Me gusta el trabajo de Cornelia Parker, una gran artista cuya obra me impresiona, ya que habla de una manera poética pero no amable, sobre la violencia, la destrucción, la descomposición de la materia, del accidente... convirtiendo lo trágico en espectacular.


Iba a ponerme a escribir sobre ella, pero he visto que El Cultural resumen estupendamente la esencia de su trabajo, así que me he dicho... para qué hacerlo peor... y aquí os dejo un resumen.


"sus obras son, sin duda, auténticas bombas de relojería. No en vano, en 1991, convenció al ejército británico para que volara una pequeña cabaña que se encontraba aislada en un campo inglés. Tras la explosión, Parker recogió todos los pedazos de la cabaña que pudo recuperar y montó “Cold Dark Matter: An Exploded View”.


En la obra de Cornelia Parker está presente la idea del accidente, de la descomposición de la forma a partir de una cierta violencia. Hace años, la artista comentaba que las explosiones son un cliché sobre el final de las cosas. En los ochenta las autoridades amenazaban permanentemente con derribar la casa en la que vivía para construir una autopista. La amenaza se fue posponiendo, de seis meses en seis meses, durante diez años. Dice la artista que es amenaza persistente estuvo sobrevolando su trabajo inicial.


No hay duda de que la idea de explosión va íntimamente unida a la idea de muerte. Todos estamos acostumbrados a ver explosiones, sea en las noticias, sea en el cine, pero para la artista el hecho de estar caminando sobre el detritus resultante de una explosión provocada por ella constituyó algo único. Además, no sólo estaba acabando de forma violenta con una mera construcción sino que utilizaba para ello algo que se había convertido igualmente en un cliché: la típica cabaña de campo inglesa, una auténtica institución en su país.


La artista admite que en su trabajo hay una cierta influencia del cómic y de los cartoons. La acción de las apisonadoras, la idea de caerse por precipicios y las explosiones. Hay un grado notable de humor, de eso no hay duda, pero la esencia real de su trabajo se encuentra en la materia, en la destrucción y posterior reconstrucción de la materia. Es la vida de la materia y su capacidad para adquirir formas y connotaciones diversas.


En la exposición del Yerbabuena Center for the Arts, Parker presenta nuevos trabajos construidos a partir de la destrucción, esta vez azarosa, de dos iglesias. Una de ellas, la Southern Black Baptist Church, que fue destruida por un incendio provocado, la otra destruida por un rayo. Esta idea de mantener la vida de la materia, de resucitar un edificio, adquiere connotaciones nuevas tratándose de iglesias. Entran así en juego otros conceptos como la religión o la raza.


En el Modern Art Forth Worth, Cornelia Parker presenta una serie de trabajos que han pasado recientemente a engrosar la colección del centro tejano. Son trabajos de la serie “Rorschach” y son piezas de metal aplastado. Parker quiere aquí simular un test de Rorschach totalmente abierto a todo tipo de interpretaciones".


Bueno, sólo añadir que admiro la obra de esta artista que es capaz de imponer su propio y minucioso orden a cosas que se encuentran fuera de control.


Las imágenes las he sacado de google.

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La obra de Iván Navarro es más compleja de lo que podría parecer a simple vista, lo cual no es ni bueno ni malo...


Objetos, hechos con tubos fluorescentes, no parece que puedan tener mucho mensaje subversivo, pero para el artista si lo tiene. Él está utilizando luz fluorescente, tradicionalmente asociada a piezas de corte minimalista, para crear objetos complejos, de diseño moderno y limpio, que al ser encendidos adquiere una presencia barroca y artificial.


Muchas de sus piezas, de compleja estructura, están construidas con tubos fluorescentes, artesanalmente ensamblados, para componer mesas, sillas, lámparas, carritos de la compra, hamacas, canastas de baloncesto, que a pesar de su apariencia frágil, pueden ser usadas, quedando así difuminados los límites entre la obra de arte para mirar y la pieza de diseño que se puede utilizar.


Parándonos por ejemplo en sus trabajos, Joy Division I y II, vemos que bajo la forma convencional de simples mesas de té, se esconde una esvástica roja y una Estrella de David amarilla... nada amables las piececitas...


