Me encanta la obra de la artista Kara Walker, no sólo porque es una grandísima creadora de sombras, sino porque además, de una manera fácilmente comprensible, sabe tocar temas tan polémicos como la esclavitud, la violencia, el amor, el sexo, las relaciones, el estatus de la mujer, la opresión, la vida en áfrica... imperdonable que no la haya traído por aquí antes.
La técnica y temática que emplea, hace que su obra sea muy reconocible, sus siluetas con tocados y vestimentas propios del siglo XVIII y del folclore popular, en actitudes aparentemente satíricas son inconfundibles.
Las piezas que más me gustan, son las que recorta en cartulina negra y coloca sobre fondos blancos o de luz, logrando que se asocien a sombras chinescas o a las linternas mágicas utilizadas en los inicios del cinematógrafo, esto ayuda bastante a que nos metamos de lleno en unas historias, que podrían haber sido sacadas de antiguos libros de texto de la guerra civil americana, bueno, eso si hubieran sido ilustrados con alguien con muy mala leche.
Porque sus narraciones visuales, que parecen amables a simple vista, cuando son miradas con detenimiento, nos descubren una sátira sobre el género humano y una aguda crítica al mundo contemporáneo y al estilo de vida americano.
La iluminación de las salas en las que expone, es también parte fundamental de la obra, porque consigue que las sombras de los propios espectadores se integren con la pieza, pareciendo que el visitante formara parte de sus historias, brutales e irónicas.
Así es como esta mujer logra, valiéndose de una iconografía aparentemente sencilla y fácilmente asimilable, en la que se ha eliminado todo lo que no contribuye directamente a la narración, tocar en profundidad temas tan difíciles de asimilar como el racismo, el apartheid, la explotación, las injusticias sociales, la esclavitud, los roles...
Pero bueno, todo esto se aprecia mejor observando detenidamente su trabajo, hay montón de documentación en la red, ya que su obra es muy respetada y ha expuesto en los mejores museos. Yo os dejo algunas muestras por aquí que he encontrado en google.
Por cierto si alguien tiene 1.000 dólares y se quiere dar un capricho, su libro pop up Freedom, a Fable: A Curious Interpretation of the Wit of a Negress in Troubled Times, se puede encontrar en la tienda del Moma. ¡Quién lo pillara!.
Etiquetas: arte, conceptual, humor, sombras, todos, tradición
Hoy, unas pocas imágenes de una poética intervención que ha llevado a cabo el estudio Lang Baumann, de los que ya hablé aquí, esta vez dentro del festival Wola Art que se desarrolla en el barrio de Wola en Varsovia.
Las imágeneslo explican todo, así que no añado nada más.
Lo he conocido aquí.
Etiquetas: arte, instalacion, naturaleza
Tempus Fugit parece querernos recordar el artista Tatsuo Miyajima, de manera visual en cada una de sus piezas.
Las instalaciones, de carácter escultórico, están formadas por pequeñas pantallas digitales, que muestran secuencias numéricas, que avanzan o retroceden a diferentes velocidades en cada pantalla, como queriendo representar el transcurrir del tiempo, lento o rápido, dependiendo del estado de ánimo de cada persona.
Aunque yo no las he visto in situ, según he leído, en un principio el que mira las piezas muestra interés en descubrir el sentido de estas secuencias numéricas, pero pronto, puede quedar hipnotizado con el ritmo y la cadencia continuada y seguro que deja de preocuparle por el porqué.
Basándose así en conceptos como el cambio, la conexión y la continuidad, el artista ha creado una compleja reflexión sobre el tiempo, la filosófica y el budismo.
Algunas de sus piezas además son formalmente muy bellas.
Lo he conocido, no recuerdo donde y las fotos las he sacado de google.
Etiquetas: arte, escultura, iluminación, materiales, tecnología, todos
Un proyecto que me ha hecho gracia y quería dejar aquí, aunque dudo que tenga un uso práctico más allá del meramente estético.
Dando una vuelta más al concepto de jardín portátil o del cultivo de alimentos por uno mismo, en cualquier momento y lugar, el recién graduado Gionata Gatto, ha creado unas maletas cultivables, compactando tierra y dándole la forma requerida para que se asocie claramente a este objeto.
En ellas ha sembrado, tanto alimentos, como plantas ornamentales, que con suma facilidad se pueden transportar de un sitio a otro.
