Hoy debería hablar del trabajo del artista Rune Guneriussen, cuando he visto sus fotografías, he pensado inmediatamente hacer un post, además dos personas me han enviado el link porque al verlas se han acordado del ático.


Pero revisando mi RSS, me he dado cuenta que a todo el mundo le han encantado y está la red plagada de lámparas, teléfonos y objetos varios repetidos en paisajes naturales, así que, aunque voy a recomendar que echéis un vistazo a la obra de este fotógrafo, no le voy a dedicar el post por aquello de no ahondar en lo ya dicho por aquí y por allá.


Que conste que me han gustado, bueno algunas cosas más que otras, no podía ser menos pues se nota que las fotos están hechas con este claro propósito, yo me quedo con sus bodegones de lámparas iluminadas.


Para compensar tantas bonitas imagenes, voy a dejar por aquí la obra de otro fotógrafo y sobre todo videoartista llamado Pascual Sisto cuyo magnífico trabajo combina lo conceptual con lo subversivo, utilizando una cuidada estética, con dosis de mala leche, todo lo cual me atrae sobremanera.


Al mirar sus fotografías y videos, me vienen a la cabeza palabras clave como: repetición, destrucción, sincronización, sonido, simultaneidad, abstracción, caos, intervalos, azar, tiempo, composición, efecto hipnótico...


Algunos de estos conceptos parecen contrapuestos, pero este talentoso artista los ha sabido conjugar sabiamente para crear una interesante obra en la que destaco una sofisticación formal que a primera vista podría pasar desapercibida y que no estoy muy acostumbrada a ver en trabajos de videoarte, aunque tampoco es que yo sea experta en esta disciplina.


Como siempre digo, mejor que visitéis su web y echéis un vistazo a sus vídeos. Yo dejo aquí capturas de pantalla y si pincháis en ellas os llevarán a la página donde podéis verlos y también escucharlos, esto es imprescindible...


He conocido a este hombre... uff no me acuerdo.

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No suelo hablar mucho de museos por aquí, mil sitios se hacen eco de todo lo que entre sus paredes acontece, así que no me parece demasiado interesante dar difusión a lo ya ampliamente referenciado.


Pero hoy quería dejar por aquí la historia de un museo sin paredes, sin sede física sin medidas de seguridad y sin obra, vamos, el tipo de museo que a mí me gusta, que está en la calle y su obra pertenece a todos.


Se llama MURAC y está virtualmente ubicado en Logroño, las siglas significan Museo Riojano de Arte Contemporáneo. Según nos cuentan ellos mismos "surge como respuesta a una necesidad: la ausencia de un centro de estas características en nuestro entorno, gracias al cual suplir tenuemente la carencia de referentes y actividades que hasta el momento había que buscar en otras ciudades.


Concebimos el museo como un productor de vida psíquica, energía transformada en acontecimientos urbanos, de modo que la obra no se halla en el museo, el museo está donde se encuentra la obra. Materializados ambos a través de dispositivos que le aportan un semblante, una voluntad de arte (ya sean sencillas etiquetas u otros eventos).


Con este proceder, com-pensamos la debilidad de nuestro contenedor con la pureza de nuestros principios, limitación física que invierte la tendencia escenográfica, publicitaria y turística de los museos actuales, su fetichismo visual y mercantil, por una propuesta estética al alcance de todos, dispuesta a crear un museo sin límites".


Y todo esto, que suena tan bien, se ha materializado en acciones como Las paredes del Murac en la que se hizo una catalogación de todas las obras de interés que encontraron en las calles de Logroño, un año y medio después documentaron las consecuencias del paso del tiempo y el deterioro de muchas de las obras catalogadas por el museo.


De ellos fueron las plantillas de reconocimiento de paredes para la libre intervención pública, por parte del ayuntamiento durante la celebración de La ciudad inventada en Logroño. Dichas plantillas, daban un salvoconducto a cualquier vecino para que intervinieran en estas paredes del casco viejo.


Paradógicamente para un museo sin edificio, fue invitado por el Colegio Oficial de Arquitectos de La Rioja (COAR) para participar en la celebración del Día Mundial de la Arquitectura el pasado 6 de Octubre. De esta invitación surgieron por un lado una charla y un paseo con arquitectos, comentando los hitos de arte publico en la ciudad de Logroño.


Mas interesantes acciones están llevando a cabo, entre las que con orgullo destaco, un desayuno público que se inició en junio y que coincidió con el evento La Ciudad Inventada.


Uff, que se me olvidaba, ellos me han entrevistado así que si alguien quiere saber alguna cosilla más sobre mí, pues aquí os dejo el link.

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Estas son las maravillas que hace la artistas Sai Hua Kuan, y como es tardísimo y ya no estoy para muchas florituras, pues os dejo aquí las fotos de estas sutiles intervenciones que me han dejado impresionada, sobre todo las que ha realizado en entornos naturales.


No tengo palabras y tengo sueño así que por hoy nada más... y nada menos...


La he conocido aquí donde también hablaban de la artista Kamila Szejnoch ganadora del Szpilman Award con su pieza Swing que consistió en colocar un columpio en la mano de la estatua de un soldado en Varsovia, donde todo el mundo se podía columpiar. Muy fina la pieza, otro día le haré un post

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Ya hablé de Brian Goggin con motivo de su increible instalación Defenestration, no debería repetirme pero es que hoy me he topado con nuevas imágenes de una de sus obras Language of the Birds y no he podido resistirme a dedicarle mi ratito de hoy.


Esta obra, semipermanente, que el artista ha realizado junto a Dorka Keehn para la plaza que se forma en la esquina de Columbus y Broadway, en North Beach, San Francisco, es tan poética y ensoñadora que no voy a hablar demasiado de ella, porque me temo que solo me saldrían cosas cursis y empalagosas y tampoco es cuestión...


Así que me centraré en la parte técnica que también es interesante. Se trata de un conjunto de libros translucidos que parecen flotar en el cielo nocturno y que han sido suspendidos, mediante tensores, sobre la plaza. Dentro de estas esculturas, bombillas de led, que funcionan con energía solar, recogida mediante paneles solares instalados en la parte superior de los libros.


En el suelo de la plaza, como caídas de los libros, están estampadas palabra en varios idiomas, que han sido seleccionadas por los vecinos y comerciantes entre la rica historia literaria de la zona.


