Hay un antiguo proyecto de arte urbano que me ha gustado y me apetecía contar. New York Beautification Project, que así se llamó, fue la obra de la pintora Ellen Harvey y se desarrolló de 1999 a 2001 en las calles de esta ciudad.


Esta pintora, de formación clásica y con perfecto dominio de la técnica miniaturista, dejó pequeñas pinturas de estilo anticuado, en sitios tradicionalmente utilizados por graffiteros.


Sus pinturillas al óleo, de formato ovalado, representaban paisajes, mas propios del Romanticismo de finales del XVIII y principios del XIX y fueron pintados ilegalmente por la artista, a plena luz del día, en los más extraños lugares de la ciudad. Cabinas de teléfono, , vigas, contenedores, mobiliario urbano, muros llenos de dibujos de graffiteros... fueron los improvisados lienzos, que utilizó para plasmar su arte.

Por su pequeño tamaño, 5 x 7 pulgadas, eran muy difíciles de localizar en el entorno urbano, por lo que la artista documentó todas las ubicaciones, en un completo mapa.


Lo que pretendió Ellen con esta obra, fue plantear interrogantes sobre por qué el arte público es permitido e incluso bien visto y el graffiti resulta agresivo para casi todos.


Utilizó los códigos y reglas del arte urbano pero para crear obras de estética tradicional que todos asocian al arte de los museos. Además de esto, también quería comprobar cómo reacciona la gente ante un trabajo ilegal, pero hecho a plena luz del día.


Quedó muy sorprendida cuando vio cómo todos la animaba en su trabajo, cómo querían contratarla para que pintara a sus hijos y de qué manera se contrariaban porque sus obras desaparecerían en un futuro próximo.


Habían decidido, definitivamente, que lo que ella hacía era arte, simplemente por la familiaridad que todos tienen con este tipo de pinturas al oleo. Todo lo contrario a lo que pasa con la obra de los graffiteros, en la mayoría de los casos, hermética e indescifrable para ellos.


Todas las experiencias durante este trabajo las ha recogido en un libro llamado New York Beautification Project, en él cuenta, con sentido del humor, no solo los propósitos de su trabajo, sino también las reacciones de la gente cuando la veían pintar en la calle.


Yo, independientemente de todas esas explicaciones que da la autora y que como casi siempre me sobran, me quedo con la generosidad y el buen hacer de una artista que dejó trabajos minuciosos y laboriosos, para que los disfrutasen, los pocos afortunados que repararon en ellos.


Otra cosa, si viera su obra en una galería de arte, no le prestaría ninguna atención.

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Os dejo unas fotos de las esculturas que Michael Johansson ha construido a partir de material que ha encontrado en mercadillos y que ha descompuesto, vuelto a componer a organizar o a compactar, para darle una nueva forma y significado.


No hay mucho más que decir porque las fotos lo explican por si sólo.


Lo he visto en Vvork.

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Ya sabéis que me encantan esos sitios recónditos donde uno se puede esconder. Sobre todo adoro los que son muy íntimos, pequeños, algo oscuros por supuesto imperfectos y siempre efímeros. Debe ser por mi naturaleza tímida.


Estos peculiares refugios, son difíciles de encontrar, no os creáis, porque no son especialmente bonitos ni lujosos, no son populares no tiene una calidad estética considerable, por supuesto no reciben premios nacionales de arquitectura y por consiguiente no salen en las revistas especializadas.


En realidad sólo actúan como mínimos paraísos artificiales, ideales para evadirse, siempre que no se tenga claustrofobia.


No es que quiera pasar mucho tiempo en ellos, también me gusta estar al aires libre o al aire contaminado libre, pero creo que no soy la única a la que a veces le encantaría introducirse en ellos y permanecer escondido sin que nadie le moleste.

Hace tiempo encontré uno, aparentemente confortable y que debe resultar muy calentito. Como hoy está lloviendo y hace frío, me ha apetecido hablar de él.


Lo han diseñado los japoneses Takahiko Azami, Keisuke Inoue, Yonemitsumiki, y Hiroaki Watanabe para la Tokio Designer´s Week 2007 y se llama hoe, hoe, hoe!. Ha sido fabricado con papel reciclado y llenado de millones de finas tiras de papel.



Esta construcción, según los autores, podría recordar la vida en las cavernas, incluso al vientre materno. Yo añado, que también puestos a imaginar, podríamos pensar que estamos dentro de una gigantesca máquina destructora de documentos secretos, eso también resulta interesante.

Desde luego los niños del vídeo parecen pasárselo muy muy bien.


No sólo es deseable para pasar un ratito con uno mismo, también me parece un perfecto chill out donde celebrar una fiesta, en la que, como cuando éramos pequeños y jugábamos a la guerra de almohadas, nos pudiéramos lanzar puñados de tiras de papel, con informaciones confidenciales, al compás de la música y liberar así el estrés acumulado.

Si alguien necesita voluntarios para probar espacios como éste, que no dude en contar conmigo.

Sinceramente, no recuerdo de dónde lo saqué.

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Hoy sólo tengo imágenes de una intervención urbana Trees realizada y fotografiada por el artistas londinense Daniel Eatock.


Daniel ha utilizado, en sus fotos, arboles destruidos o a punto de estarlo, que ha resituado en el espacio, cambiando para eso la orientación de la imagen.


Lo que quiero decir, es que en ellas, es el árbol el que siempre aparece erguido y el paisaje en el que se inscribe, el que está obligado a cambiar de posición para adaptarse a esta nueva circunstancia.


Lo he visto en Pytr75 de donde he cogido las fotos.

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El diseñador Kimihiko Okada ha creado una pieza temporal, de colosales dimensiones, para la Diesel Denim Gallery de Tokio, que debe ser una galería de arte dentro de una tienda Diesel. Otro caso de marca a la que le gusta que le asocie a jóvenes talentos y a patrocinios artísticos.


Y desde luego, Another Geography, que así se llama la obra, impresiona. Una inmensa mole de aluminio, suspendida del techo de la ultima planta y que parece comprimir el edificio y desbordarse en su interior.


Aunque la pieza tiene el aspecto de ser muy muy pesada, en realidad está fabricada con aluminio un poco más grueso que el que se usa en las casas para envolver los alimento y pesa no más de 20 kg.


Es una obra muy teatral y esta apariencia, se la proporciona la iluminación que se proyecta sobre su superficie y que le da una dimensión más misteriosa.


He leído las explicaciones que el autor da sobre su trabajo y como casi siempre me pasa, no me han interesado gran cosa, habla de que se ha inspirado en la imagen de la marca y que quiere conseguir sorpresa... para dejar paso a buenas vibraciones... bla bla bla, bla bla bla... lo de siempre.

La fachada de edificio, completamente acristalada permite que desde la calle se pueda ver la pieza y me parece, que desde allí, la sensación que produce esta pieza, es más inquietante que cuando estás cerca.


