabo una exposición o una performance...


...Al igual que su padre, Gordon creía que todos podían y debían hacer arte. Quedó totalmente encantado cuando surgió el movimiento de los grafiti en el gueto y lo consideró como una suerte de revolución artística del proletariado. Se dedicó entonces a fotografiar esos grafitis sobre los trenes para luego imprimirlos como estampas fotográficas de 4,8 metros de longitud coloreadas a mano.


En su proyecto Splitting Gordon empleó una sierra para partir por la mitad una casa familiar de dos pisos, algo que reflejaba aquello que ocurre cuando una mitad de la comunidad resulta separada de la otra.

...Al entrar y ver esta casa, las personas también eran separadas de la comodidad, de la seguridad y del anonimato que reina en los museos y galerías. Matta-Clark sacó el arte del pedestal en el que lo colocaba el espacio institucional para traer al espectador dentro del trabajo artístico, de tal modo que ya no era cosa de pararse frente a la obra sino que había que desplazarse en o con ella. A medida que el público se movía, su perspectiva se veía modificada constantemente, ofreciendo múltiples puntos de vista en el tiempo y el espacio. En otras palabras, la participación de la audiencia era requerida para activar la obra, lo que significaba alterar la responsabilidad del espectador. Dentro de una escultura de Matta-Clark, los visitantes se encontraban en una situación que los llevaba a cuestionar todo lo que una casa representa. Para empezar, esta casa no ofrecía protección de ningún tipo; era realmente perturbadora. Me di cuenta de que los espectadores que se desplazaban al lugar de la obra de Gordon o a otras obras site-specific, eran más sensibles o, por decirlo de algún modo, más receptivos al arte planteado de un modo novedoso...


Day’s End fue un proyecto que se llevó a cabo en uno de los depósitos abandonados en los muelles de la ciudad. Hacía años que la mayor parte de la industria de transporte marítimo de Manhattan había dejado la isla para trasladarse a Nueva Jersey, a la orilla opuesta del río Hudson. Por esta razón, en el Lado Oeste de la ciudad quedaron abandonadas una serie de estructuras industriales en progresivo estado de deterioro. Gordon decidió que, con algo de trabajo, una de ellas podía convertirse en el lugar perfecto para un parque público. Durante el verano de 1975, por espacio de tres meses Gordon trabajó para hacer una disección en uno de los lados del galpón con la forma de una gran vela. En el ala que daba al oeste, cortó una enorme media luna. Cada tarde, cuando el sol se ponía sobre la ciudad, los rayos atravesaban la abertura hecha por Gordon e iluminaban por un momento el oscuro interior de ese galpón. Su parque se transformó así en una hermosa sinfonía de luz, aire y agua reflejados en todo ese espacio. Por desgracia, los burócratas del gobierno no fueron capaces de apreciar ese regalo hecho a la ciudad y sólo vieron un acto de vandalismo que los llevó a emitir una orden inmediata de arresto. Gordon se vio obligado a huir a Europa...


A través de una organización llamada “Sweat Equity”† consiguió comprar un edificio en la parte baja en el lado este de Nueva York por quinientos dólares. El edificio se encontraba en un estado lamentable y Gordon quería hacer unos cortes para ver si reunía algún dinero. Para ello organizó a un grupo de artistas como Richard Nonas, Jene Highstein y Gerry Hovagimyan, de modo que lo ayudasen a enseñar la construcción a los chicos del barrio. Se trataba de niños que habían abandonado el colegio para deambular por las calles, en las que conseguían drogas y no paraban de meterse en líos. La idea de Gordon consistía en darles clases de construcción a ese grupo de muchachos empleando para ello el edificio que acababa de comprar y que luego pasaría a pertenecer a los propios chicos. A continuación les ayudaría a vender el edificio para invertir en la reconstrucción de otro inmueble. Se trataba de la continuación de una idea que había tenido varios años antes, junto a Robert Morris y Bob Rauschenberg, y que suponía la transmisión de lo que ellos mismos habían aprendido colectivamente como artistas en Soho. Gordon Matta-Clark murió en agosto de 1978, víctima de un cáncer de páncreas, dejando el proyecto sin acabar.


Durante los años 80... ante los nuevos mercados surgidos en Europa y en los EEUU, el mundo del arte se convirtió en algo de orientación mercantil, el propio arte se volvió una actividad más comercial y menos idealista y la vida democrática en comunidad pasó definitivamente a convertirse en algo del pasado..."

¿No os resultan familiares y cercanos estos conceptos?.

Las fotos de Matta Clark las he sacado de Artnet y de la galería David Zwirner.

Etiquetas: arte, crítica, evento, materiales, todos, urbanismo

Un poquito de humor nunca viene mal y menos ahora que estamos en la cuesta de enero, y eso es lo que nos brinda el artista, arquitecto, diseñador industrial, diseñador gráfico y aficionado al bricolaje Alexander Reh.

Su trabajo es divertido, gamberro y algo absurdo. Está muy influenciado por la filosofía del hágalo usted mismo, de hecho la serie de sus diseños industriales se llama Time to D-I-Y, tiempo para el bricolaje.