El color es muy importante en su trabajo, casi todas sus piezas son de vivos colores que se hacen más intensos al ser iluminados... un buen ejemplo, su obra Death Row en la que 13 puertas con neones de diferentes colores y espejos, producen la sensación óptica de que hay un infinito corredor de luz por el que nunca se llegará al fin.


Los juegos ópticos con espejos y neones formando pasillos infinitos que no llegan a ninguna parte y pozos profundísimos en los que una palabra se repite hasta lo más profundo de la tierra, son otros temas recurrentes de su iconografía,


Curiosa su pieza para la Venice Art Biennale, Resistance, en la que contruyó una carretilla de tubos fluorescentes que se iluminaban alimentados con la energía producida por el pedaleo, de cuando en cuando cambiaba el color de la luz y así la tuvo transitando por la ciudad. Además grabó sus periplos en vídeo y los proyectó en la sala de la Bienal.


Piezas todas ellas que juegan con la ambigüedad cotidiana entre apariencia y realidad, que no puede dejar de recordarnos a esos llamativos luminosos que nos invitan a sumergirnos en un universo de fantasía cuando en realidad nos están haciendo entrar en un mundo sórdido, oscuro, y peligroso.


Los fotos son de google... odio que los artistas no tengan web...

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El fotógrafo Josh Graham para su serie The Illuminated Absence ha viajado por cárceles, hospitales y asilos abandonados buscando el momento preciso en que un rayo de luz atraviesa alguna de las oscuras y destartaladas dependencias de estos lúgubres lugares.


Las fotos, con esas radiantes formas de luz natural penetrando en los oscuros espacios cerrados, resultan bastante inquietantes, aunque es fácil que así sea ya que los escenarios son de por si bastante dramáticos.


Blancas y etéreas formas geométricas de luz, colándose en sordidos espacios, bañando de pureza y vida, el caos y abandono, fotografiado por el artista... simple y conmovedor.


He conocido el trabajo aquí.

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Trabajos en papel de grandes dimensiones, esta vez son de Andreas Kocks que gracias a su particular destreza con la cuchilla, es capaz de convertir el común papel de acuarela, en grandes explosiones de textura, en organicas formas abstractas que trepan por las paredes, en líquidos derramados sobre las paredes, formando dramáticas manchas o en remolinos de materia que giran y te intentan atraer hacia el interior de las piezas.


Pero estas formas que estoy describiendo podrían sonar a piezas abstractas de básicas formas, trabajadas de forma burda, y nada más lejos de la realidad, ya que están llenas de piezas, cuidadosamente cortadas y superpuestas, para dar relieve, concluyen en un trabajo sofisticado y delicado, sin renunciar a la fuerza a la espectacularidad y quizás a la violencia.


Además no necesita más que una reducida gama de colores para conseguir todo esto, el blanco con sutiles toques de blanco y el negro más o menos gris...


Y nada más tengo que decir, como siempre os dejo están las imágenes que se explican bastante mejor de lo que yo lo estoy haciendo.


Este trabajo lo conocí aquí.

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Hace bastantes meses que mantengo correspondencia con Francisco Redondo sobre su afición por colaborar con los graffiteros y el servicios de limpieza de la ciudad de Gijón en embellecer con manchas los muros de la ciudad.


Aunque ni él ni yo somos los únicos en apreciar la belleza que puede subyacer en este tipo de intervenciones espontáneas, hay mucha información fotográfica en la web al respecto, me ha parecido interesante la manera en que Francisco ha logrado intervenir en el proceso, para convertirse en parte activa.


Como él me lo ha contado yo lo transcribo para que la información os llegue de primera mano.


La razón fundamental de todo esto, es el placer por mirar... siempre me pregunto como una persona que ve las manchas de una piedra, las formas de las nubes o los reflejos del agua hermosos, no pueden ver en un cuadro de Rothko (por ejemplo) la misma hermosura“, lo mismo sucede con esas manchas casuales que ya habitan nuestras calles y nadie considera.


Para mis intervenciones lo tengo muy fácil, los lugares que escojo están ya pintados y tachados una y otra vez, lo que yo hago es intervenir en alguna zona que me parece interesante para el conjunto de la pieza. Los servicios de maquillaje de la ciudad suelen pasar una vez al mes y pintan sobre lo pintado, el algunas ocasiones lo pintan todo del mismo color y vuelta a empezar.