Previamente, el arquitecto Ayako Murata había intervenido esta tienda-galería con luces y cables de obra, que dibujan arcos y columnas que de alguna manera se asocia a formas de la arquitectura clásica.


Lo he visto en Dezeen y las fotos se las he cogido prestadas.

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Me ha cautivado la obra Architecture+Paper+Drawing de la artista Karen Brumund, y lo siento, pero no se por qué.


Se trata de, intervenciones en fachadas bueno en dos fachadas para ser exactos, y no se caracterizan precisamente, por su delicadeza, ni por su armonía, ni por su simbolismo, ni por su poesía, ni por nada parecido.


Es más bien un caos de papeles fotocopiados y parcialmente pegados, en anodinos edificios, creo entender, intentando componer un dibujo, que tampoco acabo de captar, pero que me atrae a pesar del desorden.


Podría fantasear pensando que los papeles se despegarán y saldrán volando a sitios lejanos, dejando la evolución de su obra al azar de la climatología, qué poético sería, pero tampoco estoy tan segura de que me agrade que todo se llene de hojas impresas.


Total, que no sé por qué me gusta, pero me gusta. Si a alguien más le ocurre, a ver si me puede decir cual es su razón.


Mañana espero andar algo más fina.

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Algunas de las lamparas que me gustan, han sido creadas por un diseñador japonés llamado Kazuhiro Yamanaka.


Sobre todo, sus instalaciones de luz me parecen de gran sensibilidad y delicadeza sin perder por eso el gran impacto visual.


Nubes, simples bombillas, un trozo de plástico que gira, globos, neones con forma de bombillas, cilindros que se iluminan... son buenos ejemplos de la filosofía del autor: trabajar para crear un máximo impacto, con el mínimo uso de los materiales.



Además de sus lámparas e instalaciones me ha llamado la atención un proyecto Spray of light, un spray que al ser pulverizado en el aire, crea una nube de luz, capaz de alumbrar con varias intensidades, dependiendo de lo que se necesite en el momento.


Dudo mucho que esto sea realizable y que si se llevara a la práctica no hiciera un agujero en la capa de ozono de tamaño gigante, pero en el papel es bonito.


Tampoco hay mucho más que contar así que mejor os dejo las fotos que he sacado de la web del creador. Lo siento pero no se dónde lo vi por primera vez.

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Al final se me fastidiaron la vacaciones de Semana Santa así que me quedo en Madrid, pero viajando virtualmente a sitios lejanos.

Hoy me he trasladado a New York, exactamente al puente de Manhattan, donde también ha llegado la primavera y eso que allí no están bajo la influencia de El Corte Inglés.


Ha sido un artista urbano el que lo ha conseguido, no se quién es, pero desde luego tiene mucho sentido del humor porque ha llenado la calzada de flores de colores, de un estilo tan cursi que me recuerda a las que hacían las señoras que iban a las academias de dibujo en las que yo estudiaba.


Es como si hubieran sacudido uno de estos lienzos kirsch y hubieran desperdigado sus flores para diversión de los transeúntes y los ciclistas que transitan por el puente.


Lo de las flores en Manhattan no es nuevo, el artista, Michael De Feo lleva más de 10 años adornándola con sus dibujos de flores, y aunque personalmente no es que me encanten, me hace gracia que todo un artista urbano haya elegido este icono simple y algo ñoño para repetir hasta la saciedad.


Pero para compensar tanto floripondio, en este mismo puente de Manhattan, en la parte de Brooklyn, Frank H. Jump nos enseña una valla publicitaria ocupada por una imagen que repite secuencias de esqueletos.


Un poco macabro mi viaje de hoy, entro pisando flores y terminan despidiéndome muertos, vamos como una procesión de Semana Santa. Me tenía que haber marchado a Almería...

Mil gracias Javier por el link de Razor Apple. Las fotos las he sacado además de Flickr.

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Prostheses es una serie de lámparas escultura, creada por el artista israelí Tomer Sapir.


Tienen de particular, que están hechas con simples hojas secas de otoño recolectadas por el autor, que se iluminan con diminutos leds y que se han insertado en una ligera estructura de acero oxidado, hormigón y lana de acero que hace las funciones de un ligerísimo árbol.


La luz, cuando se proyecta sobre dichas hojas parece devolverlas a la vida, aunque no se puede evitar pensar, que de una manera algo artificial, dando la sensación de que estuvieran conectadas a una maquina de reanimación y que cuando desaparece la luz, las hojas vuelven a su estado original, seco y apagado.


Son poéticas y algo tristes, casi como el mismo otoño.


Las he conocido por I New Idea Homepage.

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El artista americano, Cayetano Ferrer es un mago urbano y bueno, de esos que tiene poder para hace menos evidente cosas que molestan y distorsionan el paisaje y la vida de la ciudad.



No es que use su magia con grandes y trascendentes cosas, que va, él emplea sus habilidades en pequeños detalles, como sin importancia y es por eso que me gusta.


Uno de sus juegos favoritos es hacer que se desvanezcan ante los ojos, las señales de prohibido aparcar de la ciudad de Chicago.


La técnica es muy simple, aunque eso es lo de menos, consiste en fotografiar la señal y lo que hay detrás. Después, junta las fotos, conservando parte de cada una. Como la resolución técnica es muy buena, el efecto que consigue es que si miramos la señal desde un punto concreto, esta se desvanece hasta casi desaparecer.


Esta serie, llamada City of Chicago, la ha desarrollado del 2004 al 2006, siempre eligiendo el mismo tipo de señal e idéntica técnica.


En el 2007, creó la obra Daejeon City Project, en la que logró mimetizar con el paisaje una valla publicitaria de grandes dimensiones y otra más pequeña, ambas en esta ciudad de Corea.


En su proyecto Eight Corners objetos semitransparentes o de espejo, se encuadran en un entorno urbano en construcción. El autor cuenta que utiliza esta técnica para entablar un diálogo sobre el flujo constante de la construcción en el entorno contemporáneo, lo que se ve y lo que no se ve, lo que está construido y lo que no, lo que es real y lo que no.


No se, con seguridad, cual es el propósito final del arte urbano de este artista, realmente no me importa mucho. Yo quiero pensar, que al dejar esos delicados detalles, a la vista de todos, está haciéndonos un regalo que sólo podrán disfrutar aquellos, que reparen en su existencia. Y es que para percibirlos hay que andar de una forma especial por la ciudad.


Yo tengo que decir que cuando estuve en Chicago el invierno pasado no los vi, pero es que estaba demasiado ocupada intentando protegerme del frío, 15 grados bajo cero no dan para mucha sutileza que se diga, así que me he tenido que enterar por Boingboing.

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Si pudiéramos pasear ahora por el centro de Londres, concretamente por Euston Road, al lado de St Pancras, nos toparíamos con la instalación que el diseñador Paul Cocksedge ha creado para la fundación de investigación médica The Wellcome Trust.


