Lo reconozco, soy una ignorante, pero de tomo y lomo, y eso que me paso el día mirando webs de artistas, pero imperdonablemente, no conocía la obra de uno bien grandes, entono el mea culpa.


Se llama Pedro Cabrita Reis es portugués y para mi escarnio, lleva un montón de años en la brecha artística.


Su obra me encanta, bueno, sus instalaciones, es que por ahora no he tenido acceso a mucho más, su web está en construcción. Lo que he visto, tiene todos lo ingredientes para que me atraiga.


Es un trabajo en construcción, que parece haber sido abandonado antes de su terminación, realizado con modestos materiales, ladrillo, madera, hierro, cable y básicos tubos de neón, todo muy familiar, muy común pero que puestos a su servicio adquieren una dimensión extraordinaria, casi mística.


Con su mezcla de arquitectura y escultura me parece como si estuviera construyendo templos modernos, en los que uno se reencuentra con lo rudimentario, con lo destruido, con lo básico y lo improvisado. Todo este caos, al ser bañado por la luz intensa del neón, se convierte en un espacio misterio y algo cibernético, en el que me gustaría pasar un rato.


Bueno, no tengo mucho más que decir, si queréis cosas profundas sobre él, podéis leer este el artículo de El Mundo, ya sabéis... bla bla bla, bla bla bla...


Yo, como siempre, me quedo con la imágenes que esta vez he sacado de Obvious, donde también lo conocí. Muy agradecida.

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Que la cerámica puede ser un material que saca lo más macabro de algunos artistas, es algo de lo que cada vez estoy más convencida. De hecho cada vez me atrae más como forma de expresión artística.


Esta vez, es Barnaby Barford quien con su serie Private Lives ha dado una irreverente vuelta de tuerca al concepto de cerámica tradicional y cursi, convirtiendo, tiernas figuritas en seres perversos y surealistas.


Crea piezas únicas, buscando material existente y transformándolo en objetos siniestros. Y ¿qué hace exactamente? pues toma objetos de la cultura pop o los dibujos animados, con larga tradición y hace juegos malabares con sus diversas piezas y las repinta de modo que acaba recreando situaciones discordantes e inapropiadas que rozan lo kitsch.


Y como una imagen vale más que mil palabras, pues nada, os dejo las fotos para que disfrutéis si sois algo morbosillos.


Lo he visto en Cool Hunting.

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Tengo un pequeño archivo de cosas y personas a las que quiero referenciar, bien porque me han enviado sus trabajos, bien porque me los han recomendado terceras personas o porque los he conocido personalmente y me gusta lo que hacen.


Llevo tiempo queriendo ponerme al día con ellos, pero siempre encuentro cosas interesantes que me apartan del camino. Pero hoy voy a empezar con un trabajo que me llegó por Marta y que me parece muy interesante, además, sin tener que viajar muy lejos.


Se trata del proyecto que el estudio de diseño leridano Innova Designer ha realizado para DecorHàbitat 2008 la feria de decoración arte y diseño que ha tenido lugar en Lleida el pasado 11 al 13 de abril.


El proyecto se llamó Sostenible Cassia y consistió en un workshop impartido por el estudio, que contó además con el muralistas New Nayox y el colectivo Vaho Works. El reto fue diseñar un espacio de cafetería restaurante reutilizando todos los productos sobrantes del montaje de los stands de la propia feria.


Según explican los autores: "El taller ha sido concebido para dar forma, mediante un lenguaje artístico, a un tema de rabiosa actualidad: el reciclaje. La propuesta consiste en reutilizar todo el material de deshecho generado por el propio montaje de la feria, durante la semana previa a la apertura de puertas, de forma que sea ésta la materia prima a utilizar en la decoración y montaje de la cafetería y restaurante del mismo certamen".


Mirando las fotos del proceso, he podido apreciar que se han reutilizado los palets de madera loa cuales han servido de mesas y de separadores de ambiente, con luz interior incluida.


Grandes cubos de pintura han hecho las veces de asientos en la zona de cafetería, botellas de plástico de 5 litros se han reutilizado como lámparas, el suelo ha sido rematado con la moqueta sobrante y las paredes, forradas con cartón de las cajas de embalaje.