Te explico un poco más de las cosas que pretendo con estas actividades:

• Nunca toco una pared sin pintar o pintada por los graffiti originales, sólo sobre paredes tapadas por la pintura "municipal".
  
• Intervengo en las zonas que yo creo que darán unión y continuidad a la composición final.
  
• Siempre busco paredes grandes y largas con buena visibilidad, para "crear" composiciones horizontales con apariencia paisajística.
  
• Busco la interrelación de varios actores, el graffitero, el tapa graffiti, yo y el ojo del que lo descubra.
  
• Busco llamar la atención hacia algo que está ocurriendo (que llena nuestras paredes), que no es buscado, que es casual y bello.

Los lugares de las intervenciones son:

• un muro situado al lado de un pabellón municipal, que también sirve como rocódromo.
  
• una pared al lado de un centro de salud, en una calle peatonal y debajo de los soportales de un bloque de viviendas.
  
• y la primera que mandé que es la que mejor cumple la función de paisaje, los bancos y las gentes que los habitan, los árboles que son como dibujos sobre el muro, el entorno, la luz y la horizontalidad que mantiene con el mar y la arena de la playa. Está situada en la playa del Arbeyal en el muro de una fábrica.

Pues eso es lo que hace Francisco en Gijón y a mí me ha gustado conocerlo. Quería compartirlo con vosotros, por si eso hace que prestéis más atención a estas manchas, cada vez más comunes en el paisaje urbano, que no logran mimetizarse bien con los muros en los que habitan, sacando a la luz increíbles composiciones de similitud cromática, que constantemente evolucionan, gracias a la interacción de varios actores con dispares intereses, pero que confluyen en el mismo espacio.


Además os dejo un interesante y sarcástico vídeo sobre el tema, The Subconscious Art of Graffiti Removal.



Gracias Francisco, por darme a conocer tu particular travesura.

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Muy interesante el último trabajo de la artista Naoko Ito que en su serie Urban Nature 2009, se ha dedicado a envasar grandes ramas dentro de pequeños tarros de cristal, de esos que se usan para guardar alimentos.


La imagen de las ramas cortadas en pequeños trozos, dentro de los botes y que a pesar de su fragmentación se siguen viendo completas, es de lo más turbadora, como si muestras de laboratorio hubieran sido ordenadas para completar un rompecabezas en 3 dimensiones.


Además de esta serie, las piezas en las que con finísima alambre envuelve paredes y troncos, también me ha gustado, aunque no tanto.


Y ya no tengo más que decir, bueno, sólo que he conocido esta obra aquí.

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Me gustan las intervenciones que la artistas Tora Windahl ha llevado a cabo en entornos naturales, concretamente aquellas en las que el bosque le ha servido de escenario y los árboles son su principal objeto de intervención.


Mi preferida, por supuesto, las estacas rojas con franja blanca sobre fondo con árboles... deliciosa. La de los arboles con sillas no esta mal, aunque al ser más sofisticada pierde un poco la magia.


Vaya, se nota que hoy voy con prisilla, no me lo tengáis en cuenta, además las fotos lo cuentan todo mejor que yo.


A la artista la he conocido aquí.

Etiquetas: arte, exteriorismo, instalacion, intervención, materiales, todos

Estuve en la Calle Pez, 21, la nueva sede del Patio Maravillas recién ocupada, el mismo día y a la misma hora que Gustavo Sanabria.


Recorrimos los mismos lugares, entramos en las mismas habitaciones pero os juro que no vi nada de lo que sus fotos me han mostrado hoy.


Habitaciones usadas y abandonadas, algunas saqueadas y desordenadas con saña, otras amenazadoramente apuntaladas y unas pocas intactas, como si un buen día el Flautista de Hamelín hubiera tocado su instrumento y todos los habitantes hubieran salido himnotizados para no volver, dejando tras de sí, retazos de vidas pasadas, que examinados con detenimiento, contemplan un puzzle devastado, apuntalado y triste.


Pero en todo esto yo no reparé cuando estuve allí y ha tenido que ser él el que me lo mostrara, con sus fotos de increíbles habitaciones, con chimeneas que ya no están y cuya ausencia ha dejado una profunda herida abierta en un escenario despejado y casi limpio. O en sus imágenes de esquinas, en las que consigue condensar en un mínimo espacio, la secuencia de un abandono precipitado.


Ojala algún día yo también pueda mirar... con los ojos de ver...