En fin, yo como he dicho, tengo mis dudas, pero para una intervención en el espacio publico por un breve espacio de tiempo, podría valer.
El autor da más explicaciones sobre su proyecto aquí, donde nos habla de las diferentes culturas con sus particulares formas de alimentarse, etc, etc... yo lo dejo ya, que la cosa no creo que de para mucho más.
Lo he conocido aquí.
Etiquetas: ecología, jardines, materiales, objetos, todos
Casi irreales localizaciones las que ha llevado a cabo el fotógrafo Youngsuk Suh para su serie Untitled Exteriors, más propias de un decorado, cuidadosamente diseñado, que de encuadres sacados de la calle.
Este hombre ha sabido añadir el epíteto "perfecto" al hormigón, a los paisajes industriales, fríos y solitarios de las grandes urbes. Y no sé, al mirarlo me parece como si fueran a salir personajes de una obra de teatro mientras los paneles de hormigón se deslizaban por aquí y por allá para cambiar las escenas.
No puedo dejar de mencionar también esas habitaciones vacías de blancas paredes, de su serie Untitled Rooms, duras, impecables, treméndamente frías y solitarias, agggghhhhh.
Para intentar entrar un poco en calor, sin resultado por mi parte, podéis echar un ojo a otra de sus series, Wildfires, más pictórica y que se ambienta en entornos naturales, nebulosos y con artificiales toques de verde.
Mañana intentaré haceros entrar en calor.
A este autor lo he conocido aquí, y a pesar de su frialdad, me ha conmovido.
Etiquetas: arte, fotografía, todos
Robert Smithson, uno de los más importantes representantes del movimiento Land Art y creador de la famosísima Spiral Jetty, tuvo la idea de crear una isla flotante alrededor de Manhattan, 3 años antes de su muerte.
30 años llevaba muerto cuando el proyecto Floating Island to Travel Around Manhattan Island bocetado por el artista, fue materializado por el Whitney Museum, en colaboración con la organización Minetta Brook y bajo la supervisión de la esposa del artista Nancy Holt, como complemento a una retrospectiva que tuvo lugar en dicho museo.
En un dibujo, realizado en 1970, Smithson evocó una isla flotante que giraba alrededor de Manhattan sobre una plataforma tirada por un remolcador sobre la que crecía un hermoso paisaje de rocas, árboles y caminos y exactamente eso, fue lo que finalmente se llevó a cabo en el 2005.
La isla flotante fue construida sobre una barcaza de 30 x 90 pies y estuvo en el agua 10 días. Según he leído, era como si un pedazo de Central Park hubiera salido despedido y ahora flotara en el río, girando lentamente como un satélite verde, alrededor de la isla de Manhattan.
Me hubiera encantado encontrarme en mis paseos por la ciudad, el extraño perfil de esta isla flotante, sin saber nunca donde iba a aparecer, un extraño no lugar a la deriva, pero tan familiar como un paseo por los senderos de Central Park.
Poner un pedazo de naturaleza sobre un barco... desde luego, un hermoso sueño de artista hecho realidad.
Las imágenes las he sacado de google.
Etiquetas: arte, instalacion, jardines, todos
Me gustan las fotos de la serie Mobile Homes, realizadas por el artista Peter Garfield. Y es que, no se bien por qué, la primera vez que las vi, me invadió una sensación de alegría y de ligereza que no estaba acostumbrada a experimentar contemplando lo que yo suponía eran unas fotos retocadas.
Ver esas casas de madera, tradicionales de los suburbios de Estados Unidos, flotando despreocupádamente en el cielo azul como si fueran una ensoñación, me hizo sentir algo así como "sencillamente contenta" como si estuviera contemplando unos dibujos animados infantiles.
Pero hoy, al investigar más sobre estas imágenes para el post, me he quedado impresionada al comprobar que no hay nada inocente, sencillo y ligero en su elaboración y que tampoco habían sido fruto de un buen trabajo de photoshop.
Para realizar esta serie de 17 fotos, el autor ha arrancado y elevado en helicópteros las casas y una vez que estaban a gran altura, las ha arrojado contra el suelo.
Lo que se ve en las fotos pues, es un momento congelado del trayecto de la casa, desde el momento que se soltaron los cables y la casa se precipitó al vacío.
