Curiosa instalación la Ice House, llevada a cabo en Detroit, por el arquitecto Mateo Radune y el fotógrafo Gregory Holm.
Esta casa helada ha sido creada con la intención de llamar la atención sobre el lamentable estado de la infraestructura urbana de la ciudad, al mismo tiempo que trata de insuflar optimismo en el futuro ¿?.
Está situada en un barrio de una gran densidad de población humilde y pertenece al conjunto de casas abandonadas que tanto abundan en un área en la que 1 de cada 4 hogares o está en mal estado o completamente abandonados.
Según los autores, esta situación se ha producido en muchos casos por la propia desidia de los moradores y ellos quieren transmitir cierto optimismo en el futuro, que pasa por la reinterpretación que nuevas generaciones pueden dar al barrio rehabilitando las casas con materiales recuperados y grandes dosis de creatividad y trabajo en equipo...
Yo esto no entiendo bien qué tiene que ver el hielo con la rehabilitación y el optimismo, pero bueno el resultado final es bello y si vale para que la gente tome conciencia de la situación de abandono de la zona, por mí perfecto.
Y ¿cómo se logró este resultado?, pues según cuentan en el blog rociando la casa constantemente con agua y esperando a que las frías temperaturas la helaran.
Lo he conocido aquí.
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No he podido resistirme a publicar la última gamberrada que los amigos de Luzinterruptus. Se llama Literatura versus tráfico, y ha sido llevada a cabo en las calles de New York la semana pasada.
Si en un principio, la idea era tramitar los permisos para cortar un carril de una gran avenida de Manhattan y ocuparla con 2000 libros iluminados, la imposibilidad de conseguir licencias y financiación les hizo volver a su manera habitual de trabajo, es decir reducirlo a la medida de sus posibilidades ayudados por amigos y de forma clandestina, llevarla a cabo en una calle bajo el Puente de Brooklyn.
Dejo que ellos se explique y añado un link a su proyecto original. Atentos a la preciosa ilustración de Marta Menacho.
"La literatura al fin ganó la batalla al tráfico de New York y durante las horas nocturnas del día 17 de febrero, bajo el puente de Brooklyn, la calle Water, del gentrificado barrio de Dumbo, se vio libre de coches.
Hemos tenido que modificar un poco nuestro proyecto inicial en el que pretendíamos colocar 2.000 libros en una avenida principal de Manhattan porque no nos fue posible encontrar ayuda para gestionar permisos, ni financiación, así que al final, con 800 libros y sus respectivas luces, conseguimos un resultado más que digno y sobre todo hecho como a nosotros más nos gusta, de manera autogestionada y con la ayuda de amigos.
...
Esperamos que esta sea nuestra primera, de muchas otras batallas, ganadas al tráfico".
Las fotos, que he cogido prestadas, son de Gustavo Sanabria quien ya ha estado en el Ático por sus inquietantes fotos de chimeneas en el Patio Maravillas.
Preciosa intervención, me hubiera gustado poder pasear entres sus hojas blancas movidas por el viento.
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La naturaleza es un espectáculo único, digno de ser observado con toda la comodidad posible, ya que lo que nos ofrece, tiene tanta belleza, que hay que tomarse su tiempo para no perder detalle... o algo así parece que pensó el fotógrafo Matthieu Kavyrchine cuando llevó a cabo su serie Culture.
El artista, con buena técnica, logra fundir dramáticas escenas nocturnas iluminadas, sacadas de la naturaleza, con patios de butacas de teatros o cines, consiguiendo que parezca, que la naturaleza se ha convertido en protagonista de un interesantísimo espectáculo visual.
Según cuenta el catálogo de su exposición Silent Light, el fotógrafo juega con el cambio de percepción de los espacios, dando la imagen del teatro, espacio físico cerrado, como si de un lugar abierto a la imaginación se tratara, mientras la naturaleza se convierte, por efecto de la iluminación, en un recinto cerrado y confortable donde acurrucarse.
Para mí son unas fotos bastante artificiosas, pero me han hecho pensar, en grises ciudades como Madrid, con sus espacios naturales en extinción, llegando un momento en que árboles y plantas tendrán que ser percibidos como piezas artísticas únicas e irrepetibles. Vaya, tengo el día agorero...