No es que la pieza sea monumental, sólo 23 libros la conforman, pero son suficientes para crear una atmósfera onírica, que muy pocas veces estamos acostumbrados a ver por la calle.


Niff, niff, niff yo quiero una pieza igual para las navidades madrileñas, bonita evocadora y que encima funciona con energía renovable... que mas se puede pedir... ¡A ver si aprendemosssssss!.


Aunque ya lo conocía, me lo han refrescado aquí, de donde también he sacado fotos el resto son del autor.

Etiquetas: arte, decoración, efímero, escultura, exteriorismo, iluminación, intervención, street art, tecnología, todos

Las lámparas de Kwangho Lee y en general casi todos sus diseños, me parecen increíblemente bellos, pero sobre todo las lámparas... esas me dejan boquieabierta...


Y no por su sofisticación o por estar hechas con materiales tecnológicos de última generación, sino por lo contrario, por su calidez y esa apariencia orgánica y artesanal, que me produce la sensación de que me podrían llegar a arropar, envolviéndome en una luz, suave y acogedora.


Este artista, utiliza de manera inspiradora, marañas de cables e hilos, para crear sus luminarias, en un trabajo aparentemente inconcluso, que podría haber sido empezado a tejer y no llegado a terminar, lo que me encanta.


Vamos, que me muero por una de estas lámparas, las considero auténticos objetos de arte.


Además, las bombillas siempre están a la vista, el artista debe pensar como yo, que son objetos suficientemente bellos para que no necesiten ser tapados por decorativas pantallas.


Luego están sus muebles, fabricados en styrofoam y trabajado de manera artesanal, para conseguir una superficie rica en texturas, que más parecen esculturas talladas a mano, que piezas de mobiliario.


Sus jarrones hechos con piezas de porcelana rota y sus fundas de sillas formadas con pequeñas piezas de plástico de colores, tampoco tienen desperdicio.


Este trabajo luminósamente artístico lo he conocido aquí.

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A la artista holandesa Angeline Dekker le encantan las obras, sobre todo las demoliciones, le atraen tanto, que ha decidido exponerlas en galerías de arte.


Su trabajo comprende un completísimo catálogo de faenas constructivas a medio realizar, que van desde: papel a medio arrancar, paramentos semiderruidos, bigas y demás elementos de madera a punto de descolgarse, escombros sin recoger... vigas sueltas, puertas que se desprenden del cerco, etc...


Pero no solo ha destruido, con retazos de elementos reciclados de obras reales ha construidos diferentes paramentos provisionales con los que delimita sus espacios dentro de la galería.


Escenas de caos y de destrucción, es lo que esta mujer recrea en sus trabajos, pero no se de qué manera lo hace, que al final consigue que todos los elementos conformen un trabajo bastante estético, o a mí me lo parece...


Bueno, mejor dejo algunas fotos para que veáis de lo que estoy hablando. He aquí otro ejemplo de los ejemplos de construcción y destrucción que están apareciendo en los circuitos artísticos más alternativos. Parece que en las salas de arte, cada vez hay más obras.


Lo he visto aquí.

Etiquetas: arte, destrucción, divisiones, materiales, paredes, todos

No puedo evitar un escalofrío en la espalda cuando veo algunos trabajos de la artista Kate Mccgwire una mujer que trabaja con plumas de paloma, el animal que más grima me da del mundo, para componer sus esculturas.


La artista manipula este material orgánico, creando con él la piel de sus impresionantes esculturas que representan flujos de líquidos pesados y corrientes de materia que fluyen y se deslizar.


El resultado es extraño, las tonalidades de gris le dan una apariencia de coraza metálica, que también me recuerdan a una gran serpiente con enormes escamas en movimiento, ahgggggg.


Y no sólo usa plumas, para su mural Brood, Home from Home y Prostrate, ha empleado otra materia animal multitud de huesos de pollo en forma de horquilla, con los que a base de repeticiones crea dibujos secuenciales. Me pregunto de dónde sacaría tantos huesos iguales.


Pero no todo lo que hace me ha parecido tan inquietante, en su trabajo hay alguna cosa que verdaderamente me gusta mirar como su Fume, una pieza creada quemando el centro de un libro de hojas blancas, con lo que consigue un agujero de mil matices grisáceos, que a mí me recuerda un nido.


En fin que no todo en el ático va a ser estéticamente bello y amable, también hay hueco para trabajos más macabros, hoy tocaba, para los que no tuvieron bastante con las sillas de pelo.


Lo he conocido aquí.

Etiquetas: arte, escultura, materiales, todos

Pues ya que estoy con el tema sillas (post de más abajo) me he acordado de la instalación Le passage des chaises de Tadashi Kawamata, que conocí a través del muy interesante blog El sexo y la guerra.


De este arquitecto, me gustan sobre todo sus instalaciones urbanas hechas de madera, que parasitan de edificios representativos y que yo interpreto como vías de escape que ha puesto el artista para dar una escala humana a tanta arquitectura monumental.



Eso es lo que ha hecho con esta pieza que tanto me gusta, levantada con miles de sillas que crece a la sombra de la Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière en París.


Me recuerda a la escultura de Doris Salcedo, pero que en el caso de la de Tadashi da cabida en su interior a un espacio que me parece ideado para el recogimiento, en el que la luz llega filtrada por las rendijas que dejan la pila de sillas, colocadas en forma de laberíntico cáos.


Recomiendo que echeis un ojo al resto de sus instalaciones igualmente interesantes, hechas con materiales naturales y que no resultaría raro encontrar en paisajes rurales, aunque en este caso, el autor haya elegido para su instalación, zonas más bien urbanas.


Gracias Román por dármelo a conocer, me ha encantado.


Siento que las fotos sean de tan mala calidad, pero el artista las ha publicado así en su web.

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Bonito el trabajo con sillas realizado por la artista Loren Schwerd una mujer, para mí, de gran sensibilidad, con la que ha impregnado sus esculturas.


De todo lo que ha hecho, me quedo con la série de esculturas Loveseats, en la que ha manipulado, de manera artesanal, sillas tradicionales, amalgamándolas con pelo y piel, con la intención, según la artistas, de humanizarlas y hacerlas más familiares e íntimas.


A mí me gusta mirarlas, me parece un trabajo muy femenino y frágil, cuando me topé con las imágenes, sin haber leído nada, ya sabía que las había realizado una mujer, lo que en principio no es ni bueno ni malo, simplemente algo obvio.