Las fotos las he conocido por el nuevo blog de Gustavo Sanabria que espero vaya llenando a buen ritmo de sus especiales imágenes.

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Sombras que se convierten en divertidos monstruos gracias al talento de Philip Worthington un licenciado en el Royal College of Art que creo sus Shadow Monsters, una versión digital de las tradicionales sombras chinescas, como proyecto fin de carrera.

Etiquetas: arte, sombras, videoarte

Hoy, siguiendo con el tema luz en el espacio público, no puedo dejar de nombrar la obra de una gran artista conceptual, Jenny Holzer que utiliza las proyecciones en el espacio público para lanzar al mundo sus mensajes subversivos e inquietantes.


En su serie Truisms (Tópicos), la artista nos asalta en la vía pública, con cuestiones de lo más trascendentes y que además tienen tantas respuestas como personas se paran a leerlas ya que lo que plantea está tan cargado de profundidad que no queda más remedio que reflexionar sobre ello.


Los mensajes se materializan en textos de luz banca y tipografía de palo, que envuelven grandes superficies, normalmente edificios públicos, que de golpe adquieren una presencia inquietante en el espacio urbano.


Sexo, violencia, amor, guerra o muerte son sus temas predilectos y hace de ellos bandera, por lo que en algunos casos su trabajo artístico se confunde con un gran activismo político que no deja de mandar llamadas de atención moral en forma de proyecciones, con la intención de despertar las conciencias sociales.


Literatura visual y arte como discurso político, esa es su manera de hacer arte...


Un gusto tremendo tener una pedazo de artista como Jenny en el ático.

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Hoy poco texto, para que no se os quiten las ganas de empaparos bien de la obra de una artista que insufla vida a las aburridas paredes de la ciudad y que a mi me encanta.

Etiquetas: arte, interacción, paredes, proyección, street art, tecnología, todos, videoarte

Notaréis que en los próximos días voy a centrar la mayoría de mis post en proyectos de iluminación, es que llevo un tiempo investigando artistas que trabajan con la luz en todas sus variantes y se me acumula el material, por lo que voy a dejar algunos por aquí para no olvidarlos.


Hoy empiezo con luces atenuadas, para no entrar haciendo daño a los ojos.


La Cloud Projections es una serie fotográfica sobre polución y contaminación que el artista Blake Gordon ha tomado en los cielos de Austin, Texas.


Este fotógrafo, ha capturado de manera poco definida, formas geométrias de luz, proyectadas en el cielo contaminado, sobre altos edificios.


Imágenes de increíbles cielos con apariencia futurista, iluminados y nebulosos, que no debemos olvidar, han sido generados gracias a la cantidad de polución sumado a la contaminación lumínica que flota en el aire.



He conocido este trabajo aquí.

Etiquetas: fotografía, iluminación, todos

El otro día, a raíz de mi entrada sobre Filippo Minelli, artista que me sorprendió con su radical giro hacia la simplificación extrema del lenguaje del graffiti, Guillermo me recomendó el trabajo de Influenza. Por supuesto, estuve mirando su obra y algunas me interesaron mucho, aunque no todas, tengo que decirlo, e iba a dedicarle un post con sus trabajos más minimos.


Hoy, leyendo Contraindicaciones me he encuentro con el artículo que yo no hubiera sabido escribir, sobre este artista y la tendencia del graffiti hacia las practicas minimalistas sin perder de vista el lenguaje de la calle, así que corto y pego el post y las fotos, que ilustrar a la perfección lo que se cuenta en el texto.

Si echáis un ojo a su trabajo también vereis intervenciones en el espacio publico, con mínimos elementos aunque si repaso toda su obra hay también bastantes cosas que no me hacen mucho tilín.


Parece que, si van por ahí los tiros, me va a volver a gustar lo que se pinta en la calle... gracias Pablo por tan interesante artículo.

Etiquetas: arte, conceptual, street art, todos

Preciosistas trabajos de la escultora Cal Lane que con gran sensibilidad es capaz de convertir pesados metales en intrincados y finos dibujos barrocos.


Cualquier básico o inservible objeto, de uso industrial, de construcción, herramientas de vertedero o de desguace, se convierte en sus manos, en una delicada pieza, en el que los patrones de antiguos encajes se adaptan a la perfección, a las más rudimentarias formas.