No es que el proceso me condicione especialmente para evaluar el resultado final de los trabajos, pero bueno, quería contárlo porque me parece curioso en este caso en particular, cómo un disparo rápido hecho en el momento apropiado, puede... cómo decirlo... limpiar o purificar... de repente... un trabajo tan elaborado y poco inocente.
No recuerdo dónde lo conocí, porque ya hace tiempo de eso.
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Ya tenemos la ciudad llenitas de luces, a la espera del mágico encendido navideño que borre todas las penas, a golpe de consumo eléctrico y nos devuelva la alegría por las compras y el despilfarro, que parece haberse perdido...
Tree
Amphibious Architecture
Etiquetas: arquitectura, ecología, efímero, exteriorismo, iluminación, instalacion, jardines, materiales, sostenibilidad, todos
Dos recreaciones de la clásica casa en el árbol, me han llamado la atención estos días y quería dejarlos por aquí, porque me ha parecido interesante enfrentar dos proyectos hechos partiendo del mismo elemento y con similares materiales pero con resultados tan diferentes.
La primera es una casa gigante de Crossville, Tennessee, llamada Minister’s Treehouse, levantada en medio de un grupo de arboles que parecen enredarse y compartir espacio con los habitantes, como si la casa siempre hubiera estado allí y los árboles se empeñaron en crecer en el mismo sitio.
Pero no es así, primero estaban los arboles y después, el reverendo Horace Burgess construyó la tremenda casa, integrando los arboles en la construcción, tanto es así, que cuando se cubren de hojas, la casa queda totalmente escondida dentro.
Tiene 10 pisos de altura y una planta de 10.000 pies. Ha sido construida mano por el reverendo, íntegramente en madera y el material empleado ha sido recuperado de antiguas construcciones de los alrededores y completada con otros materiales de deshecho, la mayoría donados al reverendo por los vecinos de la zona.
El edificio está pensado para uso del que lo necesite, y bajo su apariencia caótica e inestable, alberga un coro, pista de baloncesto, espacios para reuniones... y se ha convertido en una de las atracciones turísticas de la zona.
Podéis encontrar mas información aquí y aquí, donde yo lo descubrí y de donde he sacado las fotos.
El segundo proyecto, de apariencia más sofisticada y estética, es el Memorial for Tree of Knowledge, un homenaje al árbol de la ciencia, construido por el estudio m3architecture en Queensland, Australia, con la intención de marcar, de manera simbólica, el lugar donde se constituyó el Partido Laborista de Australia.
Para ello los arquitectos partieron de un árbol muerto, que dejaron como centro de la construcción, enmarcando la copa sin vida en un cubo de madera formado por listones separados para que pase la luz.
La estructura parece flotar, apoyada sólo en el débil tronco del árbol, cuyas raíces han sido dejadas a la vista, protegidas por un cristal.
Desde el exterior de la construcción, del árbol solo se ve el tronco, teniendo que meterse uno dentro de la estructura para ver las ramas que se elevan, hasta enredarse con los miles de palos suspendidos en su interior, componiendo suaves formas curvas y armónicas.
Un delicado y sofisticado espacio para quedarse meditando un buen rato, sobre lo que ha llevado a que un árbol tan bello, haya acabado muriendo y sirviendo de excusa para un memorial.
Podréis ver más detalles de esta construcción aquí. Las fotos también han he sacado de ahí.
Y ahora, que cada uno decida, cuál le gusta más.
Etiquetas: arquitectura, ecología, naturaleza, todos
De la obra del Martin Kippenberger, un artista con gran sentido del humor, hoy me quiero quedar con una que habla de gobalización, un concepto que aun sin tener nombre, él ya manejaba hace más de 15 años.
La obra se llamó Metro-Net, y era un ambicioso proyecto que comenzó en 1993 y que pretendía crear una amplia red de entradas de metro falsas, por todo el mundo.
La primera entrada fue construida en la isla griega de Syros y otras adicionales en Dawson City West (Canadá) y en Münster, Alemania.
Los que bajaban las escaleras eran recibidos por un portón de hierro con el sello de un fictico club selecto exclusivo para hombres, formado por una hoz, unos pechos de mujer y las siglas NBN, Nadie ayuda a nadie.
El proyecto original, incluía hasta 16 entradas de metro y rejillas de ventilación en diferentes ciudades del mundo, pero no se pudieron llevar a cabo, por la muerte prematura del autor en 1997. Algunas fotos de los que iban a ser sus próximos proyectos, mostraban por ejemplo, que planeaba situar una de las entradas dentro de un lago.