He conocido a este artista aquí y recomiendo que echéis un ojo al resto de sus series, algunas más interesantes y entre las que yo me quedo con Petit Desordre. Y digo yo... pues podía haber hablado de ella... ¿?...
Etiquetas: arte, fotografía, naturaleza, todos
Instalaciones arquitectónicas hechas con retazos de otras arquitecturas, arquitecturas que parecen pinturas y espacios planos que se convierten en tridimensionales, cosas así puedo apreciar en trabajo de la artista Sinta Werner.
Lo suyo son las arquitecturas fragmentadas y descolocadas, extraídas de su contexto, duplicadas y exhibidas para desorientarnos y producirnos una sensación de inestabilidad y de engaño que puede llegar a irritar.
Tiene bastante obra interesante y en casi toda exhibe una gran colección de juegos ópticos para los que se vale de recursos como los duplicados, las superposiciones y los juegos de color. Por destacar algunos Grey Areas, Somewhere or Other, Der subversive Raum, Disjunction, Drillcores y la que más me gusta Versionen.
Podéis ver más obra en su página, yo lo he conocido aquí.
Etiquetas: arte, escultura, instalacion, todos
Thyra Hilden y Pio Diaz, son dos artistas consagrados al fuego.
Su trabajo consiste en bañar de vivas llamas todos los monumentos que se les ponen por delante y gracias a grandes despliegues técnicos, lo consiguen de una manera dramática.
Con potentísimos proyectores, envuelven edificios y monumentos para dar vida a la idea de que el fuego se ha apoderado de ellos.
Y aunque el fuego todo lo destruye, no puedo evitar penar que en este caso se trata de un fuego purificador ya que provoca que los que están presenciando la escena se planteen, qué pasaría si de verdad este hecho ocurriera.
Este fuego ficticio produce una corriente de aprecio por el objeto expuesto a las llamas y nos hace pensar en la vulnerabilidad de todo lo creado por el hombre, aunque lleve en el mundo un montón de siglos.
Lo he encontrado aquí y me ha gustado mucho.
Etiquetas: exteriorismo, iluminación, intervención, todos
Hoy sólo quería dejaros una cosa, que aunque no tiene que ver con el arte, me ha causado un cosquilleo en el estómago cuando lo he visto.
Se trata de usar la arena de la playa para construir piezas metálicas, en este caso taburetes, pero podrían ser muchas otras cosas dependiendo de la inspiración de cada uno.
Solo hay que hacer un dibujo en la arena, llenarlo de una aleación hecha de cinc, plomo y estaño, dejar que se enfríe y lista para usar.
Esta lección de sencillez constructiva nos la han dado Max Lamb del que no se gran cosa porque su página web no da mucha información sobre su trabajo.
A mi me lo ha enseñado mi amiga Paloma que lo vió aquí. Mil gracias.
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Con escasísimo tiempo para actualizar, me permito mostraros la serie Balance Sheets, de Jill Sylvia, una artista, que hace del papel de formularios su materia prima.
Ella va troquelando de manera delicada y minuciosa, todas las casilla de las hojas para componer sus reticulados y casi inexistentes libros, sus mínimas láminas y sus transparentes edificios.
El resultado es un delicado trabajo, que se crea a partir de un material enojoso, para casi todos nosotros, ya que se asocia a burocracias difíciles de rellenar y engorrosas de gestionar. Y así ella, con su sanadora cuchilla, ha conseguido quitar de la superficie de estos impopulares documentos, todo lo que puede ser molesto para nosotros, dejando que las sombras y las superposiciones conquisten el papel.
Lo demás lo podéis ver en las fotos y en la página de la artista.
Yo lo conocí aquí.
Etiquetas: arte, escultura, papel pintado, sombras, todos
James Nizam es un artista interesado sobre todo con los procesos de cambio la decadencia y regeneración dentro del medio ambiente construido.
Para su trabajo fotográfico Memorandoms, se instaló en un edificio de viviendas de Vancouver abandonado y se dedicó a componer esculturas con repeticiones de materiales encontrados en el edificio, así bombillas, puertas, pomos, cajones, sillas y otro tipo de elementos constructivos estandarizados, que fue recogiendo del edificio y ensambló de manera secuencial, iban formando sus piezas efímeras, que después fotografiaba, instaladas en las distintas habitaciones, de las que fueron atractivas casas en el pasado y que hasta su demolición, se convirtieron en monumentos abandonados de la especulación inmobiliaria.