Y esa es la apariencia que tiene por ejemplo la Milky Way Outdoor Chandelier, una lámpara construida a partir de envases de leche, de los de plástico con asa, tan comunes en EEUU.

En un soporte circular, concrétamente un hula hoop, ha insertado por el asa, 14 de estas botellas y ha metido en ella bombillas. De un modo tan simple ha conseguido una impresionante lampara de exterior, barata y muy decorativa.


Otro de sus proyectos, la Fully Loaded Chair es una silla cuya superficie está construida con 400 cartuchos de escopeta. La parte dorada es lo que conforma la superficie de apoyo y el plástico rojo queda en la posterior.


Al sentarse en ella, los cartuchos producen un suave masaje en la espalda, beneficioso para la salud, algo que está en contradicción con el primitivo uso asignado a los cartuchos.


Pero para objeto casero y hecho por uno mismo, nada como el deFlower vase, lo puede hacer cualquiera en su casa, un vaso de tubo, un condón de colores colocado en la boca y un agujero para la flor. Esta es la propuesta de jarrón que nos ha hecho Alexander y se ha quedado tan ancho.


Mi favorita es la mesa expositora Card Table, que el diseñador creo para el stand de la empresa Elsewares. Tan simple como una caja de cartón de embalar a la que se ha pintado la silueta blanca de una mesa con patas torneadas y añadido un tablero blanco en la parte superior. Útil, simple, barata y decorativa.


Otro objeto que esconde sorpresa es el No-no Knives. Cuatro cuchillos insertados en una base de porcelana blanca, a simple vista de lo más anodino, pero al sacar los cuchillos, quedan al descubierto dos enchufes comunes (ingleses) por cuyos huecos se introducen dichos cuchillos.


Y en estos proyectos "yo me lo guiso, yo me lo como" anda metido nuestro diseñador. Desde luego el chico promete, estaré muy atenta a su evolución. Y además me quedo con la idea de pintar cajas y de poner botellas del leche alrededor de un hula hoops.

Etiquetas: humor, iluminación, materiales, objetos, reciclaje, simplicidad, todos

Sigue llegándome información de interesante propuestas para desarrollar en espacios públicos y no puedo resistirme a contarlas. Espero que a los que me leéis os interesen algo, porque últimamente me estoy repitiendo mucho con el tema. La semana que viene prometo más decoración, a ver si soy capaz de controlarme.


Hoy he sucumbido a los encantos de una artista Australiana llamada Kirsten Bradley. En su blog, The June Box, cuenta que en junio del 2007 impartió, en colaboración con el colectivo Cicada, un taller llamado Microclimates, desarrollado en el marco del Taranaki Arts Festival de Nueva Zelanda.


El taller, en su parte práctica, consistía en la creación de pequeños microclimas, es decir diminutos jardines compuestos de plantas, musgo, semillas, objetos encontrados, led y mucha imaginación.


En dicho taller, no sólo se trataba de desarrollar la imaginación en composiciones verdes, cual entretenido curso de ikebana, también se habló de arte efímero, de relación con los espacios públicos, del diálogo permanente del artista con los habitantes y de las distintas posibilidades de recuperación de dichos espacios.


Como acto final, cada uno de los artistas-jardineros se echó a la calle con su creación y la colocó en el escenario que consideró más apropiado..


Así, como por arte de magia, recónditos lugares de la ciudad, se vieron adornados con estas delicadas miniaturas vegetales, con capacidad para vivir por si mismas durante un tiempo.


La noche de la clausura del taller, todos los interesados, pudieron asistir a un recorrido guiado por la ciudad, visitando los microclimas, que fueron iluminados con led. Espero que luego los quitaran, porque naturaleza y pilas abandonadas no casan nada bien.







Me ha gustado la iniciativa, hablar de arte urbano, utilización de los espacios públicos, intervenciones efímeras, mientras se elaboran estas miniaturas es de lo más original. Además algunos de los pequeños jardines son muy ingeniosos y delicados.


Como también pequeños y muy delicados son los microclimas que he descubierto en 13utterfish, un blog que recomiendo.


En este caso son microclimas acuáticos, es decir acuarios vegetales que José Vicente Ruiz ha creado con un gusto exquisito.


En su ¿blog? AquaVerde, nos muestra sus trabajos, que además de ser de gran belleza están muy bien fotografiados.


Yo no tenía idea de que hubiera acuarios, donde los peces no fueran lo más importante y me he llevado una agradable sorpresa, vamos que los típicos de peces no me gustan nada y estos me encantan.


Los compone de todos los tamaños y para todos los gustos desde los dos litros hasta los 900 y con una gran variedad de plantas de las que nunca oí hablar. En un recipiente de 60 litros ha llegado a criar hasta 26 especies. También viven peces, aunque no parecen lo más importante de la composición.


Es tanto y tan interesante lo que cuenta el autor que no quiero enrollarme demasiado y os invito a que le echéis un vistazo. Las fotos son una gozada, con esos maravillosos verdes y rojizos flotando en el agua clara.