Así, sus obras se nos presentan repletas de poéticos contrastes entre lo industrial y la fantasía, la opacidad y las transparencias.

En resumidas cuentas, que es capaz de hacer que una vieja pala de jardinero se convierta en un voluptuoso objeto de deseo...

Y ya no digo más... mejor... vean... vean...

Ya conocía estos trabajos pero me los han refrescado aquí.

Etiquetas: destrucción, escultura, materiales

Hoy que no tengo demasiado tiempo para escribir y que ando bastante espesa de cabeza, además está lo de Haití, así que necesito desintoxicarme y lo voy a hacer con los trabajos de Rachel Whiteread, una artista que ya he tocado alguna vez por aquí y que me hace sentir a gusto, porque me gusta lo que veo de ella, aunque no demasiado cómoda, con ese gusto aparentemente inofensivo por el blanco.


Su obra es poética y algo triste, aparentemente minimalista, pero potentísima, ya que consigue dar rotundidad pasmosa a las piezas más básicas, con el uso del yeso o de las resinas, resaltando sus formas y también su esencia.


Me admira como es capaz de ennoblecer materiales simples y modestos como el cartón, la madera, la goma, el metal, el cemento... moldeándolos o recubirendolos de manera que adquieren una apariencia de lo más artesanal.


Tampoco hay que decir mucho más de un trabajo que a simple vista se puede disfrutar, sin tener que darle más vueltas, lo que ves es lo que hay sin trucos, que bastante complicada es ya la vida.


Inspiradora obra de una señora, pedazo, de artista... ¿y sus trabajos de arte público? es que no tienen desperdicio. Quiero más trabajos para el Ático como estos.


Ya conocía mucho de ella y las fotos las he sacado de Google.

Etiquetas: arte, escultura, instalacion, materiales, simplicidad, todos

Os dejo una serie del fotógrafo Semâ Bekirovic se llama Props y me ha impactado sin saber bien el por qué.


Bueno realmente si me pongo a pensar podría decir que posiblemente me atraiga el efecto que ha conseguido añadiendo a un paisaje desolado y desértico, elementos tan artificiales como esa especie de totems escultóricos que podrían hacer referencia a formas de arquitectura contemporánea, llenas de brillos. Aunque tampoco es que se haya esforzado mucho en su construcción... a lo mejor es que sigo pensando en Las Vegas... ciudad en la que nunca he estado...


En fin, que aunque tampoco es que el montaje sea nada del otro mundo, me he quedado un rato mirando las fotos, así que aquí lo dejo por si al alguien más le atraen.


Además añado algunas fotos de sus Billboards, que no es que me maravillen, pero que me hacen mirar con mejores ojos estos pegotes en la ciudad.


Pues vaya churro de post que me ha salido hoy, espero que sepáis perdonarme, mañana mejor.


Lo he conocido aquí.

Etiquetas: arte, fotografía, todos

Hoy quería dejar un trabajos del estudio rintala eggertsson architects que me han impresionado sobremanera.


Se trata de la construcción de una biblioteca para huérfanos refugiados en una aldea de Tailandia, cercana de Birmania.


Este proyecto social, fue llevado a cabo con la colaboración de estudiantes de la NTNU Universidad de Trondheim Noruega y el reto era construirlo utilizando materiales locales y técnicas de construcción tradicional.


Con este edificio, se intentó resolver de manera sencilla y barata los problemas de educación del orfanato pero además llevaron a cabo un estudio práctico sobre las condiciones constructivas del entorno, haciendo incapié en temas como la ventilación natural o la manera de generar sombra en el edificio.


La estructura final es de dos plantas, en la de abajo está la biblioteca propiamente dicha, con espacio para libros y ordenadores y la planta superior está acondicionada para que los pequeños puedan descansar y disfrutar de la lectura.


El edificio, ha sido construida a partir de piedra de lava natural del lugar, ladrillos de hormigón, madera y bambú.


Me gusta esta construcción porque a pesar de su modestia y aparente falta de recursos, consigue una atmósfera de confort y calidez, que invita a pasar tiempo en ella lo cual es raro de encontrar en edificios de uso públicos, en los que se usa y abusa de materiales fríos y técnicos que consiguen que no queramos pasar mucho tiempo en ellos.