Una especial manera de documentar la pérdida o abandono del domicilio, por causas sociales y políticas que seguramente poco tienen que ver con los deseos de los habitantes que allí permanecieron y que dejaron su huella personal entre tanta estandarización.
En otras de sus series fotográficas, que me interesan menos, sigue mostrando la misma fascinación por lo abandonado, dando su visión poética de eso escenarios que tan de moda se han puesto en los últimos tiempos... Algunos de sus trabajos son con cámara oscura, otros pintando con luz sobre las paredes para resaltar lo que le interesa.
Lo he conocido aquí, las fotos son de Gallery Jones.
Etiquetas: arte, fotografía, ruina
Ahora que en Madrid están intentando poner coto a los desmanes luminosos en fachadas, que han ido extendiéndose alarmantemente y sin control, convirtiendo la ciudad en un demencial catálogo de logos y textos iluminados, a cual de peor gusto... me ha venido a la cabeza la obra del fotógrafo Matt Siber, que trata de evidenciar esta, para mí, molesta presencia publicitaria.
Según nos cuenta el autor, su trabajo se inspira en la proliferación de signos publicitarios que se alzan en el cielo de las ciudades, buscando llamar la atención de los ciudadanos.
Situados sobre altísimos soportes estos mensajes luminosos se cierne sobre los consumidores con sus brillantes y luminosos colores invitando a consumir sus productos. En el momento en que el artista elimina el soporte y deja estos logotipos flotando lo que está haciendo es enfatizar la desconexión de estos símbolos de las empresas con la realidad.
Haciendo flotar estos símbolos, además les aporta referencias a la iconografía religiosa, lo sobrenatural, la creencia popular en los extraterrestres, o en las películas de ciencia ficción...
Un curioso trabajo que me ha hecho esbozar una sonrisa, imaginando como quedaría el cielo si todos esos rótulos luminosos que molestan en las fachadas de Madrid salieran volando, seguro que el día de golpe se convertiría en noche cerrada.
Lo he conocido aquí.
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Hoy tengo que dar cuenta de una acción publicitaria, maldita sea, mira que me da rabia que tengan que ser las marcas, las que se permitan el lujo de hacer cosas así en la ciudad...
Está claro que no lo hacen porque estén interesados en el bienestar de los ciudadanos, ni por la ecología ni la sostenibilidad etc... sino porque tienen que vender y como consideran que se le ha quedado pequeño el espacio reservado para la publicidad convencional en las ciudades, se han echado a la calle a organizar todo tipo de acciones de guerrilla que se asocien a iniciativas bienintencionadas, que en definitiva les preocupan un bledo.
Y dicho esto, ya me siento más a gusto, os cuento lo que ha organizado una marca (no diré nombres claro está) en una estación de trenes de Nueva Zelanda.
Pues nada más y nada menos que convertirla en un prado verde para el rodaje de un anuncio, y así los pasajero de la estación de Britomart en Auckland, tuvieron la experiencia de encontrarse con 1250 metros de duro asfalto gris convertidos en una suave y verde superficie de césped.
Como he dicho, me fastidia que esta iniciativa de verdear espacios grises, se debiera a un asunto publicitario, pero lo aprovecho para a mostrar lo que embellece el espacio público la vegetación lo habitables que los hace y las ganas que dan de permanecer en él.
También dejo un ejemplo de lo increíble que quedó un puente de Budapest con una iniciativa temporal similar, esta vez no se si publicitaria, ya que no he encontrado información.
Y para completar la imagen de estaciones verdes, nada mejor que la iniciativa del artista Joe Baldwin que ha creado los Mobile Garden, unos jardines móviles plantados en plataformas que se mueven tirados por trenes que recorren distintas estaciones.
El plan es añadir algo de espacio verde al sistema de ferrocarriles, transformando un vagón de tren en un jardín verde y móvil, familiarizando a los viajeros con los espacios verdes en la ciudad.