Además, el autor muestra la obra de otros artistas, holandeses, japoneses y brasileños sobre todo, además de comentar los concursos internacionales a los que asiste, algunos trucos de fotografía y curiosidades varias.


Todo un mundo hasta hoy desconocido para mí, y que me parece tan interesante y estético que me dan ganas de ponerme manos a la obra para crearme uno propio. Si no fuera porque tiene pinta de requerir mucha dedicación y conocimientos.


Me quedo con el nombre de Amano un artista japonés que realiza obras de gran belleza y que es uno de los referentes en este tema. Alucinante.

Etiquetas: ecología, evento, exteriorismo, flores, todos

Hoy no voy a escribir mucho, entre otras cosas porque no tengo gran cosa que contar, he visto estas fotos y me han cautivado así que ahí os las dejo.


El autor se llama Simon Husslein y la instalación de luz, Nest One. Naturaleza y tecnología unidos para conformar un fantástico amanecer artificial que se pudo disfrutar el pasado año en Espace Chateau Des, una "comunidad de creatividad" situada en la región de Borgoña Francia.

El otro día un cielo artificial, hoy, un amanecer eléctrico. ¿Que está pasando?.

Lo he visto en Today and tomorrow.

Etiquetas: arte, evento, iluminación, jardín, todos

Simple y llanamente un libro que ilumina el resto de los libros. De eso trata la lámpara Light up your world. Es una inteligente solución para iluminar una librería, se camufla entre ellos y sólo es visible cuando encendemos la luz.

Ha sido diseñado por Studiomeiboom y rinde homenaje a La Ilustración ese periodo de la historia que abarca de mediados el siglo XVII a finales del XVIII, en el que los filósofos tenían la bonita idea de que el hombre es bueno por naturaleza, ¡qué tiempos aquellos!.

Según cuentan los autores, hay muchos libros sobre la Ilustración pero este es el único que proporciona la luz. No es un libro pesado, ni un libro de verdades absolutas, da que pensar pero no dice que se debe hacer...

Además no sólo ilumina a sus dueños sino que también ayuda a otras personas a tener un futuro más brillante. Con la compra de cada lámpara, 89 euros, un 10% de su precio, se destina a proyectos educativos con niños, de la mano de la organización humanitaria Edukans.

Está fabricada en plástico blanco y mide 24 cm de alto, 17 cm de ancho y 8 cm de profundidad, además se suministra con bombilla de ahorro de energía.

Si la lámpara-libro ayuda o no a ver la luz, es algo que no puedo saber. Lo que sí tengo claro es que se trata de un objeto simple decorativo y bonito. Y eso a mí ya me vale.

Lo he visto en Many Things I Like.

Etiquetas: iluminación, objetos, regalos, simplicidad, todos

Un día dije por aquí que estaría eternamente agradecida a las empresas que comprara espacios publicitarios y los llenaran de cosas bonitas, sin marcas, sin logotipos, sin mensajes, simplemente algo para disfrutar, altruistamente.


Pues no os hagáis ilusiones, aún no ha pasado ni creo que pase en mucho tiempo. Pero los artista, que son los que suelen ir más adelantados en proyectos innovadores, ya se han dado cuenta de las posibilidades que brindan los soportes publicitarios como medio de expresión de un arte reivindicativo muy cercano a una juventud desencantada.


Ya hablé del artista Helmut Smith, un holandés que se dedicó a plantar arboles delante de las antiestéticos soportes publicitarios. Esta vez ha debido pensar, si no puedo con el enemigo era mejor que me alíe con él. Así que se ha valido de una gran valla publicitaria para enseñarnos lo que es un cielo verdaderamente azul, sin contaminación, sin nubes, sin aviones... lo que se dice un azul inmaculado.


Y no se trata de un degradado de color hecho por ordenador, ni una pintura, es una auténtica fotografía de un cielo rotado 180 grados, que ha sido situada en medio del OdaPark de Venray, y que pertenece a la exposición Rock My Religion.


Hasta el 27 de enero todos, los que pasen por allí podrán disfrutar de este ejemplar cielo por gentileza de Helmut.

Debe ser divertido sentarse delante de un soporte como este a contemplar el cielo, pero también da cierta grima, ¿y si dentro de poco, esta es la única manera que tenemos de verlo?, no lo quiero ni pensar.


Este artista al que le gusta intervenir los espacios urbanos, es el autor de otra curiosa iniciativa relacionada como el cielo azul. En el 2002 añadió una nube de helio, a los soleados días de verano, hasta que las autoridades se lo prohibieron, por cuestiones relacionadas con el tráfico aéreo.


Curiosa es también la Paddling Pool Fountain, una especie de fuente pública pero con la estética y el colorido de las piscinas hinchables de los niños.

Otra serie, llamada Territories, ha secuestrado al puma de la marca Puma, al cocodrilo de Lacoste y a otros animales de la fauna empresarial y los ha soltado en medio de la naturaleza. Seguro que ahí no sobreviven por mucho tiempo.