El resto de su trabajo, las esculturas Mourning Portrait, y sus instalaciones en la calle, no me interesan tanto.


Así que os dejo las fotos de esta obra, que he conocido aquí.

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Hoy mi santoral de artistas tiene un nuevo nombre, se llama Rafael Lozano-Hemmer y a partir de este momento rezaré por él todas las noches.


Ya me había dicho Paloma, que de videoarte sabe un montón, que era uno de sus artistas favoritos y yo que estuve poco fina en ese momento, lo había dejado archivado en las estanterías de mi Delicious esperando un buen momento, que ha llegado hoy, cuando me he topado con la noticia, de que el artista ha habitado con sus personajes proyectados, las sombras de los viandantes de Trafalgar Square en Londres.


Pues aunque suene raro, así es la cosa, porque este artista ha realizado una megainstalación llamada Under Scan, en la que mediante sensores de movimiento y grandes proyectores, que generan la sombra de los que caminan, consigue meter proyecciones de hombres, dentro de las sombras reales de los sorprendidos viandantes, que ven como de pronto son invadidos por seres fantasma que para más susto interactúan con ellos.


Esta obra previamente fue realizada en Northampton's Market Square y de ella habló su autor "Miles de "video-retratos" tomados en Derby, Leicester, Lincoln, Northampton y Nottingham serán proyectados en el piso de las plazas y calles peatonales de esas ciudades. Inicialmente los retratos no se podrán ver ya que estarán borrados por la intensa luz proveniente del proyector más potente del mundo.


Según camine la gente, su sombra será proyectada en el piso "descubriendo" los retratos. Las secuencias de vídeo comienzan con los sujetos viendo hacia un lado. Según aparecen dentro de las sombras de los transeuntes, los retratos se mueven y voltean hacia ellos directamente. Cuando una sombra se retira de un retrato automáticamente el retrato se gira para mirar a otro sitio".


Simultáneamente a esta instalación de la calle, se puede visitar en el Barbican la exposición Frequency and Volume en el que el artista consigue convertir la galería en un entorno interactivo en el que con 48 radios ha formado el espectro radiofónico de Londres, convirtiendo los 90 metros de su superficie en una pared donde están representas todas las frecuencias de la ciudad.


La sombra proyectada afecta a la afinación, mientras que su tamaño controla el volumen, por lo que el cuerpo humano se convierte en una antena capaz de sintonizar distintas frecuencias.


Su obra me han fascinado, primero por lograr una interacción, participación y complicidad con el público de una sutileza que pocas veces he visto y segundo porque a pesar que en cada uno de sus montajes hay un despliegue de tecnología y de experimentación importante, apenas reparo en ello.


No puedo dejar de destacar sus últimos y grandiosos trabajos por ejemplo Pulse Park, llevada a cabo en el Madison Square Park, de Nueva York. El Pulse Tank para New Orleans Bienniale, y el..., y el... y el... y bueno pues mirando detenidamente su obra, tengo que destacar absolutamente todo lo que veo, así que dejo unas imágenes por aquí, que he sacado de la página del artista y os invito a que echéis un vistazo al resto de las fotografías, que no hacen justicia a la obra y sobre todo a los vídeos donde verdaderamente se aprecia la esencia de un trabajo en el que es imprescindible que el espectador tome arte y parte en la obra.


Resumiendo, lo que siento al ver su obra es admiración, pero también me deja pensando en el poder de la tecnología para controlarnos y convertir nuestros simples actos cotidianos en lo que el vigilante desee.


En este caso, el artista ha utilizado nuestra presencia para fines artístico-lúdicos, pero ¿y si alguien quisiera conseguir otras cosas... aunque fuera con el pretexto de nuestra seguridad?... miedo me da pensarlo...


Hoy he conocido a un gran artistas, pero de los que yo clasifico como escritos en mayúsculas, y eso no me pasa todos los días, me siento contenta. Y bien pensado no me vendría mal un viajecito a Londres para que mi sombra fuera habitada por algún personaje interesante o viceversa...


Gracias Paloma por el descubrimiento.


Uff, me he pasado con las fotos, que he sacado de google, no lo he podido evitar.

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Hoy me acerco a la obra de la artistas ucraniana Ana Rewakowicz que se dedica a crear objetos inflables, como esculturas de plástico transparente, que funcionan como habitas personales, en forma de vestidos, como arquitecturas móviles o como entornos relacionados con el medio ambiente.


Su más reciente obra, creada junto con Annu Wileniuspara para la Generaattori Galleria es una incubadora de plantas, que se mantienen vivas dentro de una burbuja transparente, sin necesidad de luz natural y alimentándose de agua que les llega desde el suelo gracias a sus largas raíces.


Uno de sus trabajos previos es la Conversation Bubble, que actúa como sala de terapia familiar y que consiste en una burbuja de plástico en la que se pueden meter 5 personas a las que sólo les queda libre la cabeza para comunicarse, quedando el resto del cuerpo inmóvil. Para salir de esta burbuja, deben dialogar y ayudarse, ya que cada uno por sí mismo, no puede hacerlo.


En sus obras Dreessware y SleeepingBagDress, la artista se inspira en el trabajo de Archigram y crea vestidos de plástico transparente e inflables que se convierten en habitáculos para vivir, generándose una tipología de ropa que pretende ser arquitectura transportable, útil en situaciones de emergencia.


En la obra Travelling with my inflatable room la artista estuvo viajando durante mes y medio por Canadá con una caravana y una casa inflable, hecha reproduciendo su propio apartamento. Todos los días de su viaje la artista montó la casa en una diferente ubicación, zonas urbanas, parques, locales, sotanos, la calle también en zonas rurales como parques campings, pueblos abandonados...


Con esta instalación pretendía conectar las ideas de casa y nomadismo, ese modo de vida que no da importancia al sueño de una patria, mediante el concepto de un hogar portátil que esté disponible en todo el mundo.


En Ice Dome Project explora la idea de arquitecturas temporales, que se crean a partir de una ligera estructura y que se valen del uso de las condiciones climáticas para tomar consistencia. En este caso, la formación de una capa de nieve, hizo que el refugio adquiriera solidez y fuera algo más usable.



Otras de sus creaciones como Living in a bubble o The Occupants 2002, también explora estos conceptos desde dentro de un habitat que ya existe.


Interesantes propuestas con apariencia usablem aunque en realidad no sean sino obras artísticas con más simbología que uso real...