Y digo yo... para los festejos que se están organizando en conmemoración del centenario de la Gran Vía, ¿no se podía incluir una peatonalización temporal, con verde incluido, para que sean los vecinos los que de verdad disfruten de esta celebración y no los coches?
Yo prometo llevar mi mantel de cuadros blancos y rojos y organizar un desayuno por todo lo alto.
Dicho queda...
Lo he conocido aquí de donde también he sacado las fotos.
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Es complicado hablar en general de la obra de Baptiste Debombourg, por la diversidad de sus piezas, temáticas, materiales y formatos.
Pero resumiendo, yo diría que es un artista con gran sentido del humor y lo emplea para sacar a la luz reivindicaciones sociales, empleando materiales de uso cotidiano, con los que destruye y reconstruye a su antojo piezas de lo más variopintas.
Sus temas favoritos, el excesivo consumo en nuestra vida cotidiana, lo antiestético y lo estético, la estandarización, el reciclaje, el hábitat, la calle...
Me gusta lo que consigue con materiales poco valorado y también el nuevo aspecto que da a objetos que destruye y vuelve a construir evidenciando las huellas de su intervención.
Dejo las fotos para que entendáis mejor...
Lo he conocido aquí.
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Me gusta el trabajo de Cornelia Parker, una gran artista cuya obra me impresiona, ya que habla de una manera poética pero no amable, sobre la violencia, la destrucción, la descomposición de la materia, del accidente... convirtiendo lo trágico en espectacular.
Iba a ponerme a escribir sobre ella, pero he visto que El Cultural resumen estupendamente la esencia de su trabajo, así que me he dicho... para qué hacerlo peor... y aquí os dejo un resumen.
"sus obras son, sin duda, auténticas bombas de relojería. No en vano, en 1991, convenció al ejército británico para que volara una pequeña cabaña que se encontraba aislada en un campo inglés. Tras la explosión, Parker recogió todos los pedazos de la cabaña que pudo recuperar y montó “Cold Dark Matter: An Exploded View”.
En la obra de Cornelia Parker está presente la idea del accidente, de la descomposición de la forma a partir de una cierta violencia. Hace años, la artista comentaba que las explosiones son un cliché sobre el final de las cosas. En los ochenta las autoridades amenazaban permanentemente con derribar la casa en la que vivía para construir una autopista. La amenaza se fue posponiendo, de seis meses en seis meses, durante diez años. Dice la artista que es amenaza persistente estuvo sobrevolando su trabajo inicial.
No hay duda de que la idea de explosión va íntimamente unida a la idea de muerte. Todos estamos acostumbrados a ver explosiones, sea en las noticias, sea en el cine, pero para la artista el hecho de estar caminando sobre el detritus resultante de una explosión provocada por ella constituyó algo único. Además, no sólo estaba acabando de forma violenta con una mera construcción sino que utilizaba para ello algo que se había convertido igualmente en un cliché: la típica cabaña de campo inglesa, una auténtica institución en su país.
La artista admite que en su trabajo hay una cierta influencia del cómic y de los cartoons. La acción de las apisonadoras, la idea de caerse por precipicios y las explosiones. Hay un grado notable de humor, de eso no hay duda, pero la esencia real de su trabajo se encuentra en la materia, en la destrucción y posterior reconstrucción de la materia. Es la vida de la materia y su capacidad para adquirir formas y connotaciones diversas.
En la exposición del Yerbabuena Center for the Arts, Parker presenta nuevos trabajos construidos a partir de la destrucción, esta vez azarosa, de dos iglesias. Una de ellas, la Southern Black Baptist Church, que fue destruida por un incendio provocado, la otra destruida por un rayo. Esta idea de mantener la vida de la materia, de resucitar un edificio, adquiere connotaciones nuevas tratándose de iglesias. Entran así en juego otros conceptos como la religión o la raza.
En el Modern Art Forth Worth, Cornelia Parker presenta una serie de trabajos que han pasado recientemente a engrosar la colección del centro tejano. Son trabajos de la serie “Rorschach” y son piezas de metal aplastado. Parker quiere aquí simular un test de Rorschach totalmente abierto a todo tipo de interpretaciones".
Bueno, sólo añadir que admiro la obra de esta artista que es capaz de imponer su propio y minucioso orden a cosas que se encuentran fuera de control.