Aprovechando que por la fachada de su sede pasan unos 1,8 millones de transeuntes al año, ha querido realizar una instalación espectacular, que llame la atención y que además sea capaz de involucrar al público con el trabajo de esta institución medica sin ánimo de lucro.


Este talentoso y original diseñador de iluminación, ha concebido una obra, en la que se visualizan dos enormes brazos extendidos de unos 11 metros de largo, uno en cada escaparate del edificio. Dichos brazos, han sido impresos sobre un material, que permite que la luz pase a través de ella y que con el accionamiento de un interruptor se detiene.

Con esto se consigue que la imagen se desvanezca, para revelar lo que hay debajo de la piel, arterias y venas que han sido remarcadas en la imagen, por medio de neones rojos y azules, como si de una gigante radiografía en color se tratara.


Así, cuando los transeúntes pasan, se acciona dicho interruptor, desaparece poco a poco la piel y las venas y arterias quedan a la vista, con lo que de una manera altamente visual se consigue incidir en la labor de la fundación, a la vez que concienciar a los transeúnte, sobre su propio cuerpo.

Además, una de las manos, está apuntando a la construcción del edificio contiguo, que alberga la colección Wellcome, en la cual se explora la relación entre la medicina, la vida, el arte y la historia.


Una sorprendente manera de mostrar, a los que no lo saben, lo que se realiza en el interior del edificio y que además tomen conciencia, de su propia condición humana.

Lo he visto en Iconeye.

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Y si no que se lo pregunten a Severine Hubard que ha dedicado uno de sus trabajos a este tema.

La artistas ha filmado una pieza llamada Un jour, un vídeo en la que se ve cómo una casa blanca, con tejado rojo, sale andando por sus propios pies para escapar de su entorno.


El proyecto inscrito dentro de la muestra Territoires Particuliers organizado por la Fonds Régional d'Art Contemporain de Bourgogne fue presentado en el Institut Français de Bucarest en marzo del 2007.

El vídeo que dura 6 minutos muestras como una casa unifamiliar, de esas típicas que se pueden encontrar el cualquier barrio residencial de la periferia de una gran ciudad, se levanta y se pone a andar, buscando un sitio para instalarse, más de su agrado.


La casa está originalmente ubicada en una urbanización de "idílica" casas blancas, pero al paso de la casa andarina se intuye que hay poca vida en ella, nadie por las calles, no hay ni tiendas ni bares, lo que no le debe gustar a la casita protagonista, que decide escaparse de este bucólico paisaje para encontrar nuevos horizontes, quizá, algo más urbanos.


Si tenéis tiempo podéis echar un vistazo al vídeo, es divertido.


Mirando otras acciones de la artistas me parece especialmente interesantes por ejemplo la serie de fotografías llamada Declamatoires, en la cual fotografió estructuras en los tejados, especie de atalayas urbanas, que a ella le inspiran para recitar poesía.


También es reseñable su participación en Scénographie urbaine evento que tuvo lugar en Kinshasa en el 2007. Allí montó su proyecto Parcours de Lingwala, en una gran casa destruida, construyó un camino con tablones, que permitía ir de habitación en habitación evitando el agua que se acumulaba en el suelo.


Al mismo tiempo instaló un mini-golf en el patio. Esta actividad se convirtió en un espacio de actividades para los niños de la zona.




Como complemento a esta acción pintó y acondicionó el tejado de un edificio desocupado para que que la gente se subiera a contemplar las actividades de la ciudad desde otro punto de vista.



En Des charpenter dens les arbres construyó estructuras de casas en la copa de los árboles, pero sólo a base de perfiles, sin paredes, techos, ni nada que las hiciera habitables.


A todas estas intervenciones y proyectos hay que añadir workshops como el Tranche de Quai #6 y multitud de exposiciones: BankeRat, Ohne brücke keine perspektive, My own potlach japan, Coupée coincée, Le labyrinthe d'Auberive, Pavillons, Llegar para marcharse... son algunos de los ejemplos


En ellas, utilizando maderas de todo tipo, material de construcción, objetos de decoración, cartones y objetos reciclados, va construyendo sus particulares universos que imitan a otros habitables, pero donde cada pieza adquiere un uso y posición distinta a la que le correspondería en la vida realidad, como si fueran laberínticas maquetas de construcción, pero donde nada está en su sitio, ni sirve para lo que fue creado.


La he conocido a través de Vvork.

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Delicadas piezas son las que crea la diseñadora holandesa Gesine Hackenberg. Me han gustado a simple vista y cuando he leído sobre ellas no me han defraudado.


Según cuenta la autora, hay objetos que por el uso que le damos, se convierten en indispensables, con algunos de ellos unos nos desenvolvemos en nuestras rutinas diarias, otros tienen un valor sentimental porque se relacionan con el pasado, porque otras personas los utilizaron antes o simplemente porque estéticamente nos fascinan.


Ella trabaja sobre ese tipo de objetos, sobre todo con los adornos corporales. Yo estoy de acuerdo con ella en que la joyería, o simplemente la bisutería, es algo muy privado, que al ser usado diario y estar tan pegado al cuerpo se relaciona íntimamente con nuestros sentimientos y costumbres y dice mucho del portador aún sin pretenderlo. No se si lo he dicho alguna vez pero me encantan los broches.


Cuando habla de los objetos no sólo se refiere a joyería sino a pequeño detalles de uso cotidiano como las cucharas por las que tiene una clara debilidad.


Y ahí estamos otra vez, con el tema de la reutilización, estupendamente llevada a cabo por la artistas. Esta vez, piezas antiguas sin mucha utilidad en el presente, adquieren una apariencia de lo más contemporánea sin perder su encanto y su aspecto nostálgico.


Las piezas que más me interesan son las que ha construido extrayendo pedazos de cerámica de recipientes antigua. Trocitos cuidadosamente seleccionados con los que elabora bonitos colares (un poco grandes para mi gusto) pendientes, anillos y por supuesto pequeños y delicados broches, que a mi me parecen maravillosos.


En cuanto a su colección de cucharas... pues me gustan las de cerámica, pero no las encuentro mucha utilidad práctica, por lo que al final también acabaría poniéndomelas en la solapa.

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A los japoneses en general les gusta la vegetación pero los habitantes de las ciudades no lo tienen fácil para disfrutar de ella. Mientras en New York el 12% del suelo de la ciudad se emplea como zona verde, en ciudades como Tokio, debido al escalofriante desarrollo constructivo, sólo se utiliza un insignificante 4%, con lo que es prácticamente imposible conseguir un metro cuadrado para plantar algo.


Pero como ingenio no les falta, se les han ocurrido soluciones innovadoras, como por ejemplo, aplicar todos sus conocimientos informáticos y científicos en construir una granja subterránea de más de 1000 m2.


Pues sí, como si fuera lo más normal del mundo, han creado un ecosistema completamente artificial, para que esta particular granja crezca frondosa, aun estando bajo tierra.