Irónico, sencillo de entender y humorístico proyecto el de este artista, que creía en la hemosa fantasía de conectar ciudades de distintas partes del mundo, por medio de una red de metro.
He conocido el proyecto aquí de donde he sacado fotos. Otras son de la que creo web oficial del proyecto, aunque tengo grandes dudas sobre las piezas que realmente llevó a cabo y las que son solo simulaciones.
Etiquetas: arquitectura, arte, escultura, exteriorismo, humor, instalacion, todos
Esta semana definitivamente, La Biennale se ha convertido en el tema principal de mis post, pero es que no puedo evitar relamerme con algunas de las piezas que allí se pueden visitar.
Además, sin tener que salirme del apasionante mundo de las sombra y las proyecciones, puedo aprovechar para rendir un admirado tributo, a un artista genial que tengo que reconocer, no conocía y eso que lleva más de 30 año trabajando .
Su nombre: Krzysztof Wodiczko, el trabajo que me interesa: proyecciones cargadas de mensaje en edificios públicos, su particularidad: la implicación política y social de toda su obra, para lo que se vale de un medio, en el que se suele cuidar más la estética y la composición, que el mensaje activista y comprometido.
Wodiczko es conocido por sus más de 70 proyecciones de gran escala al aire libre sobre edificios emblemáticos y monumentos públicos, en los que él ha proyectado, tanto imágenes fijas, como en movimiento, llenas de una crítica social y conciencia política, destinada a plantear cuestiones fundamentales a los que están observando.
Algun ejemplo de su magnífico trabajo, es por ejemplo las proyecciones en edificios, de manos y caras de personas, que hablan de experiencias personales o de los traumas que han sufrido, lo que permite una difusión pública de cuestiones que por lo general se suelen mantener en privado.
Una de sus trabajos más polémicos fue llevado a cabo en 1985 y consistió en la proyección, sobre la fachada de la embajada de Sudáfrica, de la imagen de una gran esvástica, en una manifestación contra del apartheid.
Hiroshima Projection, realizada para el aniversario del lanzamiento de la bomba atómica. Sobre uno de los edificios que sobrevivió a la masacre, proyectó el testimonio de distintas generaciones descendientes de los sobrevivientes, no sólo de japoneses sino también de inmigrantes que entonces vivían allí y que fueron olvidados por los libros de historia.
Guest 2009, su trabajo para la Biennale 2009, consistió en la proyección de escenas de la calle protagonizadas por inmigrantes, gente sin techo que son huéspedes permanentes del espacio público. En una habitación completamente cerrada, recreó la vida de una calle, vista a través de grandes ventanales, en ella, los sin techo pasean, hablan, limpian ventanas, descansan... en una visión virtual, de un catálogo de escenas, de lo más cotidianas.
Hay otros ejemplos igualmente interesantes, de un trabajo que siempre incide en la manera en que la arquitectura y monumentos reflejan la memoria colectiva, dejando oír la voz de los marginados que abitan a la sombras de estos edificios representativos. Para conseguirlo, además de las imágenes, añade documentos sonoros, alterando las tradicionales funciones del espacio público y la arquitectura para introducir en ellos conceptos como violencia, alienación, deshumanización, discriminación...
Wodiczko también ha desarrollado instrumentos que facilitan la supervivencia de las personas sin hogar.
Un proyecto controvertido fue el diseño de sus Homeless Vehicles, especiales para personas sin hogar, que fueron ideados tras consultar con vagabundos de New York. Los carro podría ser utilizado para transportar pequeños objetos recogidos en la calle y además se usaban como refugio básico.
Su trabajo más reciente es la construcción de objetos electrónicos de alta tecnología, diseñados para fomentar la interacción entre los inmigrantes y el público.
Impresionante trabajo, sí señor.
Casi todas las fotos las he sacado de google.
Etiquetas: arte, iluminación, intervención, proyección, sombras, tecnología, todos, videoarte
Ya que estaba hablando de sombras y de La Biennale no puedo dejar de mencionar el trabajo de Paul Chan, un artista y activista político que emplea el vídeoarte y las proyecciones para criticar las rancias costumbres y la política americana.
El por qué este hombre no ha estado antes en el Ático es algo que no me explico, bueno sí, se trata otra vez de la web del artista, durilla de asimilar.