Las imágenes las he sacado de google.
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La obra de Iván Navarro es más compleja de lo que podría parecer a simple vista, lo cual no es ni bueno ni malo...
Objetos, hechos con tubos fluorescentes, no parece que puedan tener mucho mensaje subversivo, pero para el artista si lo tiene. Él está utilizando luz fluorescente, tradicionalmente asociada a piezas de corte minimalista, para crear objetos complejos, de diseño moderno y limpio, que al ser encendidos adquiere una presencia barroca y artificial.
Muchas de sus piezas, de compleja estructura, están construidas con tubos fluorescentes, artesanalmente ensamblados, para componer mesas, sillas, lámparas, carritos de la compra, hamacas, canastas de baloncesto, que a pesar de su apariencia frágil, pueden ser usadas, quedando así difuminados los límites entre la obra de arte para mirar y la pieza de diseño que se puede utilizar.
Parándonos por ejemplo en sus trabajos, Joy Division I y II, vemos que bajo la forma convencional de simples mesas de té, se esconde una esvástica roja y una Estrella de David amarilla... nada amables las piececitas...
El color es muy importante en su trabajo, casi todas sus piezas son de vivos colores que se hacen más intensos al ser iluminados... un buen ejemplo, su obra Death Row en la que 13 puertas con neones de diferentes colores y espejos, producen la sensación óptica de que hay un infinito corredor de luz por el que nunca se llegará al fin.
Los juegos ópticos con espejos y neones formando pasillos infinitos que no llegan a ninguna parte y pozos profundísimos en los que una palabra se repite hasta lo más profundo de la tierra, son otros temas recurrentes de su iconografía,
Curiosa su pieza para la Venice Art Biennale, Resistance, en la que contruyó una carretilla de tubos fluorescentes que se iluminaban alimentados con la energía producida por el pedaleo, de cuando en cuando cambiaba el color de la luz y así la tuvo transitando por la ciudad. Además grabó sus periplos en vídeo y los proyectó en la sala de la Bienal.
Piezas todas ellas que juegan con la ambigüedad cotidiana entre apariencia y realidad, que no puede dejar de recordarnos a esos llamativos luminosos que nos invitan a sumergirnos en un universo de fantasía cuando en realidad nos están haciendo entrar en un mundo sórdido, oscuro, y peligroso.
Los fotos son de google... odio que los artistas no tengan web...
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El fotógrafo Josh Graham para su serie The Illuminated Absence ha viajado por cárceles, hospitales y asilos abandonados buscando el momento preciso en que un rayo de luz atraviesa alguna de las oscuras y destartaladas dependencias de estos lúgubres lugares.
Las fotos, con esas radiantes formas de luz natural penetrando en los oscuros espacios cerrados, resultan bastante inquietantes, aunque es fácil que así sea ya que los escenarios son de por si bastante dramáticos.
Blancas y etéreas formas geométricas de luz, colándose en sordidos espacios, bañando de pureza y vida, el caos y abandono, fotografiado por el artista... simple y conmovedor.
He conocido el trabajo aquí.
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Trabajos en papel de grandes dimensiones, esta vez son de Andreas Kocks que gracias a su particular destreza con la cuchilla, es capaz de convertir el común papel de acuarela, en grandes explosiones de textura, en organicas formas abstractas que trepan por las paredes, en líquidos derramados sobre las paredes, formando dramáticas manchas o en remolinos de materia que giran y te intentan atraer hacia el interior de las piezas.
Pero estas formas que estoy describiendo podrían sonar a piezas abstractas de básicas formas, trabajadas de forma burda, y nada más lejos de la realidad, ya que están llenas de piezas, cuidadosamente cortadas y superpuestas, para dar relieve, concluyen en un trabajo sofisticado y delicado, sin renunciar a la fuerza a la espectacularidad y quizás a la violencia.
Además no necesita más que una reducida gama de colores para conseguir todo esto, el blanco con sutiles toques de blanco y el negro más o menos gris...
Y nada más tengo que decir, como siempre os dejo están las imágenes que se explican bastante mejor de lo que yo lo estoy haciendo.
Este trabajo lo conocí aquí.
Etiquetas: arte, instalacion, materiales, papel pintado, todos