Lo he conocido aquí.

Etiquetas: arquitectura, arte, efímero, escultura, exteriorismo, humor, materiales, todos

Llegan la navidades y se nos va a poner nuestra plaza favorita, hasta arriba de luces y arboles de dudoso gusto, también de casetas con música de villancicos a todo volumen, así que vamos a aprovechar para celebrar el penúltimo Desayuno en la Luna del año con cierta tranquilidad y sosiego.


Como siempre, quedamos emplazados, este sábado 22 de noviembre, a las 11 de la mañana, en la Plaza de la Luna, que en realidad se llama, Santa María Soledad Torres Acosta...


La última convocatoria fue de lo más animada, unas 35 personas moviendo el bigote y charlamos amigablemente en una magnifica mañana donde no falto ni el sol ni los buenos alimentos. Algo escasos estuvimos de líquidos calientes y de silla y mesas... queda dicho...

Esta vez llevaremos algunas cajas de cartón, que servirán de mesas, visto que en la anterior convocatoria nos salvaron de un apuro.


Recuerdo que para asistir no es necesario nada de particular que esto es de todos, aunque aconsejamos que cada uno se lleve su taza favorita, plato y cubierto por aquello de sentirse como en casa. Es que desayunar con vasos de plástico no es lo mismo.

Me ha gustado mucho la iniciativa que han tenido amigos de Valencia, llamada Desayuno con Viandantes, los que, con mucho más estilo que nosotros, han convocado sus desayunos públicos también para este sábado.


Tienen un blog para el evento, así que desde ahí podremos ir siguiéndoles, el exito está asegurado porque conozco el poder de convocatoria de alguno de sus organizadores. David, estoy deseando ver esas fotos y poder dejar alguna por aquí.

También os recuerdo que gracias al Murac, sí, ese particular museo riojano, ubicado en cualquier lugar dónde haya una manifestación artística, también en Logroño se desayuna al aire libre.


En Barcelona pronto y espero que en Málaga también, que hay mucha gente inquieta, moviendo el tema.

Así que ¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡a las tazas!!!!!!!!!!! y que no quede ni una plaza sin su correspondiente desayuno público, organizado por quien le apetezca, con el nombre que a cada uno se le ocurra, el día que quiera, a la hora que le convenga y para rehivindicar lo que mejor le parezca, o nada...


Vamos que más facilidades no se pueden dar.

Nosotros el sábado estaremos donde siempre, eso sí, se disculpa la impuntualidad, todos sabemos que los sábados cuesta madrugar... Nos vemos.

Actualización:


La convocatoria de este mes ha sido un éxito, mucha gente nueva, algunos incluso se vinieron de otros barrios cargados con sillas, otros que repitieron y también estaban los amigos de siempre, sin los cuales esto no hubiera durado 6 ediciones.

En total, entre los que se quedaron las 2 horitas que duró el desayuno, los que pasaron y tomaron un café y los que se pararon a hablar sin tomar nada, creo que nos reunimos unas 40-45 personas.


La poli llegó a primera hora, pero al ver que no estábamos vendiendo nada, que tampoco recogíamos firmas y que no había alcohol de por medio, nos desearon un buen desayuno y se fueron sin tomar café, aunque fueron invitamos.

La bollería casera, una delicia, tartas de chocolate y bizcochos, el pantumaca la fruta los zumos y los cereales de Simon tampoco faltaron, y esta vez sí que hubo café para todos. Incluso el repartidor de Bimbo, que pasaba por allí, nos regaló un surtido de pastelitos que hubiera sido mi delicia cuando tenía 8 años, nosotros para corresponder, le invitamos a desayunar, cosa que hizo gustosamente, muy majo el tío.


Nos juntamos gente de todas las edades y condiciones, vecinos mayores nos contaron cómo era el barrio antiguamente, multitud de jóvenes y más niños que nunca, el más jovencito, 10 meses.

Todo el mundo estuvo muy animado, es que hacía un sol estupendo y se lanzaron al aire muchos proyectos para hacer más cosas por el barrio, incluso surgió la iniciativa de organizar desayunos en plazas de otros barrios, ojalá pueda ser...


Emilio llevó un vinilo para que todo el mundo participara en un dibujo conjunto, Jordi de Acibu nos fue poniendo al día de las iniciativas de la asociación para mejorar el barrio, cada uno hablaba de sus proyectos personales, de sus blog, de otras iniciativas de ocupación urbana... mil cosillas fueron surgiendo entre churro y bizcocho, faltó algo de musica que habrá que gestionar para próximas veces.

Eran más de la 1.30 cuando recogimos y con el estomago lleno y el alma contenta nos fuimos a ver el mural que e1000io y Santiago Morilla han pintado en la que fue fachada de un club de Ballesta.


Un trabajo fino y elaborado de temática oriental en el que se aprecia gran dominio del lenguaje y la técnica de la ilustración por parte de los artistas, cuyo resultado final ha revalorizado por completo la apariencia del edificio. Ojala cunda el ejemplo y las fachadas se nos llenen de buenos trabajos.

El próximo desayuno hay que adelantarlo, para que no se nos echen encima las navidades, así que será para el próximo 13 de diciembre, sábado, mismo sitio, misma hora.

Ahí estaremos.


Gracias a Nacho a Alex y a Juan Carlos y Marilena por las fotos, a mí siempre se me olvida hacerlas.

Etiquetas: desayunos, efímero, evento, humor, todos

No suelo escribir sobre lo que es de ultimísima actualidad, ya lo habréis notado, sobre todo cuando a pesar de mi predilección por las intervenciones urbanas, no había mencionado hasta ahora al ya afamado Spy, que por obra y gracia del rapero-coolhunter KanYe West y el periódico El País se ha convertido en el Banksy madrileño...


Cuando pase un tiempo le haré un post, ya que sus últimos trabajos me interesan, convertir los espacios públicos en zonas para el juego tiene toda mi admiración, por muy surrealistas que sean sus propuestas. También diré con quien lo compararía, pero desde luego nunca con el artista urbano más de moda.


Pues a lo que voy, que hoy quería rescatar una intervención muy interesante llamada Add on. 20 höhenmeter, llevada a cabo en el 2005 por 40 alumnos de la Vienna University of Technology de Viena.