Con esto y un poco de ayuda de la pintura, sillas de diseño, bonito servicio de mesa, el mural de New Nayox y algún estético vinilo vegetal, el resultado es de lo más acogedor y estético.


Según comentan, la comida que se sirvió también fue especialmente pensada para este taller, "haciendo uso de los mismos criterios de sostenibilidad y disfrute de los recursos de la naturaleza, de un modo sano y ecológico".


Dentro de la feria Innova Designer también presentaba su Atipic House para la que han elegido una selección de productos, que según su criterio cumplían las normas de sostenibilidad y los han ubicado en un espacio diseñado expresamente.


También dieron conocer un concepto de casa de guerrilla, la Parasit House. Para explicarlo mejor copio lo que recoge su nota de prensa:
“Bienvenido a la república independiente de mi p*** casa” ¿Problemas con la hipoteca? ¿No encuentras el solar adecuado? ¿Lo encuentras pero no puedes pagarlo? Tenemos la solución: Parasit House by Six. Un producto revolucionario que se entrega con todo lo necesario para instalar su vivienda en cuestión de minutos, y donde más le plazca: un árbol, bajo un puente, en un parking, en una zona devastada tras un bombardeo... Simplemente sácalo de la caja, utiliza los accesorios incluidos para el montaje, conéctate a la red de servicios más cercana y disfruta de tu vivienda parasitaria.


Con esto... queda todo dicho... Gracias Marta por el chivatazo.

Etiquetas: arquitectura, decoración, materiales, reciclaje, sostenibilidad, todos

Para intentar compensar mi post de ayer sobre la muerte en las calles hoy os dejo una intervención urbana con vocación más humanitaria y al servicio de la comunidad, lo cual también es una buena forma de encontrar un sentido al arte puesto en la calle.


El artífice de tan "magnánima" obra es el artista holandés Harmen de Hoop del cual no se nada, ni falta que me hace, por otro lado. Sólo he visto su obra y me parece bastante ocurrente cómo interviene la ciudad para proporcionar a los habitantes pequeños reductos donde disfrutar el tiempo libre en espacios comunes o de qué manera proporciona herramientas para mejorar la interacción con el mobiliario público.


En sus trabajos clasificados dentro de pintura, lo que hace es delimitar espacios para el deporte mediante marcas blancas en el asfalto. De esta manera proporciona improvisadas pistas de baloncesto en solares vacíos. En el caso de Basketball Court 6 la propia comunidad instaló la cesta para jugar en el espacio asignado por Harmen. También ha dibujado porterías, y espacios para la circulación de bicicletas y peatones en caminos que discurren por la naturaleza.


Con sus esculturas continua en su línea de servicio al ciudadano, intentando aportar al mobiliario público recursos, no del todo aprovechables, pero con un sentido del humor que inciden en puntos débiles o que intentan poner en evidencia algunas carencias.


Por ejemplo, pone una taza para que la gente beba, del agua contaminada de un canal. Otro ejemplo, situa destornilladores al lado de teléfonos públicos con la intención de servir para abrirlo en caso de que se cuelen las monedas. También cambia de lugar papeleras para ubicarlas en sitios más útiles, como al lado de una escuela o adosadas a una portería de fútbol. Lo mismo ha hecho con extintores.


También ha dejado herramientas de jardinería en carteles informativos de parques, saleros y pimenteros en mesas de camping, una fuente en la base de una escultura que representa a una madre, juguetes en pequeñas isletas de semáforo para que los niños jueguen... y un montón mas de pequeños objetos como sin importancia pero que al descubrirlos, si es que lo haces, ya que son casi imperceptibles, no puedes evitar esbozar una sonrisa.



Otra manera que ha encontrado de lanzas sus mensajes, cargados de crítica, aunque revestidos de humor es con sus esculturas vivas una serien en la que coloca animales en la ciudad, por ejemplo caballos atados a postes, cabras pastando en secas isletas, ovejas dentro de jardines cercados.


También sitúa personajes realizando acciones que no corresponden con la ubicación elegida, un niño jugando con la tierra debajo de un árbol de la calle y otro jugando al fútbol en una mini isleta. Una mujer practicando tenis en un callejón de la ciudad, un pintor restaurando una señal vial...