El invento se llama PasonaO2 y se define como una granja urbano orgánica mantenida con tecnología high tech. Está ubicada en uno de los distritos de negocios más importante de Tokio debajo de un edificio de oficinas, en el sótano de un banco.


Su propósito es que sirva como una especie de escuela para facilitar conocimientos agrícolas a los jóvenes que están teniendo problemas para encontrar empleo y también a las personas de mediana edad en busca de una segunda carrera. Sin tener para ello que salir del centro de la ciudad, vamos, de camino a casa después del trabajo o las clases.


Unos 100 aspirantes a agricultores ya han tomado un curso de capacitación agrícola en esta granja subterránea.

En un total de 6 salas, producen verduras, frutas, flores, hierbas aromáticas y también un campo de arroz en terrazas. En total hay además 15 plantas autóctonas del Japón procedentes de zonas suburbanas y que artificialmente son producidas en este centro.

En ausencia de luz solar, las plantas se mantienen con sofisticados sistemas de iluminación artificial. La temperatura de la habitación y la humedad es controlado por ordenador y la hortalizas verduras y frutas son ecológicas, se cultivan sin pesticidas.

Si no os lo creéis, sólo tenéis que mirar las fotos. No me quiero imaginar a cuánto saldrá un kilo de tomates subterráneos. Del sabor no dicen nada, dudo mucho que tenga un gusto como los que crecen al aire libre, pero bueno, como se trata de que practiquen labores del campo, tampoco es que esto importe mucho.

Pero no todas las plantas de Tokio están enterradas bajo tierra, menos mal, porque pese al poco espacio que se puede conseguir entre la maraña de edificios, los habitantes, como buenamente pueden, crean sus mini espacios con vegetación, en medio de una construcción urbana, que intentando aprovechar el espacio al máximo, no ha dejado muchos huecos para patios, terrazas y mucho menos, jardines públicos.


Así las cosas, no les ha quedado más remedio que buscarse la vida y plantar, textualmente, sus macetas en la calle. Y como en general son muy respetuosos con la propiedad privada, el vandalismo no se ensaña con ellas y se mantienen en el sitio asignado, sin ser destruidas ni robadas.


Esta especie de guerrilla floral es un movimiento que se va extendiendo, donde hay un pequeño hueco en el pavimento, una isleta en un cruce, una acera algo ancha, una valla, ahí surge un minijardín. Muchos son creados por los comercios de la zona, otros los propios vecinos de manera individual o compartiendo la responsabilidad de su cuidado.


Su construcción más usual es por acumulación de macetas o recipientes de lo más variopinto, cualquiera vale, para nada tienen que ser todos iguales. Además, para darle más sentido de jardín, algunos le añaden construcciones para pájaros e incluso gnomos de jardín.


Con sus plantas, naturales y en algunos casos artificiales intentan dar color al gris asfalto a las máquinas expendedoras, objetos abandonados, feas paredes, escaleras, material urbano, obras, sitios de paso y todo mínimo espacio libre, o no, en la vía pública.


A mí personalmente, me encanta este tipo de jardín-maceta sea grande, pequeño, con gnomo o sin él. Se adapta tan bien a los espacios, tienen un aspecto tan delicado y provisional... cada uno es único e inimitable porque se construye con los recursos que en ese momento se tienen, lo que le da un aire destartalado y desordenado que me agrada.


Tiene, además la capacidad de adaptarse a cualquier cambio, crecer o decrecer según convenga, se pueden reutilizar objetos inservible y ademas, seguro que une a los vecinos en las tareas de mantenimiento.


Si no fuera por lo cafres que somos por aquí, me iniciaba una acción de guerrilla, plantando un jardín de macetas en la Plaza de La Luna. Ya se que soy pesada con el tema, pero es que me parece tan horriblemente gris y triste y la tengo tan cerca de mi casa...


Además, el dichoso jardín vertical con dibujo de luna en cuarto creciente, ni crece ni reverdece. Si ya me lo imaginaba yo, sin saber nada de jardinería..., señores planificadores..., que en esa pared no da nunca el sol...


Lo he visto en Marukuwato y cómo no, en Pingmag. A ambos le he cogido prestadas las fotos.

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Me temo que mi deriva personal está haciendo que cada vez hable menos de decoración, también puede que sea porque cada vez hay más blog que se dedican al tema.

Me pasa, que intentando mantener a raya mi RSS, me topo con las misma noticias en mil sitios, el mismo objeto, las mismas fotos y los mismos textos y eso cansa mucho.

Así que con andar errático, vago por aquí y por allá, buscando cosas que me inspiren y me hagan sentir bien, porque ahora mismo, una lámpara de más de 6.000 euros me emociona menos que antes, bueno, salvo honrosas excepciones, que haberlas hailas.

En fin, que en este momento de risparmio emocional, me ha llamado la atención a la vez que conmovido una acción aparentemente insignificante.

Un grupo de Flickr se dedica a fotografiar desire path (caminos del deseo) también llamados desire line, términos arquitectónicos que definen esos caminos que aparece espontáneamente en la naturaleza y que tienden a corregir, simplificar o mejorar los impuestos por los planificadores.

Son muy reconocibles, suelen estar en terrenos verdes que han quedado despoblados de vegetación por la erosión de los pasos de los paseantes. Normalmente unen dos puntos por la distancia más corta, pero también puede ser que nos conduzcan a un lugar con cierto interés paisajístico pero que se sale de la ruta impuesta.

Seguro que alguna vez os habéis preguntado, quién fue el primero que decidió salirse del camino construido para iniciar uno de esos desire path por los que transitáis con frecuencia, ¿serán la creación de una sola persona a fuerza de constancia, o habrá sido iniciado por alguien y seguido por los demás por pura comodidad?.

Uno de los primeros que los fotografió fue el aventurero Nick Crane y los menciona en su libro Two degrees west. Se refiere a ellos como la huellas de pies anarquistas con voluntad propia, independientes de las intenciones de los constructores. Afirma, que están hechos con gran pasión, por aquellos que optan por el libre albedrío, dejando las funciones autómatas a un lado, al explorar el paisaje.

A mi me encanta el nombre y el proyecto de fotografiarlos y desde que he dado con él he decidido prestar más atención a esos senderillos. En el fondo, me hubiera gustado haber iniciado alguno en mi vida, a lo mejor en mi infancia... porque ahora... en la ciudad... es complicado....

Espero también haber llamada vuestra atención sobre estos pequeños y modestos caminos, que desafiando los trazados impuestos, surgen espontáneos por aquí y por allá.


Desire paths... que bonito nombre...

Etiquetas: arquitectura, ecología, simplicidad, todos

Nesting Site el trabajo fotográfico de Gregor Graf es inquietante.


En una casa abandonada a punto de ser demolida, el artista deja la huella indeleble, de los muebles y objetos que pudieron acompañar a sus habitantes. Después saca una fotografía.


Con un cincel va dejando grabados en la pared, mesas, cama, estanterías, silla, televisión... en un entorno tan deteriorado, que en poco tiempo será destruido.