Estos alumnos, dirigidos por los profesores Peter Fattinger, Veronika Orso y Michael Rieper, transformaron la Wallensteinplatz de Viena en un centro de interacción artística, construyendo una escultura con elementos de construcción, capaz de comunicarse e interactuar con el público.


La estructura de 20 metros, fue levantada con andamios, donde se sustentaban una gran variedad de elementos relacionados con el habitat pero expuestos fuera de contexto y accesible para que todos los ciudadanos pudieran disfrutar de ellos.


Se podría decir que es como una casa que hubiera sido totalmente desordenada y desmembrada, para convertirla en un gran teatro organizado en distintas plantas y donde cada día tenían lugar varias actividades artísticas en un enorme escenario al aire libre.


A mí me parece una estupenda intervención efímera en un espacio público, donde artistas y vecinos pudieron relacionarse en un entorno lúdico de lo más casero.


Otra vez, son los estudiantes los que me sorprenden...

Etiquetas: arquitectura, arte, evento, humor, intervención, materiales, todos, urbanismo

El fotógrafo Michael Neff ha hecho lo que ya habían visto a artistas urbanos como Zevs o Ellis G., siluetar sombras de la calle, pero en su caso, cómo no, las ha fotografiado.


Para realizar este trabajo se ha ido por Estados Unidos seleccionando las que más le inspiraban para después bordearlas con tizas de colores y con ellas componer su serie fotográfica Chalk.


Desde luego ha elegido con cuidado los encuadres, se nota que ha buscado más la composición y la estética que la propia intervención urbana.


Bueno, yo prefiero sin duda las sombras de tiza de Ellis G. por la ligereza de sus trazos y sobre todo por lo efimero que resulta su trabajo en la calle, pero bueno este trabajo, visualmente hablando no está mal, aunque yo nunca me compraría las fotos... me molesta que lo efímero quede perpetuado en papel fotográfico.


Lo he conocido aquí.

Etiquetas: arte, fotografía, intervención, street art, todos

Unas imágenes que me han inspirado. Son de la instalación que Stig Tommy Høvik, artista noruego, ha realizado para conmemorar la Kristallnacht, o Noche de los Cristales Rotos celebrada el 10 de noviembre, día marcado como comienzo del holocausto judío en 1938.

El nombre, se asocia a la imagen de cristales rotos que lleno las calles de Alemania, cuando los nazis rompieron los escaparates, para saquear las tiendas judías.


Y eso es lo que ha querido recordar el artista con su obra Broken glass, moving head, enmarcada en los actos organizados en Noruega ese día contra el racismo y el olvido.

El escenario fue la Catedral de Nicaros en Trondheim y el evento, un concierto benéfico. Su pieza consistió en una gran montaña de cristales rotos, de 15 toneladas, situada en el centro de las naves de la catedral, lo que le daba una presencia absoluta.

Las piezas de cristal fueron iluminadas cenitalmente por un foco intenso, que producía destellos que flotaban por todo el espacio de la catedral.


La asociación de ideas es algo básica, pero ver cómo un espacio sagrado ha sido llenado de un montón de cristales rotos sin valor estético, ni monetario, ni artístico y conseguir que fuera el protagonista absoluto de la velada, me agrada sobremanera. Quiero saber a quién han tenido que rezar para conseguirlo... es para rezarlo yo también...

Y sin más, las imágenes, que tampoco son muy buenas que se diga...

Lo he visto aquí. Y el vídeo aquí.

Etiquetas: arte, destrucción, efímero, escultura, materiales, reciclaje, todos

Mucho concurso de intervenciones urbanas parece que se está convocando últimamente, yo tengo que confesar que a alguno me he presentado y a otros estoy en ello, pero vamos, que no soy la única...


Así que me para ir practicando en este tipo de convocatorias, hay un método de adiestramiento que ha llegado de Bruselas y que nos permitirá ir calentando mano y neurona para lo que se aproxima, si es que los recortes presupuestarios no se ceban con este, tan actual, apartado cultural.


Bueno, pues la idea, llamada BXL100, la han tenido los chicos de Topotronic, oficina de planificación urbanística y URA, empresa de arquitectura, que han dado unas clases intensivas de Photoshop para poder llevar a cabo 100 intervenciones urbanas imaginarias, con la ciudad de Bruselas como escenario fotográfico.


Lo que han hecho no es nada costoso, aunque requiere de mucho tiempo y absoluto manejo de las herramientas de retoque. Han elegido y fotografiado 100 ubicaciones en espacios públicos de la ciudad y a partir de esas fotos han ideado posibles intervenciones urbanísticas que mejoran el entorno y facilitan la vida a los ciudadanos, convirtiendo zonas de paso, en espacios para el recreo y juego. También han hecho desaparecer soportes publicitarios, cosa que me encanta.


En su web nos presentan el antes y el después, para que veamos lo que mejoraría el espacio con sus cambios y en otros casos para que nos entretengamos buscando las sutiles diferencias.


Me lo han enseñado aquí.






Y así de fácil amigos, lo podemos hacer nosotros en nuestras propias casas, la actividad es inocua y no requiere de gran desembolso económico, ni de equipos sofisticados, pero a pesar de su sencillez nos permitirá dar un cambio radical a esos molestos espacio que visualmente nos disturban, transformándolos por obra y gracia del tampón de clonar y un poco de desenfoque gaussiano en ese espacio maravilloso y deseado que haga las delicias de grande y pequeños.


Yo voy a ver si me pongo a añadir arboles y plantas en la Plaza de la Luna, seguro que me relaja muchísimo, así me preparo psicológicamente para la iluminación de gatos con lunas que nos han asignado para estas navidades, pero mira que hay que tener mal gusto...


Y si a alguien le gusta más la construcción que el urbanismo, también puede practicar con los ejemplos maravillosamente ejecutados por el fotógrafo Filip Dujardin, en manos de sus bien adiestradas herramientas la arquitectura se convierte en una maraña de elementos constructivos que crean edificios y espacios, donde pasado presente y futuro se amalgaman y que me han inquietado de puro agobiantes, abigarrados y decadentes.


Lo he conocido aquí y también he cogido prestadas las fotos.

Etiquetas: arte, efímero, exteriorismo, fotografía, humor, intervención, todos, urbanismo

Muchas cosas confluyen para que no me quede más remedio que considerar la obra de William Kentridge como imprescindible dentro de mi particular panorama artístico.



La primera es, como ya sabrán los que pasan por aquí con frecuencia, que soy amante de las sombras y este hombre las ha creado impresionantes a lo largo de su carrera.