Su trabajo para La Biennale, Sade for Sade´s Sake, en la que se representan escenas de la obra 120 días de Sodoma de El Marqués de Sade, me va a servir como preámbulo para hacer un repaso a su ejemplar y comprometido trabajo con la luz y las sombras.
El significado más profundo de este trabajo, lo explica el autor en la entrevista Lets talk about sex así que yo me voy a parar en los detalles más formales de la instalación.
Se trata de una proyección de casi 6 horas de duración de todo el catálogo sexual del famosos marqués protagonizado por siluetas, que escenifican su papel con movimientos repetitivos y desapasionados que parecen más secuencias matemáticas que escenas de sexo.
Según cuentan en este artículo, la pieza está estructurada en forma de una balada, la proyección se compone de cuarenta y cinco escenas que se relacionan entre sí como las líneas de un poema.
Las imágenes muestra cuerpos desnudos en rítmicos movimientos orgásmicos, que conviven con formas geométricas flotando entre los cuerpos. A medida que la pieza avanza los cuerpos van interactuando con mayor intensidad hasta que la proyección estalla descomponiéndose en miembros y partes de objetos, en una abstracta manifestación de imágenes de sexo, mezclado con conceptos de la libertad, violencia o la razón y el arte.
Esta pieza al igual que otras del autor , se proyecta en una superficie irregular que incluye
ventanas, radiadores y columnas, con lo que se pone en práctica lo que Chan ha llamado el materialismo espectral de la proyección de imágenes en movimiento y su relación con los espacios arquitectónicos estáticos.
Hay un montón de vídeos en google para que investiguéis sobre la obra.
Otros de sus trabajos con luces y sombras es The 7
Estructurada en el trascurso de un día, cada una de las 7 proyecciones comienza pacíficamente, con los colores cálidos de la madrugada, poco a poco la atmósfera cambia, las siluetas de los objetos se levantan en el aire y se desmantelan por fuerzas oscuras, mientras sombras humanas caen en picado hacia el suelo.
Como en una pesadilla, la secuencia se vuelve cada vez más horrible, hasta que, cuando llega la noche, se desvanece y vuelve la paz, a la espera del nuevo día donde todo se vuelve a repetir.
Según explican los que saben, este trabajo podría estar relacionado con la narración bíblica del origen del mundo y su inminente fin, como si se tratase de una alegoría de los siete días de la creación, aunque parece bastante obvio que se podría estar refiriendo a otras tragedias más contemporáneas como el 11 de septiembre , la guerra en Irak o la violencia terrorista, así lo he interpretado yo.
En la web del New Museum podéis ver todas las proyecciones de The 7
Bueno por hoy ya lo dejo aquí, pero os invito a que visitéis por su impracticable web, merece la pena intentar conocer más trabajos de este interesante y polifacético artista.
Las fotos son de google.
Etiquetas: arte, iluminación, proyección, sexo, sombras, tecnología, todos, videoarte
La Biennale como es lógico, me sirve de referencia constante en mis post y hoy es otro día en el que me apetecía dejar aquí una piezas que he encontrado navegando por su interesante programación.
Se trata de una piezas en la que las sombras son protagonistas y esta vez no han sido producidas con sofisticados medios audiovisuales, sino de una manera básica, por eso me encanta. La ha llevado a cabo el reconocidísimo artista conceptual Hans-Peter Feldman y su nombre es Schattenspiel (Shadow Play).
Es una deliciosa pieza, en la que el artista se valió de una serie de juguetes y baratijas en estructuras rotatorias que iluminó por unos focos laterales, lo que generó preciosas sombras difuminadas, girando proyectadas en una pared, simple.
En esta pieza, pienso que el artista, sigue la línea de sus trabajos conceptuales más representativos, porque si siempre ha utilizado la fotografía para engrandecer objetos aparentemente modestos y comunes o documentar aspectos y momentos efímeros que al final son los que conforman nuestra existencia cotidiana, con estas sombras, consigue elevar corrientes objetos tangibles, a la categoría de magia.
Me encanta, en este video, a partir del minuto 3.47, podéis ver la instalación en funcionamiento. Las fotos las he sacado de google.
Adrián Lee me cuenta que otro artista Ralph Kistler ha llevado a acabo una pieza de similar llamada Cuentos Chinos para una exposición en el TEA, Tenerife Espacio de las Artes.