Primero han desaparecido los objetos, pronto desaparecerá el edificio, el artista estuvo allí para documentar esta fugacidad.


Otra de sus series de fotos, Hidden Town, nos muestra calles de Londres, Varsovia, o Linz desprovistas de vida, de anuncios, de señales viales. Al dejar a la vista arquitectura pura y dura, se produce un efecto de irrealidad y de desubicación cultural que sobrecoge.





Lo he visto en Pytr75.

Etiquetas: arte, exteriorismo, paredes, todos

Estamos cada vez más convencido de que nuestra opinión cuenta y es que nos lo dicen a todas horas, la tele, las instituciones, la web 2.0,las marcas, you tube... nosotros, nos lo tomamos a pecho y vamos encantados a ejercer ese derecho, por el que la mayoría de las veces acabamos pagamos un dineral.

De este modo, todos tan contentos, alguien recauda mucho dinero, otro se libera de la responsabilidad de una decisión polémica y nosotros nos lanzamos de cabeza al reclamo, por eso de "estar en nuestro derecho". De esta manera, aunque el resultado final se resienta, es lo de menos, lo importante es participar... y así están las cosas en este momento.

Algunos miembros del colectivo artístico ya han sufrido en sus carnes esta "democrática" modalidad de evaluar lo que es bueno y lo que es malo, ahora les ha tocado a los artistas urbanos someterse al juicio del respetable.

Brandon Baunach de DesignCrack ha ideado un proyecto, que pretende facilitar la labor de todos los que deseen expresar su opinión, sobre la calidad artística de los graffiti y cualquier tipo de arte urbano que se encuentre en la vía pública.


Para ello, ha diseñado unas pegatinas con forma de flecha y que en formato pdf te puedes descargar de su página. En ellas hay que rellenar unos datos sobre la obra, localización, fecha... también expresar tu opinión y dejarla al lado de la obra.

Después, se hace una foto y se manda a la página de Flick Graffiti Report Card para así compartir la experiencia con los demás miembros del proyecto, que por ahora nos son muchos que digamos.

En este proyecto, flojo para mi gusto, veo algo de ese humor y crítica que los artista urbano saben bien como emplear. Además pretende ser interactivo, como las webs por donde este tipo de arte se mueve, pero con un método más tradicional como es el papel y el pegamento.

Este proyecto tiene sus antecedentes en otro de Drew Heffron llamado Graffiti Critique del que está prácticamente copiado.

Espero que los artistas se tomen bien las criticas, que ellos utilizan constantemente en su trabajo. Personalmente eso de dejar pegatinas por las paredes no me hace ni pizca de gracia. Me imagino como quedaría Malasaña si a unos cuantos les diera por expresar su opinión a base de pegatinas, con lo saturados que están los muros...

Otra iniciativa con algo más de enjundia es el proyecto Yellow Arrow, en el que cada participante sale a la calle con flechas de papel amarillo.


Estas pegatinas, que compran en la web del proyecto, les sirven para marcar sus lugares, aquellos con alguna connotación especial, que les gustan, que les recuerdan a alguien, que les sugiere o que les hacen reír...

Cuando dejan las pegatinas, tienen que mandar un sms con la localización exacta de la flecha y lo que el sitio representa para ellos. Así, cada participante crea su propio mapa personal, con pensamientos, recorridos, gustos...


Al encontrar las pegatinas de otros, pueden recibir mensajes explicativos de lo que representa para quién la puso. Además puedes compartir tus espacios con el resto de la comunidad, mediante la web.

Es una buena manera de conocer itinerarios alternativos de gente que ha querido compartir sus gustos personales con los demás.


A este tipo de proyecto se le llama M.A.A.P (Massively Authored Artistic Publication) una especie de red social que va extendiéndose con la incorporación de gente de otros sitios del mundo. La información completa se puede encontrar en su web.

A mí, por pedir, me gustaría que hicieran algo parecido con la publicidad exterior un proyecto donde se pudiera opinar abiertamente sobre lo que gusta y lo que molesta. Pero habría que inventar algún método que no ensuciara aún más la ciudad.

Etiquetas: arte, crítica, evento, humor, paredes, street art, todos

Que a los japoneses les encanta el plástico es algo obvio, comidas y bebidas de extraños colores en envases plasticosos de formas imposibles, esa es la imagen que la mayoría de las veces exportan a occidente.



Pero debido a ese amor que tiene por las tradiciones también nos sorprenden con increíblemente bellas formas de empaquetar sus productos, sobre todo tratándose de alimentos frescos.



En el libro How to Wrap Five More Eggs, podemos alucinar viendo el esmero que ponen en este tipo de packaging, que en sus expertas manos, se eleva a la categoría de arte.


Utilizan materiales naturales como papeles reciclado, tejidos de algodón y en muchos casos hojas, bambú, corteza de árboles, piel de frutos, paja ... materia orgánica que entretejen y pliegan componiendo formas que mucho tiene que ver con el origami.


Este tipo de envases naturales surge de la necesidad de conservar los alimentos frescos aunque también intentan facilitar su transporte. Los de ahora han perdido esas características, porque la mayoría de las cosas se conservan en frigoríficos, a los que llegan directamente en bolsas del supermercado.


Este tipo de delicatessen artesanales no está al alcance de todo el mundo, los costes de la fabricación a mano, encarecen tanto estos productos, que las empresas han tenido que ingeniárselas para crear un tipo de packaging, que producido en serie, conserva esa apariencia natural y hecha a mano.



En Pingman han recopilado piezas originales y su imitación industrial y algunas desde luego dan el pego, aunque las originales por supuesto siempre ganan, no sólo estéticamente sino por el placer que conlleva abrir cada uno de estos paquetitos tan primorosamente elaborados.

Si no sois capaces de distinguir el original y la copia, en el artículo original lo desvelan.

Etiquetas: almacenaje, cocina, reciclaje, todos, tradición

Visto que no soy la única a la que le gustan las casitas de cartón para niños, quería compartir, el trabajo de graduación "El fin del mundo mirando al techo" realizado por Producciones Invisibles compuesto por Adrián Villa y Carolina Pinzón, dos estudiantes de la Facultad de Artes, para su trabajo de grado, en la Universidad Nacional de Bogotá.


Este grupo intervino un apartamento de 30 metros en el centro de Bogotá reorganizando los espacios interiores para adaptarlos a las necesidades de las dos personas que iban a habitar en él.


Para ello, utilizaron cajas de cartón que compraron a una empresa de reciclaje de cartón. No estaba entre sus intenciones salvar el planeta mediante el reciclaje sino replantearse el uso de objetos que existían entre ellos sin entrar en si era basura o no.


Eligieron los cartones que más les interesaron y los transportaron a la casa, en total 9 bultos, con los que empezar a reorganizar el espacio interior. Uno de los trabajos más interesantes que tuvieron que hacer fue el de clasificar los cartones, entre los que venían de regalo todo tipo de documentos en papel, cartas de amor, apuntes, dibujos facturas...