La segunda, tiene que ver con mi pasión por el teatro, para el que el artista ha trabajado creando piezas de gran complejidad creativa e imaginación desbordante.


La tercera, la atracción, que cada vez más, me produce el arte de la animación, sobre todo si ha sido realizado por artistas plásticos, sirva de ejemplo la archiconocida Muto de maestro Blu.



Pues es que este señor lleva haciendo este tipo de trabajos artísticos tan contemporáneos, desde hace mucho tiempo y tengo que reconocer que lo hace increíblemente bien, con un lenguaje tan actual, que me da la sensación que muchos están bebiendo de sus fuentes, lo que de ser cierto sería estupendo, pues es un magnífico ejemplo a seguir.


En su trabajo de animación: "emplea una técnica característica de su producción: dibujos realizados con carboncillo son implementados sucesivamente siempre en la misma hoja, al contrario de la técnica de animación tradicional, en la que cada movimiento se dibuja en una hoja separada. Así, los vídeos y películas de Kentridge conservan las huellas de los dibujos que han sido realizados anteriormente. Sus animaciones tratan las cuestiones políticas y sociales desde un punto de vista personal y, algunas veces, autobiográfico, puesto que en algunos trabajos el propio autor se retrata en los dibujos.


En el artículo William Kentridge. Learning the Flute la autora Elena Vozmediano explica con detalle la técnica y la simbología de su trabajo de animación.



Además es muy característico de su técnica la utilización de la marcha atrás, con la que consigue resultados tan curiosos como dos de sus piezas Fragments for George Melies.


Algunas de sus animaciones más creativas son: Weighing... and Wanting, Sobriety, obesity and growing old, Félix in exile, History of the main complaint, Journey to the Moon, Deterioration, Automatic Writing,Visual Arts y un larguísimo etcétera...


En cuanto a escenografiás, pues sin duda... La Flauta Mágica...


Hay mucha documentación sobre este autor, así que no me voy a extenderme más, podéis ampliarla, cómo no, en Google y para ver gran parte de sus animaciones os remito a YouTube. Yo ahora me siento un poco abruma para seguir contando cosas y además quiero continuar viendo su trabajo, que me tiene enganchada.



Y hablando de un auténtico precursor de la animación contemporánea, las joyas creadas por George Meliès a partir de 1900 dejarán boquiabierto a más de uno, a mí sin ir más lejos, cuando he visto esa maravilla de Viaje a la Luna. Otro día le dedicaré un escrito para él solo.


Mucho que ver en este post de sombras en movimiento, las que ilustran este artículo las he sacado de aquí.

Etiquetas: animación, arte, escultura, todos

Hoy he elegido, a modo de trabajo del día, una la intervención, a base de elementos de iluminación, llevado a cabo por el estudio de arquitectura brasileño-francés Triptyque y que a sido realizada en una casa de Sao Paulo.


Me parece un trabajo de gran calidad y precioso, lo cual no tiene demasiado mérito porque a mí, si me pones delante una intervención con luz, es que ya no razono...


El proyecto se llama Pipe Light y ha sido encargado por Houssein Jarouche dueño de la tienda brasileña de productos para el hogar, Micasa al adquirir la casa anexa a su tienda.


El concepto y los materiales son simples, lamparas con tulipas de apariencia clásica, plateadas en el exterior y blancas en el interior, componentes de iluminación y tubos de metal que esconden los cables. Con todo, se ha ido envolviendo el exterior de esta casa, cuya fachada previamente había sido pintada de negro.


Todos los elementos añadidos al edificio, quedan a la vista y los tubos forman un entramado escultórico lineal, que hace pensar que las paredes hubieran sido aprisionadas por una red bien organizada de cables, pantallas, cajas de registro y por supuesto luz.


El interior, siguiendo el mismo estilo, ha sido llenado de luces y tubos que se deslizan por las paredes sin reconstruir, cubriéndolo todo, como si cada elemento se hubiera ido expandiendo de forma viral.


Los autores lo definen como una especie de planta trepadora que se va apoderando del edificio, respetando los elementos funcionales existentes y estableciendo de manera metafórica un puente entre el arte y el diseño, un dialogo entre la funcionalidad, la estética y el valor artístico.


Después de intervenir la casa, esta sirvió de galería para la exposición "Do outro lado do muro" donde se mostró la obra de 19 artistas y diseñadores.


Además, la empresa Micasa ha editado las lámparas de este proyecto en una versión de pared.


He conseguido la información y las fotos aquí.

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Ampliando el tema vacío, que inicié en el post anterior y que me parece de lo más cercano y real, ya que no hay que ser artista para sentirlo en mayor o menor grado, pues hoy quiero dejar imágenes de otro trabajo, esta vez escultórico muy muy contemporáneo.

Hannes Van Severen crea huecos de vacío que inscribe dentro de objetos tan coticianos como son los armarios roperos.


Corta sus piezas de manera que lo que más evidente se hace en ellas es justo lo que no está, produciendo resultados bastante surrealistas usando simples objetos cotidianos.

Y poco más hay que explicar sobre el trabajo de este joven artista belga, que no se pueda apreciar en las fotos.


Siento no tener más imágenes de su trabajo, creo que Hannes no ha sido hasta ahora demasiado prolífico, pero le auguro una interesante trayectoria.

Lo he conocido aquí.

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Parece que el vacío se ha hecho protagonista del panorama artístico, debido sobre todo, a la polémica 28º Bienal de Arte de Sao Paulo, en la que su comisario Ivo Mesquita, decidió vaciar de contenido artístico palpable y visible, el famoso edificio de Oscar Niemeyer, del que precisamente hablé el otro día, por haberse convertido en icono pancartístico en la obra de Jordi Colomer.


Bueno, no me gusta mucho hablar de grandes eventos culturales, no me suelen interesar, pero éste ha sido especial por lo arriesgado, copio lo que cuentan en el periódico ABC «en una época voraz de creación y consumo como ésta es necesario pararse a pensar hacia dónde vamos». Su idea es crear una especie de ágora griega, una gran plataforma para el encuentro, la reflexión y discusión sobre el sistema de las bienales de arte en el circuito artístico internacional. Y para ello ha ideado unas estrategias de debate político-cultural y un trabajo crítico y de investigación a partir de la propia experiencia de la Bienal de Sao Paulo en sus 27 ediciones anteriores. No habrá obras de arte concebidas tradicionalmente, aunque sí artistas.