En otra serie se vale de las palabra para definir espacios que no están destinados al uso que se menciona, un ejemplo, coloca la palabra hotel en la entrada del metro, en cabinas de teléfono, o en maquesinas de autobús, sitios donde normalmente se refugian los sin techo.


Dentro de estas acciones con textos me ha llamado especialmente la atención, por lo surrealista, una en la que ha rellenado un pequeño hueco en el asfalto, con tierra para plantas y ha añadido un cartel que reza "cultive sus propias verduras".


Además ha realizado performances con bastante mala leche, mejor que le echéis un vistazo vosotros mismos...


En resumidas cuentas, una obra pretendidamente menor, la que lleva a cabo este artista, que no tiene intención de trascender o de provocar abiertamente, tampoco de remover conciencias, pero... que puede alegrarnos el día o hacernos reflexionar un poquito si somos capaces de reparar en ella.


Sutil manera de subvertir el espacio, lo cual también tiene su mérito. Yo, me quito el sombrero.


Visto en Pytr75.

Etiquetas: casi nada, efímero, exteriorismo, humor, street art, todos

Varias circunstancias se han dado para que cambie el post que iba a escribir hoy sobre algo que me he traído de Copenghague y decida hacerlo sobre Ernest Pignon-Ernest un particular artistas urbano que compone su obra con técnica al más puro estilo clásico pero que remata con mensajes reivindicativos de actualidad que, creo, no dejan impasibles a los que se topan con ella.

He dado con él a través de A desgana justo después de leer los post sobre La ética de la muerte en los que Paul M. de Inicios nos hace participes de sus dudas sobre si deben o no ser mostradas imágenes explicitan sobre la muerte.


Le comentaba yo, que me parece que llaman mucho más la atención las escenas de muerte, sacadas de su contexto habitual en los medios de comunicación, de ahí lo efectivo que resulta que esas imágenes lleguen por conductos relacionados con el arte. La publicidad, en ocasiones, también ha tratado de enfrentarnos con ese mismo tipo de escenas, pero como sus fines son mucho más perversos no merecen ser tenidos en cuenta aquí.

Hace tiempo, publicamos en Flylosophy un artículo, Art not war sobre el arte y la guerra, con ejemplos de cómo el artista tiene el poder de ponernos, de una bofetada visual, en la órbita de la realidad del momento, el artículo es del 2005, dios ¡cómo pasa el tiempo! la información ahora resulta algo obsoleta pero bueno, son trabajos que en su momento verdaderamente nos impactaron y a mí, aún pasado el tiempo, lo siguen haciendo.


Bueno, pues a lo que iba, que me he encontrado en A desgana con la obra de Ernest Pignon-Ernest y he pensado... un ejemplo buenísimo, que me viene al pelo para tratar de dar significado a mis tribulaciones de hoy...

Porque en mucha de la obra de este artista, justo la que a mí mas me ha interesado, la muerte es protagonista. Una muerte que saca a las calles y que muestra sin pudor, que no es un documento fotográfico sino arte urbano, del que te encuentras cuando vas a la compra y que está condenado a desaparecer. En este caso, viene envuelto en una elaborada técnica de carboncillo cuya apariencia de arte clásico no le quita ni un ápice de dramatismo y actualidad.


Cuando he visto su trabajo en la ciudad de Nápoles que desarrolló de 1988 al 1995, tampoco es que sea muy actual que se diga, me ha dado un vuelco el corazón, del primer vistazo he creído ver cómo las obras de José de Ribera (El Españoleto) han salido a las calles de su ciudad. Por si no os lo había dicho, cuando tengo que nombrar a de mis pintores preferidos, él siempre está en mis pensamientos.

Pero no es Ribera sino Caravaggio el inspirador de su trabajo, por lo que he leído, pero a mí me parece que alguno de sus martirios ha debido ver. En cualquier caso, en el artículo aparecido en la revista sepiensa.net nos hablan del significado de esta serie de trabajos del autor. Sin que sirva de precedente os animo a que lo leáis, pues contiene algunas reflexiones sobre arte urbano en general.