Pero no es este el único trabajo interesante de este estudio, os invito a visitar su página web donde encontraréis mas construcciones de este tipo. Yo me quedo por ejemplo con su instalación de 1999 Land(s)cape, la llevaron a cabo para un festival de Finlandia con tradicionales graneros que elevaron y prendieron fuego, para simbolizar la rápida desertificación que se está produciendo en el país.


He conocido este trabajo aquí.

Etiquetas: arquitectura, ecología, materiales, sostenibilidad, todos, tradición

Si el otro día hablaba de la ciudad y sus obras de arte, como espacio para el deporte, hoy quería dejar aquí uno de los últimos trabajos del siempre ingenioso Michel de Broin.


Como de este artistas ya he hablado por aquí, aunque aun está en la zona oscura del ático, esa que no he tenido tiempo de restaurar fotograficamente, me voy a limitar a copiar lo que nos cuenta sobre esta pieza, que a decir verdad tampoco es de las que más me apasionan de él, aunque tengo que reconocer, que tiene gracia ver un espacio tan cuidado, barroco y bien construido, transformarse, por obra y gracia de un solo elemento, en una espacio para el baile más convencional.


La pieza se llamó, La Maîtresse de la Tour Eiffel y fue concebida para la Nuit Blanche 2009 de París, con aparente simpleza pero con una gran producción detrás, ya que para llevarla a cabo tuvo que construir una inmensa bola de discoteca, compuesta por 1000 espejos y 7 metro y medio de diámetro.


Después, la levantó con una grúa a 50 metros de altura y proyectó hacia ella potentísimos focos que al incidir con sus rayos en los cristales produjeron esos típicos destellos de discoteca, pero a tamaño gigante, que giraron y se proyectaron por todos los rincones del maravilloso Jardín de Luxemburgo.


Y ya que estoy con este hombre, no quiero dejar de mostraros otra de sus pieza, bastante más modesta, para la Nuit Blanche, esta vez en Toronto y esa sí que me ha encantado a pesar de no ser demasiado espectacular.


Se llamó Overflow y consistía en una anodina fachada que lanza un gran chorro de agua por una de sus ventanas, que cae a la calle, como si de una catarata urbana se tratara.


No puedo evitar pensar el efecto que debió producir entre los peatones que despistados se encontraran de golpe con semejante despropósito.


Y hablando de agua, también os invito a ver Fuite, una modesta pieza llena de encanto, en la que un chorro de agua sale, cual cantarina fuente, por los agujeros de un enchufe.


Hoy os dejo cosas más divertidas que ya tenía mala conciencia...


He conocido esta obra aquí.

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Hoy quiero dejar en el Ático, un modesto homenaje al Patio Maravillas, un centro social ocupado, en el que en estos dos últimos años se han estado gestando muchas de las cosas importantes, social y culturalmente hablando, de la ciudad de Madrid. Y todo ello autogestionado por un montón de gente, con grandes ilusiones, ideas claras y nada de presupuesto.


Lo han desalojado sin previo aviso, la víspera de la festividad de Reyes, cuando todo el mundo andaba comprando los últimos regalos, dando así curso, a una orden judicial, que como es habitual, ha hecho prevalecer la propiedad privada, al interés social de un barrio.


Pero que no me digan que la propiedad privada es sagrada, cuando cada vez que interesa, se expropia patrimonio, esgrimiendo razones dudosamente fundadas...


Pero claro, es que hay que saber quién es el dueño del edificio en cuestión, para entender tanto interés en dejar vacío este espacio, que estuvo desocupado un montón de años y al que en este momento sólo se puede dar un uso cultural. Lo que tengo claro es que las prisas no deben ser para construir un centro cultural, ni un colegio, veremos cuanto tarda en reconvertirse en viviendas de lujo...


Antes de copiar el comunicado de prensa que ha enviado El Patio, en el que nos explican lo que este espacio representó en nuestra ciudad, tengo que contaros que el último año, yo también he vivido este espacio desde dentro, ya que pertenezco, aunque no tan activamente como debiera, al Taller de Arte Urbano que nació y tuvo su sede allí.


Se nos proporcionó desinteresadamente, un espacio donde artistas y personas afines, nos reuníamos para hablar sobre arte urbano, la ciudad y el espacio público. También pudimos exponer y ver trabajar en directo a gente que admiramos, además algunos de los componentes del colectivo, se ocuparon de organizar talleres para que otros compañeros artistas tuvieran espacios donde trabajar, sin tener que pagar por ello y no quiero dejar de mencionar las agradables veladas veraniegas, viendo documentales sobre arte urbano, en la terraza que tanto vamos a echar de menos.