Es decir, este comisario ha dejado sin obra la segunda planta del edificio, ¿y por qué? ahora copio a El País. "Puede ser, como sucede mucho en el arte últimamente, el colmo de la democracia cultural. O el colmo de la cara dura. "En el mundo hay más de doscientas bienales", argumenta Mesquita, "que parecen estar interesadas en ver cuál es más grande. Creo que en este momento, una bienal sólo tiene sentido si demuestra capacidad analítica y crítica".


En las otras dos plantas que conforman la propuesta, sí hay obra. La de 42 artistas procedentes de 22 países. Marina Abramovic, Sophie Calle, Joan Jonas o la española Cristina Lucas son algunos de los nombres más conocidos. Un maratón de acciones y performances completan esta peculiar edición.

Y digo yo, ya que se decidían a un gesto tan radical, ¿no podían haber dejado todo el edificio vacío de arte?. Esto me indica que al final el mercado manda sobre todo en una bienal y esa es la única y veraz, verdad, verdadera y tampoco pasa nada por decirlo. Y eso me trae a la cabeza la VI Bienal de Arte de Cairibi organizada por Maurizio Cattelan, donde los artistas se repartieron el dinero de la subvención y se fueron al caribe de vacaciones.

Yo, cuando oigo hablar de vacío referido al arte, siempre recuerdo en primer lugar, la foto del salto al vacío de Yves Klein, es una de las imágenes que mayor sensación de libertad me ha producido. El artista voló, o eso quiero yo creer... En segundo lugar, cómo no, los vacíos arquitectónicos de Matta Clark, Artista, con mayúscula, que ocupa sitio de honor en el altar de mi universo artístico...

Pero no todo va a ser remontarse al pasado, que luego me dicen que no es apropiado para internet, así que voy a dejar el trabajo, muy actual, del arquitecto Carlos Teixeira que crea a partir del concepto de vacío arquitectónico y así intento arreglar mi tendencia a mirar al pasado.

Lo conocí a través de Michael y Pablo mis profes del curso Urbanaccion de La Casa Encendida y su trabajo me cautivó, sobre todo el que desarrolla en Belo Horizonte, Brasil, con su estudio Vazio, pues sí que hay vacíos en Brasil...

Entre toda su obra, me quedo, por su relación directa con el espacio vacío, con las escenografías Amnesias Topográficas I y II.

Estos trabajos arquitectónico-teatrales, consistieron en crea escenografías para el grupo de teatro Armatrux, transformando para ello, unos espacios infrautilizados, que en realidad eran los cimientos de casas construidas en terrenos en desnivel, a los que se había terminado dando uso de basurero y que en ese momento estaban totalmente degradados.

Los resultados, conforman espacios únicos, donde arquitectura, paisajismo, y rehabilitación ambiental, se mezclan en una impresionante escenografía urbana.

En Amnesias Topográficas III se propuso una intervención temporal en las abandonadas minas de hierro de las afueras de Belo Horizonte que también debían servir de escenario teatral. El proyecto aún no se ha podido llevar a cabo.

Otro de sus proyectos de vacío, en Laguna Seca, está esperando aprobación, pero tiene como idea, transformar uno de los peores paisajes del entorno urbano de Belo Horizonte, el gran cráter dejado por una explotación minera. Se prevé, para este lugar infrautilizado la construcción de un condominio residencial sobre un lago artificial, a partir del nivel freático revelado por las excavaciones.

Estos proyectos han sido presentados, no en la Bienal del Vacío de Sao Paulo, sino en la 9ª Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia.

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Hoy un post eminentemente fotográfico, pensaréis... pues como todos los días... Vale pues tenéis razón pero hoy un poco más, no voy a escribir mucho, sólo quiero dejar fotos de intervenciones en la naturaleza realizada por artistas finlandeses.


Su fuente de inspirados en este caso son los entornos naturales, ríos, mares, bosques, parajes nevados, campo verde... en los que intervienen bebiendo de las tradiciones, la religión y la mitología.



Pero no lo hacen porque tengan intención de reivindicar sus raíces ancestrales como el hecho más importante de su arte, sino porque consideran que hay que conocerlas y trabajar con ellas, en sus nuevos discursos culturales.




Y estos trabajos has sido recogidos en la muestra fotográfica Art and the Landscape in Finland y para los que quieran saber más, Timo Jokela lo explica en Close to Nature: Marks of the Forest.



El resto, pueden simplemente ver fotos, algunas piezas son impresionantes, delicadas y la mar de inspiradoras, mucho artista y bueno por estas frías tierras, me han dejado impresionada.



Lo he conocido aquí.

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No puedo dejar de admirar la belleza de la propuesta del ¿arquitecto? Ming Tang que basándose en el milenario arte del origami, ha diseñado una casa plegable de bambú que funciona como refugio temporal para paliar el problema de la vivienda en situaciones de catástrofes naturales.


Los materiales utilizados por Ming son naturales y renovables y con ellos ha construido una estructura plegable que se puede montar en distintas posiciones consiguiéndose siempre estructuras de lo más sólidas.


Sencilla y multifuncional estructura y a la vez enormemente bella, que se adapta perfectamente al entorno natural en el que va a ser instalado, no hace falta que lo diga yo, las fotos así lo muestran.


La estructura está formada por un sistema de cañas de bambú, que se ensamblan formando figuras geométricas, que se montan en la fábrica y que se transporta fácilmente, ya que pesan poco. In situ, son recubiertos de papel reciclado y están listas para ser usadas.


La idea le surgió al autor después de un tremendo terremoto en China con montónes de deplazados. Se enteró que el gobierno necesitaba construir 1 millón y medio de hogares temporales y así surgió esta maravillosa construcción, barata y respetuosa con el medio ambiente.


Su acertado diseño fue honrado con una mención en el concurso Re:Construct, competición patrocinada por Urban Re:Vision.


En Bamboo Competition de 2007 también se presentaron propuestas para casas temporales fabricadas con bambú, además de otras construcciones del mismo material igualmente interesantes.


Una gozada comprobar como una materia prima tan básica, puede dar lugar a construcciones de tanta belleza y que además cumplen su función habitacional a la perfección.


Lo he conocido aquí de donde también he sacado las fotos.