A medida que los dos estudiantes iban levantado las paredes de cartón se iban quedando más atrapados en el interior del espacio, ese que había sido diseñado por y para ellos.


El resultado es un extraño habitáculo de cartón compartimentado, dentro de un apartamento a cuyo interior se accede por medio de pequeñas puertas y túneles. Una especie de casita de muñecas para mayores que no quieren crecer, hecho con un patchwork de cartones de los que se utilizan para embalar todas esas cosas que compramos para decorar nuestra vida.


Me parece un sitio ideal para quedarse en un día de reflexión como hoy.


Lo he visto en The June Fox y las fotos las he sacado de Flickr. Toda la documentación sobre este trabajo lo podéis encontrar en su blog.


Ahora me voy corriendo que me dicen que tengo que celebrar que hoy es mi día, el de la mujer, ¿será que el resto de los días no nos corresponde protagonismo ninguno?. En fin, aun nos queda mucho por avanzar, pero eso es otra historia...

Etiquetas: arquitectura, arte, materiales, paredes, reciclaje, todos

Vaya, ayer quería arreglar el mundo... hoy... no tanto...

Como no me apetece contar nada sobre nada, os dejo fotos de uno de mis blog favoritos, Industrial Decay construido a partir del trabajo de un grupo de más de 2.800 miembros de Flick enamorados de los edificios industriales en desintegración.

Son imágenes maravillosas de lugares abandonados, esos que tanto me gustan, sitios decadentes, imperfectos, sucios, oxidados, oscuros, silenciosos, inservibles, con un futuro incierto y con un montón de cosas que contar sobre el paso del tiempo.... bla bla bla... bla bla bla... bla bla bla...

Imposible seleccionar, así que lo mejor es que os toméis vuestro tiempo paseando libremente por esta arquitectura en maravillosa descomposición.

Etiquetas: antigüedades, arquitectura, ruina, todos, urbanismo

Pero qué contenta estoy... me parece hasta mentira, mucho tiempo dándole vueltas y por fin hemos subido nuestro primer proyecto artístico en Flylosophy.



No se si sabéis que además de dedicar mucho de mi tiempo a este rinconcito, también edito junto con Angel una revista mensual on line donde hablamos de tendencias sociales, de consumo, o cualquier tema que alguien nos proponga y nos resulte atractivo.


Con este método de trabajo, hemos conocido a gente muy interesante con la que hemos colaborado, y como nos ha salido tan bien queríamos ir un pasito más allá, ampliando ese tipo de interacciones al campo de lo artístico, casi nada.


Nuestra intención es, ofrecer gratuitamente Flylosophy a todos los artistas que estén interesados en publicar trabajos inéditos de calidad, por supuesto, y que no hayan tenido la posibilidad de hacerlo en los circuitos artísticos, por el motivo que sea.


En cuanto al tipo de proyectos que se pueden presentar, en realidad no tenemos ninguna restricción más allá de las derivadas del soporte web en el que tenemos que publicar, fotografía, performances, intervenciones urbanas, vídeoarte, poesía, pintura, escultura, arquitectura... todos son bienvenidos.


Ofrecemos... mejor dicho, no ofrecemos, dinero, no lo tenemos, pero sí una difusión a más de 5.500 suscriptores que nos siguen fielmente todos los meses y una media de 1.000 visitas diarias, lo cual no está mal contando que publicamos una vez al mes.


Y como el movimiento se demuestra andando, ya hemos subido el primer proyecto ...o arreglamos el mundo, que Velvet & Crochet ha realizado para Flylosophy.


Son 10 vídeos que tratan, sin palabras pero con enorme elocuencia, temas como el paro, la inmigración, el terrorismo, la vivienda... es decir, las cuestiones que más preocupan y mantiene ocupados a los españoles, según el C.I.S.


Nos hemos dado gran prisa en publicarlo, ahora, que nuestros candidatos están dale que te pego a estos mismos temas. Pero mientras ellos los abordan desde los platós, nuestros protagonistas lo hacen sentados en el bar, que parece mentira que los políticos no lo sepan, es el sitio ideal para arreglar este tipo de cuestiones.


Podéis visitarlo aquí. Espero que lo disfrutéis y me atrevería a sugeriros que también lo practiquéis, por ejemplo en la jornada de reflexión.


Si queréis enviar algún proyecto poneros en contacto con nosotros a través de este mail: artefactos@flylosophy.com.


También os recomiendo una vuelta por el blog de Velvet & Crochet ese colectivo que se dedica al genero chico del arte conceptual, os aseguro que merece a pena.


En él podemos encontrar intervenciones urbanas como Estamos dando cera, disculpen las molestias (acción-bolero). que como ellos mismos definen es trabajo de embellecimiento superficial que reflexiona sobre cómo afectan al ciudadano las acciones en el entorno de lo público.

Imprescindible echar un ojo a Seis cartas al rey que recoge seis apuntes personales acerca de la autoridad. Un trabajo que se desarrolló a lo largo del año 2006 amparado por el Teatro Pradillo en Madrid.

El resto tampoco tienen desperdicio Sobre la espada manda el corazón, Érase una vez un final feliz, Naranjas amargas o de como trascender la amargura. En la cuerda floja, Vinateros sin fronteras...

Gracias a Velvet & Crochet por este pedazo de trabajo. Un beso grande Rafa.

Etiquetas: arte, autobombo, crítica, evento, humor, todos

Durante mi tradicional visita navideña a Nueva York, peregriné a The Future Perfect, una tienda de Williamsburg muy especial para todos los amantes del diseño.


No es muy grande pero está cargadita de buen diseño y muchas de las cosas que he visto en mi pantalla de ordenador las he podido materializar allí. Cada vez que voy, salgo un poco mareada y con sobredosis de cosas interesantes.


Esta vez, entre las mil piezas que allí habitaban, me llamó poderosamente la atención, la obra artística de la vietnamita Diem Chau, que es ese momento se exponía en el sótano de la tienda.


Su materia prima son piezas sueltas de vajillas,  sobre todo platos y tazas, las cuales forra de una tela de seda, prácticamente transparente, y borda en ella sus encantadores dibujos, dando así una nueva dimensión a cada objeto.


Cabezas de larga melena, secciones del cuerpo, personajes de silueta negra unidos por un largo hilo rojo, (muy simbólico en la cultura china, supongo que en la vietnamita también) y todo bordado con gran perfección y destreza.


Cada pieza me está contando una historia, de una manera tan delicada y simple que no tengo ganas de dejar de mirar.


Mejor os las dejo por aquí, espero que os gusten.

Etiquetas: arte, decoración, objetos, simplicidad, textil, todos

Hoy no quiero escribir directamente sobre decoración ni sobre intervenciones urbanas ni sobre lo que suelo contaros por aquí. Hoy me apetece dedicarle un hueco a esos objetos que habitan en las estanterías y que en algunos casos y casas también forma parte de la decoración. Me estoy refiriendo a los libros.