Además en su Parking for white cars only, las mejores plazas están reservadas sólo para coches de color blanco.

Tiene más intervenciones interesantes y divertidas, mejor mirar en su página, dónde también podréis conocer sus esculturas y sus divertidos objetos que merecen una referencia especial, que guardo para otro día.


Ojalá el cielo siga siendo azul por mucho tiempo para que no tengamos que disfrutarlo, por gentileza de la publicidad.

Lo he visto en Guerrilla Innovation.

Etiquetas: arte, crítica, ecología, evento, exteriorismo, humor, jardín, publicidad, todos, urbanismo

Ya que han pasado los nervios y el estrés de los regalos navideños, puedo hablar con más relajación y cierto distanciamiento de los difíciles momentos que se pasan cuando tienes que enfrentarte a la lista de regalos de navidad de tu empresa.

Además en mi caso no sólo tengo que plantearme los míos sino que otros también recurren a mí para que les elija los suyos. Esto es gracioso porque en casi todos los casos, salvo honrosas excepciones, nos empiezan pidiendo algo novedoso, original, de diseño, bueno bonito y barato.

Lo que se traduce en que definitivamente se quedan con lo de todos los años, algo para el escritorio, siempre y cuando tenga el color corporativo de la empresa. Qué tristeza.


Vuelvo a los míos. Se supone que una empresa que vende diseño y buenas ideas debe estar a la altura cuando elige los obsequios para sus clientes, porque nos guste o no, hay que hacerlo.

Todos los años me planteo la idea de donar el dinero asignado a una causa benéfica, pero no se muy bien por qué, bueno sí lo se, siempre acabo desistiendo.

Este año hasta tenía pensado cómo iba a hacerlo con ayuda de Intermon. Como hemos publicado en Flylosophy "Intermon Oxfam inició hace 3 años una campaña llamada "Algo más que un regalo", que soluciona el problema de los regalos navideños ofreciendo la posibilidad de comprar, a través de su web, regalos solidarios. El valor va desde 12 a 3.000 euros con los que Intermon comprar material didáctico, gallinas, cabras, cerdos, bicicletas, kits sanitarios, burros, semillas y fertilizantes, vacas o incluso una carreta de tracción animal".


Lo original, es que la persona obsequiada "recibe una tarjeta personalizada de Intermon Oxfam donde se le explica que su regalo ha sido simbólicamente enviado a Brasil, Nicaragua, Mozambique, Guatemala, Etiopía, India, República Dominicana, Burundi o Paraguay, que varían según el regalo escogido y donde Intermón Oxfam lleva a cabo sus proyectos".

Muy apropiado, así el cliente no tendría ninguna sospecha de que se trataba de una escusa para no gastar el dinero.

Bueno, pasado ese momento solidario, otra vez vuelvo a la famosa lista. Primero hay que asignar presupuesto a cada persona, discusiones, revisión de facturación, etc...

Y una vez consensuado... empieza la búsqueda... con mas de un mes de antelación para que no nos pille el toro.


Este año, tengo que confesarlo, he contado con la inestimable ayuda de Designboom.

Primero he tenido que encontrar un pequeño detalle sustituto de la típica felicitación navideña. Tiene que ser barato, pesar poco y caber por la ranura de un buzón, además no puede ser frágil, pues hay que mandarlo por correo y debe poder personalizarse. Además ha de ser muy especial, nada que se pueda comprar en las tiendas, y hacer referencia al comienzo de año, a las fiestas...

La cosa no es nada fácil, hace muchos años que cambiamos el tarjetón navideño por un pequeño objeto que mereciera la pena conservar durante tiempo y todos nuestros clientes y amigos lo esperan. No podemos defraudarles.


Y que ha sido este año... pues las 5 minute candles de Zinoo Park, un paquete de diminutas velas que imita la estética de una caja de cerillas. La cajita contiene 10 velas y cada una de ellas dura más de 5 minutos, comprobado.

Una manera cómoda de celebrar un evento en el preciso momento. Que estamos en una situación romántica, pues se saca una velita. Que hay ganas de fiesta, pues otra. Que estás en le trabajo y algo te sale bien, es el momento de usar otra. Que te dan una buena noticia, etc, etc... así hasta 10 veces.

Por lo que nos han dicho, otro año que hemos salido airosos de ese trance. Gracias al eficiente correo internacional, pues estas maravillas nos han venido de Corea.


Y ahora llega el momento de los regalos personalizados.

Este año, como aparato tecnológico gadget de las navidades, el Wake up Light de Philips. Este despertador simula la salida del sol dentro del dormitorio. Según nos explican, "30 minutos antes de la hora fijada para despertarse, la luz comienza a aumentar gradualmente. La luz llega a los ojos, enviando un mensaje al cerebro para aumentar la producción de cortisol, la hormona que regula la energía. Esto significa que a la hora de despertarse las hormonas que regulan el sueño y la energía están mejor equilibradas, lo cual hará que se sienta más lleno de energía desde el comienzo del día".