Comunicado de la Asamblea del Patio Maravillas tras el desalojo de Acuerdo 8:

Lo que la policía ha desalojado hoy en Madrid no es solo un centro social ocupado. Es mucho más que eso: Han desalojado un taller de bicis, una asesoría laboral, un espacio para niños y niñas, una sala de ensayos. Un taller de idiomas, uno de arte, de cuentos, de vídeo. Un laboratorio tecnológico. Un comedor, una cafetería.

Desalojan un espacio en el que se han realizado más de 1000 actividades puntuales, cientos de charlas, de conciertos, de proyecciones y debates. Un espacio por el que han circulado decenas de miles de personas. Desalojan el espacio que ha sido la sede durante dos años consecutivos del nodo local del Foro Social Mundial. Desalojan un espacio que cuenta con el apoyo de un centenar de entidades sociales, políticas y culturales.

Desalojan también a una comunidad de gentes de esta ciudad que se ha organizado y ha abierto espacios para que otros puedan hacerlo. Que ha lanzado campañas. Que ha defendido iniciativas comunes contra la privatización de la sanidad, de la educación, de la cultura. Que ha puesto contra las cuerdas y ha visibilizado los Centros de Internamiento para personas migrantes en nuestra ciudad. Que ha luchado contra la privatización de la cultura. En fin, que ha ejercido la ciudadanía de forma activa.

Para desalojar eso creían necesario desplegar un montón de lecheras y varias decenas de agentes que han cortado el acceso a todas las calles adyacentes a la calle Acuerdo y al Patio. Como si se tratara de una escena de guerra, avasallando a los vecinos y vecinas (avasallar: sujetar, rendir o someter a obediencia). Han intentado imponer esa obediencia mediante el estado de sitio en el barrio. Pero ni siquiera así van a conseguirlo. Paradojas de la labor policial: todo ese despliegue para luego esperar hasta que la mayoría de la gente saliera del Patio para ir a trabajar y y asaltar a una de esas personas cuando salía por la puerta. Así de “sencillo” ha sido el desalojo del Patio. Todo ese despliegue cuando ahí no había ningún peligroso delincuente, cuando no se ha producido ningún tipo de choque físico entre la policía y quienes allí estábamos defendiendo el Patio. Todo ese despliegue y, sin embargo, ingenuos, no saben que así no logran desalojar lo que el Patio significa, lo que el Patio es...

Para leer el comunicado completo y saber más cosas sobre el pasado y el futuro, podéis hacerlo en la página de El Patio.


Por suerte para el barrio, al que casualmente pertenezco, el Patio sigue vivito y coleando y esta misma tarde ya se podía visitar la nueva sede ocupada en la Calle del Pez 21. El edificio es increíble, cantidad de espacio libre para que mucha gente haga cosas en él, aunque hay que trabajar muy duro porque está en pésimas condiciones.


Según leo el edificio abandonado durante varios años, pertenece a una inmobiliaria que se encuentra en situación de quiebra, quedando por tanto el inmueble en una situación de embargo judicial.


De todos modos, espero que las negociaciones, que se están llevando a cabo con el ayuntamiento, lleguen a buen puerto, sé de primera mano que algunas personas, desde dentro de esta institución, están arrimando el hombro dentro de sus posibilidades, para que proyectos de autogestión en espacios vacíos salgan adelante.

Un ejemplo pionero, en el que tengo el orgullo de estar metida, es la recientísima cesión temporal por parte del ayuntamiento de Madrid, del solar de Doctor Fourquet, conocido como Esta es una Plaza.


Lo prestan, para que se convierta en un espacio público donde todos los vecinos puedan reunirse, cultivar, jugar, exponer, trabajar, descansar, compartir y pisar verde... poquito a poco y entre todos iremos consiguiéndolo, por ahora estamos trabajando los domingos de 12 a 15.


Las fotos que ilustran este post son de Alberto de Pedro, y las he sacado de la página del Festival de Crítica Urbana, un evento autogestionado, que tuvo lugar en El Patio el verano pasado.