Y tiene razón, la pieza es increíblemente similar en los resultados y curiosamente son paralelas en el tiempo, por lo que ninguno puede decirse que copiara la otro, ya que se exhibieron a la vez.
En el caso de Ralph se valió de productos comprados en tiendas de chinos, de colorido plasticurri, que colocó sobre proyectores de transparencias y que mediante motores individuales fue dando movimientos autónomos, para ello tuvo que hacer un despliegue de cables y circuitos que podéis ver en la completa documentación que nos muestra en su página web.
Os dejo fotos del resultado, que son de lo más vistoso.
Gracias Adrián Lee por contármelo.
Etiquetas: arte, iluminación, instalacion, sombras, todos
Imperdonable ausencia en el Ático de un artista, Héctor Zamora, que me encanta y que, porque su web me daba pereza, he ido dejando postergado para otro momento.
Pero hoy me he topado con uno de sus últimos proyectos, Bananas en Bogotá en el que tapió con plátanos las ventanas de un piso así que sobreponiéndome a mi pereza, lo he invitado al Ático, donde tendría que haber estado hace tiempo.
Sus proyectos en el espacio público son admirables, muchos con un componente de crítica social muy potente, otros del gran delicadeza y simplicidad, han sido pensados para embellecer el entorno o para invitar a ser usado por sus ciudadanos.
No hay temática que se le resista, pero a mí me gustan sobre todo aquellos trabajos en los que emplea materiales naturales, básicos, reciclados o propios del entorno en el cual se va a realizar la instalación. Con ellos consigue transmitir su mensaje, muchas veces con el simple gesto de sacárlos de su contexto original.
Alguno de mis trabajos favoritos son además del de las bananas, Geometrias Daninhas que llevó a cabo para la Bienal de Sao Paulo 2006, en el que creo islas flotantes de vegetación autóctona. También para esta bienal montó una zona de recreo con neumáticos que simplemente tuvo que depositar en el agua, atados para que no se escapasen.
Para la Bienal de La Habana construyó parques infantiles a base de tejer con simples cuerdas unas telas de araña con las que los niños podían jugar y trepar a los arboles.
Con Basurama realizó una intervención en el 2005 llamada Unidad Habitacional, en la que, recolectando cajas de la calle, fueron construyendo un simulacro de habitat para una hipotética tribu en busca de nuevo asentamiento urbano.
Hay muchas más obras que me gustan y de las que dejo fotos por aquí.
Sus incursiones en los espacios cerrados tampoco tienen desperdicio, ya que siguen la misma filosofía de uso de materiales simples, pero estas ya las dejo para que investiguéis por vuestra cuenta.
Queda pues subsanada esta imperdonable ausencia.
Lo he recordado aquí.
Etiquetas: arte, exteriorismo, humor, instalacion, intervención, street art, todos
La obra de Yochai Matos es un buen ejemplo de lo que se puede conseguir usando extensivamente, un modesto y primitivo material de iluminación como es el tubo fluorescente de toda la vida.
No es que estas instalaciones sean lo más original que he visto con este material, tampoco las que más me gustan, cuantos artista lo han usado de manera magistral, pero bueno, hoy quería iluminarme un poco y desde luego las instalaciones de este hombre desprenden luz en cantidad.
Además de obras con luz, también trabaja en las calles de Tel Aviv. Os invito a echar un vistazo, ya que el contexto en el que las lleva a cabo, no es el más habitual en el mundillo del arte urbano.
Gracias Jorge por el chivatazo.
Etiquetas: arte, escultura, iluminación, instalacion, materiales, todos
La obra de Mike Bouchet que quiero dejar por aquí, tiene mucho que ver con el agua, también con el concepto tradicional de hogar, que él nos presenta destruido o en peligro.
Este famoso artista, lleva años construyendo entre otras mucha cosas, sus esculturas jacuzzi, en las que tomando como referencia estos objetos de pretendido lujo, los transforma de manera radical, obligándolos a adoptar formas inservible o con aspecto de material de deshecho.
En algunos casos parece que la bañera hubiera sido obligada a adoptar la forma de un embalaje cualquiera, como si mediante una fuerza extrema una superficie impecable y dura se hubiera convertido en una masa informe y arrugada dentro de un contenedor que no es el suyo.