Además tiene agradables sonidos para un despertar suave, pájaros por la mañana en el bosque, oleaje de la playa, o la rana y el pato en el estanque. Su luz permite leer y además tiene radio. ¿Es o no un buen regalo?, y si el cliente se despierta de buen humor, todos saldremos ganando.


El siguiente nivel de regalo es el de, producto de diseño que no sea muy caro pero que llame la atención y que valga para hombre o mujer.

En este apartado, nada mejor que la Honey Comb Lamp, increíble lampara de papel diseñada por Kouichi Okamoto del que ya he hablado en este blog, por ser el diseñador del Umbrella Pot.

Fabricada en papel plegado en forma de acordeón, toda fabricada en una pieza, se adapta a cualquier espacio. Se puede colgar del techo boca abajo, estirar para que ocupe casi medio metro y poner en la pared, acoplar a una esquina, apoyar en una mesa...


Una maravilla, sólo hay que ponerle el cableado, el casquillo y la bombilla, que no vienen, es que si no, no cabría en el exquisito embalaje. Traída desde Japón, nos ha dado algún que otro sustillo por los retrasos de la aduana y la mensajería.

Por último, un pequeño detalle muy delicado y que personalmente me encanta, se llama Daisy Vase, ha sido creado por Giffin Termeer y fabricado a mano a partir de un bolígrafo Bic. Una manera preciosa de tener una flor en tu mesa de trabajo. Chulísimo.


No puedo dejar de de referirme a otro objeto que traje de EEUU para un cliente y que finalmente me quedé yo. Se trata de una base para el IPod con forma de piezas de lego. Fabricada en China por una empresa llamada Homade y que pertenece a la Serie BB, tiene un aspecto muy divertido. No he encontrado información en la web al respecto, pero seguiré investigando.

Por supuesto también ha habido cajas de vino, porque hay algunos casos en los que es mejor no arriesgar.

Y esto ha sido todo por este año, el próximo vuelta a empezar.

¡Qué duro es esto de elegir regalos!. Eso deben pensar también nuestros proveedores, este año no he recibido nada de nada.

Etiquetas: objetos, regalos, todos

He pasado los últimos días de las navidades en Lisboa, se lo pedí a los reyes como colofón a un año bastante atareado.

De la maravillosa ciudad no voy a hablar, porque si empiezo no paro. Sólo diré que tiene una oferta en decoración, diseño, arte, arquitectura, interiorismo, artesanía, que casi nos deja en pañales.

Un paraíso creativo, pero yo no tenía mucho presupuesto para gastar en él, así que entre todas las ofertas que se me mostraban tentadoras en los escaparates, me decidí por un pequeño e insignificante objeto, de esos que son innecesarios pero que cuando los ves no puedes resistirte a comprarlo.


Dicho objeto se llama Lace, ha sido creado por la empresa Feelgood Home y sirve para reutilizar botellas, cambiándoles el uso.

Sí, porque es una especie de capucha de goma, cuya apariencia imita a un bordado y que se coloca en el cuello de la botella elegida, con lo que cambia radicalmente su aspecto.

Como por arte de magia, la más básica de las vasijas se convierte en un divertido y decorativo jarrón, moderno pero con cierto aire tradicional.

A mí me ha encantado, aunque si lo ve mi madre pensará que es un trasto más en la casa. Espero que se tranquilice cuando le diga que me ha costado 15 euritos de nada.

Y eso es lo que me he traído de recuerdo, bueno también unas maravillosas natas.

Etiquetas: humor, menaje, objetos, reciclaje, todos

He pasado duros días buscando hasta debajo de las piedras, esa localización maravillosa, impactante, que no haya utilizado nadie, en la que se pueda meter un objeto de gran volumen, que esté cerca del centro de Madrid, que no sea un hotel, ni un restaurante, ni una discoteca, con fácilidad para aparcar, ¡ah! y muy importante... que no sea caro, con la que sorprender a mi cliente.



Con todas esas premisas, la labor, tengo que decirlo, ha sido infructuosa. He encontrado sitios aparentemente chulos, pero claro, en ningún caso van a pasar los estándares de calidad exigidos, además, muy importante, no puedo garantizar, que el propietario esté dispuesto a alquilarlo para un evento.


Así, un poco cansada y sobre todo desencantada, con la inexistente oferta de espacios alternativos para eventos, mínimamente profesionales, mínimamente equipados, mínimamente novedosos, con los que cuenta Madrid, me he puesto a buscar... edificios singulares abandonados...


Intuía que sería el único modo de encontrar algo verdaderamente impactante, no tanto para mi cliente, al que en ningún caso se lo voy a ofrecer, como para el archivo personal de sitios que me gustaría visitar y fotografiar.


Y desde luego, lo encontrado no me ha defraudado en absoluto, os dejo una selección de lo que más me han gustado por las inmediaciones de Madrid y algunas otras cosillas repartidas por España.


Tampoco he tenido que indagar mucho, estupendos blog como Abandonalia, Fogonazos, Club CELA, En memoria del olvido, Los lugares del olvido, Hacia lo desconocido, Y me quedé esperando al tren, Abandozona, Urbanity o Lugares abandonados, me lo han dado todo hecho, sólo he tenido que mirar y alucinar.