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El artista, bueno le llamo artista aunque no se bien cómo clasificarlo, Jon Haddock ha editado fotos con temática pornográfica que ha encontrado en internet y en las que digitalmente ha hecho desaparecer a las personas que estaban practicando sexo, para dejar sólo los escenarios en los que el acto tuvo lugar.


No sé mucho más porque la página del autor no explica al detalle el proyecto y tampoco recuerdo dónde dí con ello.


Además, las fotos no son buenas, tampoco lo pretenden, se supone que han sido sacadas de internet y manipuladas, así que si las amplias dan ganas de llorar. A pesar de todo, no se por qué, me han entrado tremendas ganas de publicar esta cutrez. Eso sí, al autor le daba yo unas clase de photoshop avanzado... ¿o será esta la gracia del proyecto?.


Espero que se me perdone el desliz, sólo achacable a que ya es tarde y que he cenado con bastante vino...


Mañana mejor.

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Hoy estaba leyendo uno de mis blog de obligada visita Urbanarbolismo y hablaba de islas flotantes, lo que me ha hecho recordar que ya me llamó la atención el tema cuando lo leí en Ecosistema Urbano, otro de mis blog favoritos, así que, he pensado que ya era hora de hacer un post sobre estas islas artificiales.


Y es que según vi las fotos pensé, qué intervención más apropiada para dejar en el caudal de un río, me encantaría ver flotando en el Manzanares jardines de este tipo, pero es que además, para mayor felicidad, desempeñan una función beneficiosa para el ecosistema, ya que ayudan a purificar el agua de la superficie en la que flotan, y a no sólo eso, sino que sirven de hábitat natural a peces y especies varias, que viven bajo el agua.


Así pues, son perfectas, tanto en forma, como en uso, lo que es como decir, son perfectamente perfectas. Si queréis más información, os recomiendo visitar las páginas anteriormente mencionadas y también la de Floating Island International, donde explican el tema y de donde yo he sacado las fotos.


Pero ya que estoy metida en el tema verde, uno de mis favoritos y como mis amigos de Comando Clorofila me han pedido alguna fuente de inspiración para su proyecto de guerrilla gardening, voy a dejar por aquí otras iniciativas de este color, desarrolladas en su totalidad por la artista Vaughn Bell.


En su trabajo las plantas son el objeto artístico, por lo que las reduce al mínimo espacio, plantándolas en diferentes contenedores, en algunas ocasiones en cápsulas, en otras en cajas con ruedas, o en barquitas suspendidas en el espacio e incluso en carros de supermercado. Acotadas de esta manera, son situadas en el espacio expositivo, lo que inmediatamente las eleva a la categoría de arte.


Muy interesantes sus variaciones sobre el tema de la biosfera, en The Personal Home Biosphere , Portable Personal Biosphere, y Biosphere Built for Two minimiza el espacio verde a unos pocos centímetros, y los protege con una campana transparente. En esta biosfera en miniatura, los visitantes de la exposición pueden meter la cabeza, para sentirse así rodeados de naturaleza, incluso tienen la posibilidad de compartir ese mínimo espacio con otras personas.


Variaciones sobre el tema son las Pocket Biospheres, que por su reducido tamaño, nos permite adoptar una para cuidarla o las Greenspace Displacement, pequeñas burbujas transparentes llenas de vegetación, que fueron dejadas en el duro asfalto de grandes ciudades. Qué afortunado el que se encontrara con ellas...


Pero esta artista tiene bastantes más objetos artísticos verdes, alguno muy bello y poético, como el Garment for Flora-Fauna Relationship, un mandil que lleva incorporada una planta viva, lo que fomenta que se establezca un estrecha relación, entre la planta y la persona.


Con su Tree Portable Forrest y su Portable Environments la artista monta sus particulares minijardines en unos carritos de la compra y los exhibe en galerías e incluso los entierra en la tierra. Curiosa similitud con la intervención Moving Forest del estudio NL architects, que ya comenté al hablar de Experimentadesign, un festival de arte urbano que ha tenido lugar este año en Amsterdam.


Tiene más jardines artísticos, algunos con ruedas, que ayuda en sus desplazamientos al sitio donde se necesite. Todos están en la página de la artista que recomiendo echéis un vistazo, siento no recordar cómo llegué a ella.


Me he dado cuenta de que si no vivo en un mundo verde es porque no quiero, ya que hay ecosistemas de este color para todos los gustos precios y tamaños. Y yo echando las culpas al ayuntamiento, cuando la solución está en mis manos, es que no tengo vergüenza...

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Esculturas e intervenciones urbanas de un artista que nos recuerda, que hay mucha gente buena alrededor nuestro. Se llama Svein Møxvold y una de sus obras más reciente There are a lot of good people around consigue evidenciar, mediante luces de neón de llamativo color rosa, un hecho cierto, pero que debido al ritmo de vida que llevamos en las grandes ciudades, se nos olvida fácilmente.


¿Cuantas frases de este tipo se habrán escrito con neón en las ciudades como intervención urbana? yo recuerdo alguna que otra.


Además este artistas, ha llevado a cabo otras acciones con vocación decorativa y amable, que sin ser de gran transcendencia o pretender reivindicar, consiguen que se nos agrade lo que vemos, que tampoco está mal, hoy toca ser benévola.


En su Pink Ball 1 coloca enormes bolas de color rosa chicle en entornos naturales y rurales. Que pena que sean tan plasticosas, para la próxima, a ver si elige un material menos contaminante.


En White Flags los colores de la bandera noruega se convierten en blanco con toques blanco y con mástil blanco. En el caso de la Black Flag es la bandera inglesa la que convierte su policromía en distintas gamas de negro, en una versión light de la republicana bandera negra de Santiago Sierra, mucho más potente.


Siguiendo con el color negro, el artista colocó en un jardín del Goldsmiths College de Londres, una puerta exenta, lacada en negro, con un barroco tirador plateado, la intervención o escultura se llamó Black Door.


También colocó un bonito igloo en un muro de la iglesia de St. Pancra de Londres, que realizó con planchas de plástico en las que grabó cruces. Dentro de la construcción, una suave luz, que le confería una apariencia algo fantasmagórica, muy apropiada para el sitio donde fue instalado.


Entre sus esculturas, me quedo con Untitled, una pecera donde ha instalado un semáforo en funcionamiento para dar paso a los peces.


Bueno, algo ligero para empezar la semana, mañana... algo más cañero...


Lo he conocido aquí.

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