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Imágenes tomadas por el artista/skateboarder, Raphael Zarka que me han inspirado y reconciliado un poco con ese arte público, no urbano, que habita en plazas, parques y glorietas y que las instituciones se empeñan en coleccionar, teniendo que pagar cantidades desorbitadas de dinero, para que en muchos casos, acaben convertidas en tristes museos al aire libre que ya casi nadie recuerda y que van deteriorándose solitariamente...


El artista ha retado a skaters, a patinar sobre varias esculturas de corte minimalistas, elegidas no tanto por su valor estético, sino por la vistosidad de movimientos que se pueden realizar en ellas y ha congelado estos momentos en imágenes en blanco y negro.


No se si al insigne Richard Serra le agradará que sus esculturas tengan un uso algo más lúdico, pero a mí me complace, ya que están ocupando un espacio público, que se supone, que es de todos, que la gente haga uso de ellas como su imaginación le permita, por supuesto, respetando la integridad total de las piezas.


He conocido este trabajo aquí, de donde también he sacado las fotos.

Etiquetas: arte, escultura, exteriorismo, todos, urbanismo

Estaba buscando algún tema para felicitaros el año, que fuera amable y esperanzador, pero no he estado demasiado inspirada. También pensé hacer una lista, como es tan habitual en la blogosfera en estas fechas, con las mejores piezas de arte vistas durante el 2009, empresa que tampoco he podido acometer por la abrumadora cantidad de trabajos interesantes gestados durante este periodo.


Así qué, siguiendo a mi admirado Paul de Inicios y pensando en la que se nos viene encima con los escáneres de los aeropuertos, la videovigilancia en las ciudades y demás medidas pensadas por "nuestra seguridad", he decidido que nada mejor traído, que la intervención realizada por Luzinterruptus, Feliz 1984 para festejar que las elucubraciones distópicas de George Orwell para 1984, han tardado 15 años en cumplirse...


La explicación sobre este trabajo, se las dejo a ellos, y la imágenes se las tomo prestadas al tremendo fotógrafo Gustavo Sanabria.


"Desde el castizo barrio de Lavapiés de Madrid, donde ya están funcionando 48 nuevas cámaras de vigilancia, instaladas "por nuestra seguridad", queremos desearos un Feliz 1984.


Con la intención de evidenciar que las hipótesis distópicas de George Orwell cada vez son más reales, hemos llevado a cabo la acción "Feliz 1984" eligiendo cuidadosamente 3 ubicaciones de máxima vigilancia del barrio, en las que encendimos un total de 500 velas de cumpleaños, que soplamos con mucha devoción, deseando que el Gran Hermano no siga ganando terreno en la ciudad.


Además, hemos querido unirnos a las acciones y movilizaciones reivindicativas, iniciadas por artistas, diseñadores y vecinos, contra la videovigilancia, en un barrio, en el que la tolerancia y el mestizaje, ahora parece estar bajo sospecha".


Otro día os cuento, la intervención participativa Recuerdos Enjaulados, que han llevado a cabo ayudados por los vecinos de Lavapies...


Feliz 2010.

Etiquetas: arte, exteriorismo, iluminación, instalacion, intervención, todos

Coincidiendo con la muestra What We Learned, que se puede visitar en la universidad de Yale, en la que se hace un repaso nostálgico al viaje que Robert Venturi, Denisse Scott-Brown y un grupo de estudiantes de Yale, realizaron a Las Vegas, y que dio lugar a uno de los más influyentes libros sobre arquitectura de los últimos tiempos, Learning from Las Vegas... he conocido un album de Flickr, Neon Sign Boneyard, en el que su creador arZan ha recopilado fotos en la que el protagonismo lo tienen, esos rótulos luminosos, imprescindibles en el paisaje de las Vegas, desmontados y en total estado de abandono.


Y como yo no soy quien para elaborar teorías sobre la vigencia o no de los enunciados del postmodernismo, os dejo las fotos, para que el que se sienta capaz, reflexione sobre si el modelo, "ciudad como parque temático", del que nos hablaron estos arquitectos, sigue aún en vigor o es ya una tendencia pasada.


Yo me quedo con las imágenes, bastante nostalgicas y con una calidad artística media, pero que vistas juntas, conforman un viaje fotográfico a los cementerios de neon de Las Vegas, que me ha dejado algo triste...


He conocido estas imágenes aquí.

Etiquetas: arquitectura, destrucción, fotografía, todos