Y ya no he querido profundizar en las maravillas abandonadas del resto del mundo, pero si a alguien le interesa, puede empezar por Abandoned Places, Infiltration, Lab Wan, Urban Travel... se os caerá la baba.


Estos edificios, no están tan abandonados como parecería o como le gustaría a sus propietarios pues son muy populares entre artistas callejeros, okupas, asistentes a raves e interesados en fenómenos paranormales.


Además en casi todos los enclaves aún se pueden apreciar retazos de la vida que se vivió en ellos, en algunos, incluso da la sensación, de que fueron desalojados precipitadamente, siendo obligados sus ocupantes a dejar allí todo lo superfluo. Es escalofriante


Maravilla ver la Carcel de Carabanchel. De las impresionantes fotos publicadas en Abandonaria, me quedo con la de la galería de presos, donde multitud de objetos parecen flotar atrapadas en una red. En Contraindicaciones se aprecia muy bien la aportación artística que han hecho los graffiteros a los muros del penal. Es una pena que se prevea el desmantelamiento de esta maravillosa construcción, que será sustituida en breve, entre otras instalaciones, por bloques de pisos.


La Nave Torroja de Villaverde, impresionante edificio abandonado hasta ahora, pero que en breve se convertirá en un centro de nuevas tecnologías, según nos cuentan en Urbanity. Espero que conserve algo de su antigua apariencia.


Algunos sanatorios para tuberculosos que hicieron famosa La Sierra de Madrid, ahora se encuentran abandonados, ejemplos tenemos en las grandiosas construcciones del Sanatorio de la Tablada y el de La Barranca que se pueden ver en Y me quedé esperando el tren y Los Lugares Olvidados.


La Estación Fantasma de Chamberí, que alguna vez he creído intuir en la línea azul del metro de Madrid, fue abandonada inmediatamente después de su construcción, por su proximidad a otras dos estaciones. Un día, inesperadamente la cerraron y todo quedó intacto y aún perduran rastros de su actividad. Para evitar el vandalismo se prevé convertirla en un museo. En el blog de Milton se puede leer la historia y ver alguna foto.


También, monasterios tan bellos como el de Bonaval en Guadalajara, pueden ser abandonados a su suerte, en esta caso la vegetación se ha encargado de proteger y embellecer aun más este monasterio cisterciense. Se puede ver un completo reportaje fotográfico en Los Lugares Olvidados.


En el romántico Parque del Capricho, se conservan los resto de un bunker, que según he leído en Abandonalia, "fue el centro de mando desde el que el ejército republicano organizó los últimos combates que culminarían con la toma de Madrid por parte del bando nacional."


Magnífico ejemplo de construcción abandonada es la Cementera de Espinosa de Henares, en Guadalajara, que se pude visitar, fotográficamente hablando, en Los Lugares Olvidados. Impresiona por su elegancia y grandiosidad.


Ya que nos han reconstruido estupendamente el Antiguo Matadero de Madrid ahora nos tendremos que conformar con el abandonado de Villaviciosa de Odón que nos muestra Abandonalia, cuenta además que es un sitio muy cotizado para fiestas rave, aunque en los últimos tiempos se han trasladado al Caserío de la Aldehuela.


De la misma fuente también me ha llamado la atención una granja lechera abandonada en las Rozas, y la Presa Vieja de Aulencia.


En el resto de España hay muchísimos más ejemplo impresionantes de edificios abandonados pero si me tengo que quedar con lo más reseñable, desde luego La Estación Internacional de Canfranc se llevaría el premio. Por suerte o desgracia, ya está en fase de rehabilitación, será reconvertido en un lujoso hotel.


Otros abandonos destacables, serían por ejemplo la Central Nuclear de Valdecaballeros, el Monasterio de Guisando, las estaciones de tren abandonadas en los trayectos Santander-Mediterraneo y Valladoliz-Ariza, la Cantera Polar, el Sanatorio Antituberculoso General Varela, una fabrica de pinturas en Bilbao, o el Balneario de Mondon y muchos más que podréis encontrar en los blog que ya he mencionado y seguro que en alguno más.


Y así, entre sanatorios, estaciones de tren, naves industriales, estaciones de metro fantasma, monasterios y demás lugares abandonados por los más diversos motivos, se me ha ido pasado el mal humor y la frustración.


Para que luego ande yo diciendo, que no quedan sitios interesantes por descubrir...



Actualización 15.01.80.

A través de Guidolls, he conocido un vídeo del colectivo artístico "El Perro". Fue grabado en el 2005 y en él, ruedan con su monopatín por una interminable Cárcel de Carabanchel. El documento es de una rara belleza. Merece la pena verlo y oírlo, aunque no os guste el skate.

El vídeo es propiedad de la Galería Salvador Díaz de Madrid.

Gracias Guidolls.