Si tuviera que elegir los que más "decoran" en las estanterías de mi imaginación, sin duda me quedo con los de Maurice Sendak, ese ilustrador y escritor al que llaman "el Picasso de los cuentos infantiles" pero que yo asocio más a un Durero contemporáneo con bastante mala leche.


Para mí, de infantil no tiene nada. No veo en sus obras la menor intención de agradar y entretener a niños sino más bien remover oscuros sueños de la infancia y provocar pesadillas. Todo con una narración y técnica ilustrativa, prodigiosas. Es encantadoramente perverso.


Estaba buscando documentación para el post cuando he dado con este artículo de Antonio Hernández Nieto en el que cuenta muy bien los sentimientos que fluyen de sus cuentos más conocidos. Así que entresaco párrafos y dejo que hable por mí.


Dídola, Pidola, Pon. (mi libro de cabecera)" La historia de la perrita Jennie que tiene, a ojos de un observador externo, todo lo que un perro puede desear, es uno de esos libros que debería encontrarse en toda biblioteca que se precie. Esa perrita deja la comodidad que tiene en casa sin saber muy bien porqué, pero convencida de que esa comodidad resulta extraña y debe haber algo más. Anhelos y deseos que la lanzan a la búsqueda de lo que puede ser. Y en esa estructura de búsqueda tan típica de muchos de los cuentos tradicionales, el libro se va transformando, cambiando la narración basada en texto por una narración basada en imágenes. Algo natural, siendo Sendak el representante por excelencia de los picture books que consiguieron revolucionar los libros infantiles".


Donde viven los Monstruos. "Max, un niño disfrazado de lobo, muerde a su madre, por lo que es encerrado en su cuarto sin cenar. La transformación del cuarto de Max en un bosque mediante la progresiva desaparición de las paredes y armarios ha ocupado la imaginación de miles de lectores desde que se publicó. Es esa desaparición de los límites [del cuarto en el que ha sido encerrado, su cuarto, su territorio] en el que el texto se vuelve mínimo y, tras un largo y difícil viaje, Max se encuentra con unos monstruos que ante la atrocidad de “comerse” a la madre no pueden más que nombrarle rey de todos los monstruos, hacer una fiesta, colgarse de los árboles y gruñir.


...lo que a mi me atrae es la construcción del libro, la combinación tan rigurosa entre texto e ilustración, el trabajo con el color y el diseño de las formas por el que uno no puede dejar de querer ser amigo de los monstruos; participar en esa monstruosa fiesta real en la que se corona a nuestro protagonista (y, ¿por qué no?, se nos corona a nosotros mismos) como rey de los monstruos. Y, a la vez, uno no puede rechazar, ni dejar de entender, a Max cuando decide volver a su cuarto donde, al llegar, le espera un plato de sopa caliente que comerá mientras el bosque vuelve a convertirse en las cuatro paredes que le rodeaban".


La cocina de noche: "Mickey, el protagonista, se despertará al escuchar unos ruidos que vienen de la habitación de al lado. Ruidos que todos hemos escuchado siendo niños y los hemos comentado convirtiéndolos en una leyenda infantil. Como señala Tony Kushner, esos ruidos proceden probablemente de la habitación de los padres, de un lugar y a unas horas en las que los niños han sido excluidos. Es esa exclusión, como le ocurría al protagonista de “Donde viven los monstruos”, lo que empuja a Mickey a su aventura y Sendak usa para revisar el clásico del cómic norteamericano de “Little Nemo in Slumberland” de Winsor McCay. El niño protagonista, en una reconocible ciudad de New York, un territorio imaginario de ficción hecho con tarros de mermelada, paquetes de copos de avena, y todo tipo de utensilios de cocina, se encontrará con varios panaderos vestidos de un impoluto blanco, con un parecido más que meramente casual con El Gordo de “El Gordo y El Flaco”. Y es en ese entorno, el que cualquiera puede construirse, y nos habríamos construido si nuestras madres nos hubieran dejado arrasar la cocina, donde modela la masa, como los niños modelan la plastilina.


El cacareo de Mickey desnudo al amanecer, parecido al de los Niños Perdidos de Peter Pan, al obtener la leche, es el sonido del triunfo que de alguna manera usan los héroes para despertar a la sociedad que los ha producido y de la que no dejan de ser hijos. Y ese triunfo se ha dado por la noche, en la oscuridad, donde no solo los niños, sino también todos los adultos, se encuentran más indefensos, donde sitúan todos sus temores por la habitual ausencia de luz, por disminuir nuestra capacidad de ver, de percibir con claridad. Un elemento del cuento es crucial para entender esto. El horno, en el que los cocineros acabarán cociendo el pastel, está específicamente preparado para asar a Mickey, lleva su nombre puesto.


Frente a la publicación de cuentos como “Hansel y Gretel” en versiones increíblemente dulcificadas y editados cómo meras reliquias del pasado que hay que conservar, los niños y los adultos que les repiten los cuentos que, a su vez, les contaron sus mayores, conocen y comparten la existencia del horror, el misterio, lo mágico y la transgresión. Sendak no evita ninguno de estos elementos en las obras que realiza, ni en los textos ni en las ilustraciones. Dice, el horror es terrorífico y lo mágico y el misterio, misteriosos, pero no debemos temer a enfrentarnos a y a convivir con ellos. Los hombres y niños siempre lo han hecho por el hecho de ser hombres y niños. Por eso no es de extrañar que su última obra en las estanterías, solo anglosajonas si el buscador Google y la librería Amazon no me han fallado, sea Brundibar (Hyperion Books for Children, 2003). Un cuento basado en la ópera de Hans Krása que niños judíos representaban en el campo de concentración de Theresienstadt, Checoslovaquia".


Ya se que estaréis pensando que estas cosas no tienen gran relevancia en días como estos, las elecciones, el cambio climático, la violencia, el hambre, el Ibex... pero el caso es que yo leo el primer página de Dídola, Pídola, Pon o La vida debe ofrecer algo más, y, y, y...


Capítulo 1:
Hubo un tiempo en que Jennie lo tenía todo. Un almohadón redondo para dormir en el piso de arriba, y uno cuadrado en el piso de abajo. Tenía su peine y cepillo particulares, frascos con dos clases de píldoras, gotas para los ojos, gotas para los oídos, un termómetro, y para el tiempo frío un jersey rojo de lana. Podía mirar por dos ventanas y comer en dos cuencos distintos. Hasta tenía un amo que la quería. Pero a Jennie le daba igual. En mitad de la noche metió todo en una bolsa de cuero negro con hebilla de oro y se asomó por última vez a su ventana preferida. Lo tienes todo -le dijo la planta del tiesto, que estaba mirando por la misma ventana. Jennie mordisqueó una hoja. Tienes dos ventanas -dijo la planta-. Yo sólo tengo una. Jennie suspiró y se comió otra hoja. La planta continuó: -Dos almohadones, dos cuencos, un jersey rojo de lana, gotas para los ojos, gotas para los oídos, dos clases de píldoras, un termómetro, y encima él te quiere. Eso es cierto -dijo Jennie, mordiendo más hojas. Lo tienes todo -repitió la planta. Jennie se limitó a decir que sí con la cabeza, porque tenía la boca llena de hojas. Entonces ¿por qué te vas? Porque-dijo Jennie, comiéndose el tallo y la flor-, estoy insatisfecha. Quiero algo que no tengo. ¡La vida tiene que ofrecer algo más que el tenerlo todo!. La planta no tenía nada que decir. No le quedaba nada con qué decirlo.