En otros casos moldea las piezas con sumo cuidado, para darles formas intrincadas e imposible de usar también irónicas. Pero sea cual sea el aspecto que adoptan, se sigue reconociendo en ellas lo que pudieron ser originariamente.
Para completar el efecto de la obra, asigna a cada pieza, el nombre de un personaje famoso y rico ¿?...
Otra interesante pieza que quiero dejar por aquí, en la que el artista se cuestiona el hogar como espacio seguro y confortable, es su pieza Watershed para la 53rd Venice Biennale 2009.
Mike construyó a escala, una típica casa americana de los suburbios, símbolo del bienestar y personificación del sueño americano y la dejó flotando en los canales de Venecia.
Pero los calculos fallaron y al final la casa prefabricada acabó hundida, entre centenarias ruinas, en el fondo del canal. Bonito final. Aquí os dejo el vídeo de cómo ocurrió.
Parece que al autor le gusta lo de dejar flotando edificios, ya lo había hecho antes y al poco tiempo, en la Ladonia Biennial, también echó al agua, nada menos, que una reproducción del Reichstag.
Os recomiendo echar un ojo al resto de los trabajos de este artista, no tienen desperdicio.
Lo he conocido y he sacado fotos de por aquí y de por allá.
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Con materiales de construcción como ladrillos, piezas de hormigón, pavimentos, trabaja Vincent Ganivet, componiendo esculturas de forma regular y armoniosa a pesar de estar compuestas por tan rudimentarias piezas.
Realmente tampoco hay mucho más que añadir sobre ellas que no se aprecie en las fotos que os muestro, pues eso, módulos de simples formas de que se repiten secuencialmente dando como resultado instalaciones, que a pesar de lo abrupto del material resulta casi suaves y delicadas.
Me gusta el trabajo de este hombre, también sus instalaciones en el espacio público.
Lo he conocido aquí.
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No puedo resistirme a publicar el último trabajo que mi admirado ex-studio ha llevado a cabo para Lausanne Jardins 09.
Se trata de una instalación en el espacio público de esas que a mi me gustan, ya que utiliza los materiales que normalmente encontramos en la calle, para crear un espacio natural en medio de la ciudad sin que la intervención resulte intrusiva, fuera de lugar y chocante.
Green Tower, es un mirador urbano, que va transformándose con el paso del tiempo para camaleonizarse con el entorno, de manera que al poco tiempo de su instalación, de la sensación de que siempre estuvo allí.
Es muy interesante ver como va cambiando de color con el paso de las estaciones ofreciendo siempre un aspecto natural y lleno de vida en medio de un cambiante paisaje urbano.
Os dejo el texto que sobre su trabajo ha escrito ex-studio donde la obra queda perfectamente explicada.
"Se propone un nuevo recorrido vertical a través de un gran volumen vegetal que se integra como una nueva fachada en el entorno urbano. Un nuevo recorrido a través de distintos jardines que al mismo tiempo funcionan como piel de un observatorio del paisaje urbano.
El proyecto se localiza en una zona en constante transformación urbana. Actualmente en esta zona en proceso de transformación y cambio se observan distintas estructuras temporales para la construcción: limites, grúas, camiones, containers.
Nuestra propuesta consiste en utilizar una estructura temporal para la construcción, el andamio, para darle una nueva lectura, transformándolo en un gran volumen vegetal. La intervención se plantea a través de dos maneras de relacionarse con el usuario y su entorno. Por un lado, en relación al contexto urbano, la torre se implanta como un nuevo volumen que se integra en el skyline existente continuando con el ritmo cromático de las fachadas existentes.
El volumen, funciona como un gran lienzo vegetal en el que sus plantas se diluyen y transforman constantemente conformando un gran lienzo natural de diversos cromatismos en la ciudad.
Por otro lado, el usuario puede acceder en la estructura de andamio (accesible y segura) y recorrerla de forma vertical a través de los diferentes niveles que lo conforman. El usuario puede desplazarse a través de diferentes jardines en altura que en un segundo plano ofrecen la posibilidad dialogar activamente con el paisaje urbano de Lausanne."
Toda mi admiración para Patricia Meneses e Iván Juarez, los autores del proyecto, que hagan lo que hagan, siempre me sorprenden. Ojalá tuviéramos algunas Green Towers en nuestro Madrid en obras, sería un aliciente...
Gracias Patricia, por dármelo a conocer y enviarme el texto y las fotos.
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