Etiquetas: antigüedades, arte, exteriorismo, todos, urbanismo

Hace tiempo que tengo guardada en mi archivo de cosas interesantes la obra de Brad Downey, un joven artista, bastante conocido, que trabaja con material urbano, transformándolo a su antojo para crear con él esculturas que son pura poesía urbana.


Y no sabía cómo hablar de él, por un sentimiento contradictorio hacia su obra. Por un lado me encanta su trabajo, por otro me da bastante reparo que se deterioren irreversiblemente las señales de tráfico y material urbano en general. Reponer esas señales le cuesta dinero a la ciudad y además puede generar confusión.


Aunque muchos lo condenan, entre ellos las autoridades, por lo que podría considerarse actos vandálicos, ya hay muchos de esos gurús, que nos dicen a quién tenemos que considerar verdaderos artistas, que han puesto sus ojos infalibles en él.


En 2005 fue considerado por ArtReview un artista a tener en cuenta. Se ha hablado de su trabajo en The New York Times, Creative Review, Atlanta Journal Constitution y BBC y ha expuesto en Manchester, Berlin, Miami, Londres y USA según nos cuentan en Wikipedia.


Lo que pretende con su obra, es variar intencionadamente los movimientos que las señales de tráfico nos obligan a realizar en el curso de nuestro recorrido por la ciudad. Para ello manipula las señales, les dota de vida asignándoles atributos humanos y alimenta mediante ellas la interactividad, pero a veces lo hace de un modo tan sutil que consigue que no te des cuenta de sus manipulaciones.


Sus instalaciones son ilegales y actúa siempre vestido con uniforme de un trabajador publico lo que hace que pase desapercibido, que sea prácticamente invisible cuando lleva a caso sus intervenciones, nadie se suele fijar en unos operarios instalando mobiliario urbano . En algunos casos ha colaborado con otro artista de la calle, Leon Reid conocido como Darius Jones.


Además de street art, de exponer y de dar conferencias, ha realizado alguna obra cinematográfica. En su documental Public Discourse habla sobre el arte de la calle y la manera en que los artistas de su entorno realizan el trabajo.


Después de conocer algo más sobre Brad, aún soy menos capaz de desaprobar totalmente su trabajo.


Lo he visto en Web Urbanist y Wooster Collective.

Etiquetas: arte, exteriorismo, street art, todos, urbanismo

Por fin todas estas fiestas han terminado y necesito urgentemente una buena ración de rutina, verduras, concentración en el trabajo y extrema tranquilidad. Así que para desengrasar hoy os propongo una obra ligera, simple y que invita al relax.


Y claro, con todas esas características es fácil deducir que se trata del trabajo de un japonés, en este caso Jacob Hashimoto, nacido en Estados Unidos pero cuya obra, conserva intacta su herencia cultural.


Con papel japonés, bambú, hilo de nailon, pinturas y poco más, este artista crea cascadas de elementos que parecen flotar y moverse rítmicamente como si miles de pequeñas cometas flotaran en el viento.


Parte de sus piezas parecen nubes, lluvia y nieve, otras interpretan elementos de la naturaleza como árboles, plantas y todas ellas hacen pensar en aire, luz y espacios abiertos.


Su obra está hecha a mano, como se puede ver en el vídeo, con mucho cuidado, mediante un laborioso proceso, como si de un ritual se tratara y además utilizando materias naturales. Y todo esto se deja ver en el resultado final.


Personalmente me gustan las piezas que no tienen color, son increíblemente etéreas y sutiles, de gran simplicidad, aunque las más coloristas tampoco están nada mal.


Espero que estas obras os serenen, a mí me ha funcionado.


Lo he descubierto en Dear Ada y completado la información en Designboom.

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Cada vez oímos hablar más de esas oficinas maravillosas que construyen algunas empresas "guays" a las que el dinero les sobra y que tratan de facilitar el trabajo a todos los que habitan en ella.


Son casi auténticas ciudades, habitadas por miles de trabajadores que pasan la mayor parte de su tiempo allí, más que con su familia o en sus propias casas.


Esas oficinas-ciudades tienen de todo, restaurantes temáticos, zonas comerciales, gimnasios, centros de peluquería y estética, guarderías, áreas de esparcimiento, no suele falta un lago con barcas y grandes zonas verdes, y se me olvidada, una masajista a disposición.


Yo me pregunto si... eso es porque de verdad aprecian al trabajador en lo que vale... o porque lo quieren tener en una jaula de diseño, de la que no quiera escapar, que pase la mayor parte de su tiempo allí, hablando de trabajo, conviviendo con otros compañeros y gastando su tiempo libre en el mismo espacio, cuando no su dinero.


Pero bueno, yo sólo he venido aquí a hablar de las oficinas centrales que Google tiene en California. Este megacentro de trabajo tiene el nombre de Googleplex y según nos cuentan en Wikipedia allí se trata muy bien a los empleados. "Brinda una infraestructura enorme para que disfruten de un espacio muy amplio, patios enormes, permite el acceso de perros a las oficinas y el estacionamiento de bicicletas en los pasillos, posee futbolines, mesas de ping-pong, mesas de billar y pistas de vóley y, como servicios adicionales, guardería, lavandería, sala de masajes y un gran restaurante con varios cheffs y menús variados, todo completamente gratuito".