.... a ver quién es el guapo que me dice que no se ha sentido alguna vez como mi heroína glotona, la perrita Jennie.


Se me olvidaba decir, que se me ha ocurrido escribir sobre Sendak porque he leído que Spike Jonze ha acometido la tarea de llevar al cine su Where the Wild Things Are, (Donde viven los Monstruos). Y yo me pregunto... ¿es necesario?...

Etiquetas: arte, todos

La Cocina Ética, es el proyecto de una joven diseñadora, Alexandra Sten Jørgensen, recién graduada en la Buckinghamshire Chilterns University de Inglaterra y que ha presentado en el New Designers 07.

El proyecto consiste en una cocina para el futuro no muy lejano, que aprovecha el agua y los residuos de alimentos para nutrir una planta que según viva o muera nos va a decir si reciclamos lo suficiente.

Según cuenta la autora, el consumo ético no será un estilo de vida que nosotros vayamos a elegir en el futuro, sino una necesidad, así que es una buena idea, unificar la ética y la funcionalidad de una manera atractiva, para entender más fácilmente cómo el funcionamiento de la naturaleza y el consumo están conectados.

La cocina está diseñada como una isla, formada por un sumidero y una superficie, donde preparar los alimentos, debajo los residuos orgánicos y el reciclaje de envases .

La planta por un lado es alimentada por el compos generado por el reciclaje orgánico y por el otro es regada por el agua sobrante de la que se consume, a través de un mecanismo adjunto a la tubería de residuos.


La vida de la planta, se basa pues en lo bien que adaptarse el consumo el reciclaje y la estética.

¡Es una buena opción para las cocina del futuro?.

Lo he visto en Designer Blog

Etiquetas: cocina, ecología, materiales

Rotor es una interesante empresa belga que intenta ir un paso más allá del reciclaje potenciando sobre todo la reutilización de los objetos.


Según ellos, aunque el reciclaje es bueno, también tiene inconvenientes. En producir nuevos productos se requiere mucho gasto de energía y si se incineran, aunque produzcan energía se destruye la materia. Así que claramente la reutilización es la opción más interesante, aunque injustamente es a la que menos interés se presta.


Cuando un producto se reutiliza para un fin similar al que fue creado, el consumo de energía en su producción es mínimo. Además tanto la empresa que proporciona la materia y que se ahorra el coste de su eliminación o incineración, como la que la utilizará, que tiene materia prima gratis, salen claramente beneficiados y entre las dos evitan el derroche.


Y sobre estas bases trabaja Rotor, una plataforma para la gestión de los residuos industriales y la reutilización. Pretenden, entre otras cosas, fomentar los contactos entre los productores y los posibles interesados en los residuos.


Rotor ha creado para su sede la RDF181 una construcción parásita adosada en un edificio en un terreno desocupado del centro de Bruselas, que utilizarán durante 1 año, hasta febrero del 2009. En ella, además de trabajar, organizarán exhibiciones y charlas.


Aunque no cuentan cómo ha sido construida, por las fotos puedo ver que los materiales empleados tienen toda la pinta de haber sido reutilizandos.


Rotor ha organizado por ejemplo un certamen en el 2004 llamado Looplab, donde 10 jóvenes diseñadores fueron elegidos para participar en un taller en el que se les educó sobre como utilizar restos en sus trabajos.


En las navidades del 2005 su iniciativa Au Bon Marché consistió en crear una especie de tienda donde se exponían productos mas o menos artesanales, que podían ser tomados por cualquiera, siempre y cuando dejara en su lugar otro de una calidad similar.


En el 2006 ayudaron al los vecinos de los barrios a preparar la Zinneke una cabalgata popular que se celebra cada 2 años, donde todo se hace artesanalmente y con material reutilizado. En el 2008 lo harán otra vez. Además han organizado Workshops.


En cuanto a diseño, un proyecto muy interesante que han llevado a cabo ha sido la panelación de una cocina con el contrachapado de deshecho, de una empresa especializada en realización de cajas de cartón para embalajes de lujo.


Estos contrachapados fueron los que se utilizaban como plantilla para las cajas y en ellos se pueden apreciar los desarrollos de las cajas. El resultado me encanta.


También han diseñado mesas y sillas de placas de mármol de Carrara que estaban quitando de la fachada de una biblioteca de Bruselas.


Y esto lo he visto en Guerrilla Innovation.

Etiquetas: arquitectura, decoración, ecología, materiales, oficina, reciclaje, sostenibilidad, todos

Jennifer Prichard es una ceramista muy talentosa que se dedica a pegar pequeñas piezas de cerámica en las paredes formando increíbles composiciones que parecen dotadas de vida. Algunas me recuerdan a paredes vegetales o algunas colonias de animales del fondo del mar, y no me extrañaría que al tocarlas se movieran suavemente o incluso se echaran a volar o nadar.


Pero no no se mueven y tampoco son blanditas porque cada pequeña pieza que forma la composición está hecha de cerámica y además a mano. La autora trabaja con paneles completos en los que una a una va pegando cada pieza, a gusto del cliente también ha creado varias series de baldosas modulares.


Algunas de las piezas me recuerdan mucho a la cerámica japonesa de colores neutros y con sutiles toques de vivos colores con un acabado lacado y cristalizado.


Lo quería enseñara porque no se si a vosotros os pasa pero es que empiezo a estar un poquito cansada de llamativos papeles pintados y creo que la posibilidad de hacer composiciones personalizadas en 3D es una evolución muy interesante.


Desgraciadamente el precio de estas obras deben ser carisisísismo pero... a lo mejor... a alguien le puede inspirar para hacerse las suyas propias. ¿Os acordáis de aquellas figuritas tan horribles que se hacían de miga de pan?, pues a lo mejor evolucionadas simplificadas y puestas en las paredes daban el pego.


Bueno en cualquier caso, me parecen piezas muy interesantes, decorativamente hablando, es como si aportaran vida a los espacios interiores y me producen ganas de tocarlas, aun sabiendo que son frías y duras.


Pero seguro que a alguno le desagrada pues podría dar la sensación de que una colonia de champiñones le han salido en la pared.



Lo he visto en Whynot.

Etiquetas: decoración, materiales, paredes, superficies, todos