Es divertido leer lo que cuenta Ojobuscador de su visita a las instalaciones. A él le convenció esa filosofía de trabajo. Yo me quedo además con algo que dice "Necesidades básicas cubiertas al 100% y de forma inmejorable, solo marchas para ir a dormir. ¡Seguro que más de uno echa en falta habitaciones!".


Pero a lo que vamos, el diseño interior de estas instalaciones ha sido encargado al estudio Clive Wilkinson Architects, los cuales han acondicionado el espacio, conservando la apariencia de una nave diáfana de gran altura que ha sido compartimentadas parcialmente en su interior para crear las áreas de trabajo y esparcimiento.


En general la estética es muy industrial, muy high tech, los techo sin revestir, todos los conductos a la vista, escaleras y áreas de trabajo similares a casetas de construcción. Además cuenta con grandes ventanales por los que entra a raudales la luz y ofrece vistas a cuidados jardines.


Cada planta del edificio se divide en cinco o seis zonas separadas pero que comparten espacios públicos. Hay cocinas llenas de bocadillos, salones con mesas de billar y confortables asientos, y bibliotecas con montones de libros apilados. En el centro del atrio, con vistas a la escalera, están las más grandes y lujosas salas de reuniones, otras más pequeñas y acolchada están por todas partes y son fácilmente desmontables y transportables.


Los muebles de las zonas comunes parece que están dejados provisionalmente en cualquier sitio, las salas de reunión pueden ser tomadas al asalto por todo el que lo necesite así como las zonas de descanso. Incluso bicicletas y los perros tiene derecho a estar donde quieran.


Materiales típicos de la oficina clásica, conviven sin complejo con suelos de césped artificial, plásticos acolchados, y maderas nobles. Colores vivos se mezclan con el metal, la madera y el blanco.



Y si algo de verdad hay en esto que cuentan, la cosa ya no me parece tan interesante. La conciliación del trabajo con la vida familiar cobraría otra dimensión y se traduciría en que los niños pueden estar más tiempo con los padres en la medida que se incorporen también al entorno laboral.


Pero ¿no se estaba tendiendo al teletrabajo?... Es muy deseable que el marco donde se trabaja sea agradable, con buena luz, cómodo, con zonas para relajarse, amplio... pero esto no puede sustituir en ningún caso al propio hogar, ni quitar tiempo de ocio porque una cosa es el trabajo y otra la vida personal, y hay que tener tiempo para ambas.


Las primeras fotos son de los arquitectos, más cuidadas y estéticas; las ultimas, de la revista Time, en ellas ya no se aprecia tanto el diseño y la estética sino el ritmo trepidante de trabajo y cierto desorden que personalmente me molesta.

Lo he visto en la revista Time.

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Ahora que los niños son los protagonistas de lo que queda de las fiestas, es hora de ocuparse de ellos, pero de verdad.


Y eso es lo que ha hecho el estudio Carve, ocuparse de los niños y de los adolescentes diseñando para ellos parques y zonas de recreos atractivos para que a la vez que juegan evolucionen correctamente en su aprendizaje.


Porque los patios de recreo de los colegios, jardines y parques son las zonas preferidas de los niños, en ellas se pasan gran parte de su tiempo, allí aprenden a relacionarse con los demás, a tomar decisiones propias, y respetar los turnos y jerarquías.


Además los mantiene en forma porque están diseñados para que los pequeños usuarios puedan correr, saltar, patinar, subir, colgarse, patinar, deslizarse, ocultarse...


Esta multidisciplinaria empresa de ingeniería y diseño de los Países Bajos, que se centra en el diseño de espacios públicos (exterior) tiene la teoría de que los niños deben ser capaces de jugar de manera segura y en movimiento. Además si encajan bien en el entorno estos espacios pueden promover la cohesión social en un barrio.


Parques infantiles, patios de colegio, plazas públicas, zonas para skate, no sólo piensan en su estructura y estética, también en lo que contienen, columpios, plataformas, rampas, suelos técnicos, vallas, incluso el mobiliario.



Una de sus creaciones Wall-Holla ha recibido especial notoriedad, ya que fue nominada en 2006 para los Premios de Diseño de los Países Bajos en 2006.


Entre dos paredes de malla de acero se han colocado una serie de toboganes, y pasarelas onduladas de caucho que ocupa muy poco espacio y ofrece muchas posibilidades para divertirse.


Mientras treinta niños trepar, se arrastran, ruedan y maniobrar entre estas vallas, los de mayor edad pueden escalar por ella o simplemente relajarse y controlar a los pequeños.


La variedad de sus trabajos es increíble, mucho pequeños paraísos para niños, jóvenes y también para mayores. Porque seguro que a más de uno le pasa como a mí, que le encantaría deslizarse, trepar mojarse y patinar en ellos aunque fuera cuando nadie les ve.


Mirad y elegid vuestro favorito, yo ya tengo el mío.


Y lo he conocido a través de The Cool Hunter.

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