Yo, a golpe de vista, me quedo con que, es una obra que me conmueve, inevitable tratándose de la muerte, aunque también ayuda que haya sido realizada con bastante perfección técnica y que se emplee un lenguaje artístico de hace 400 años que en mi opinión resulta igualmente eficaz y conmovedor a día de hoy, sin importar que se hable de sida o de cualquier otro tema que nos queramos imaginar.

Otra cosa que me parece importante en esta obra, es que tiene todo en sentido del mundo haberla dejado en las calles de la maravillosa y actualmente inmunda, Nápoles, una ciudad donde es inevitable pensar en la muerte, en el caos, en la suciedad en los mitos y en esa especie de belleza decadente que impregna todo y da color a sus muros. En otro lugar no hubiera sido lo mismo.


Es muy interesante que Ernest realice su trabajo pensando en el contexto en el que va a ser visto, no siempre ocurre, muchos artistas urbanos realizan el mismo tipo de trabajos en cualquier parte del mundo, ¿será porque ahora casi todo se conoce por internet y así el entorno deja de tener importancia?. En el caso de la relación del artista con Nápoles se intuye una total familiaridad y armonía.

El resto de su obra, es interesante también, aunque no tanto para mí, dado que su temática me parece más evidente. En cuanto a la perfección de su técnica pictórica, pues lo que digo siempre, aunque no se puede apreciar bien es su web, creo que me gusta por estar en la calle, en una galería seguramente tendría criterios mucho más exigente, ¿será por eso que no me hace gracia que el arte urbano ande metiéndose en los espacios cerrados?...


Se puede ver más obra, que no aparece en la web, en este vídeo tan efectista.

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Tenía ganas de hablar de un colectivo de arquitectos que conocí gracias al artículo Culture Jamming: Ruido en la transmisión que publicamos en Flylosophy el mes pasado, en dicho texto, hablábamos de distintas maneras de subvertir los espacios públicos invadidos por la publicidad.

Entre todos los artista y colectivos antipublicidad me llamaron la atención los Space Hijackers, un grupo de anarquitectos, dedicado a: "la lucha contra la opresión constante que sufren los espacios públicos por parte de las instituciones, empresas y planificadores urbanos, en su propio beneficio".

Se oponen, entre otras cosas, a la forma en que los usuarios de los espacios públicos cada vez somos más controlados, ya sea mediante circuitos cerrados de televisión instalados para vigilarnos o mediante elementos arquitectónicos diseñados para el control de nuestro ánimo.

Según exponen en su manifiesto "Cada calle está ahora llena de cámaras de seguridad, (para nuestra protección, por supuesto) y cada espacio público está diseñado pensando en el flujo del tráfico. Las personas se han convertido en unidades que se dirigen y se trasladan físicamente alrededor del espacio. El Estado crea un sistema en el que nos movemos y vivimos, un espacio funcional en una escala masiva.
El control al que se somete a los usuarios de dicho espacio, a menudo ha adoptado la forma obvia de dispositivos físicos dentro de la arquitectura, sin embargo también se utilizan otros métodos mucho más sutiles en su diseño, incluso se trabaja con la psicología.

El espacio está siendo diseñado para afectar a nuestro espiritu, nos están imponiendo el estado de ánimo que requieren las empresas para estar en condiciones de competir con sus rivales, para lo cual, utilizan el idioma de su arquitectura y el conocimiento de cómo reaccionar ante los espacios"

Este colectivo de arquitectos, a través de sus distintas acciones de secuestro, tratan de crear conciencia y cambiar la forma en que las ciudades son utilizadas y percibidas. Además de esto, reclaman la devolución de la propiedad pública a lsus verdaderos dueños y muy importante, están en contra de la destrucción de la cultura local, en nombre del progreso económico, que tiende a homogeneizarlo todo.

Como buen movimiento de subversión, trabaja para destruir jerarquías lo cual hacen con medios muy simples, utilizan el mismo lenguaje de los arquitectos y las empresas planificadoras, es decir subvierten su trabajo y corrompen la cultura de la arquitectura.

Ellos quieren confundir, sin pretender en ningún momento sustituir el actual lenguaje erroneo que se emplea en la arquitectura. No tratan de hacer una revolución, que opinan estaría abocada al fracaso, secuestrar los espacios públicos, no como lo haría un movimiento de resistencia, sino con la intención de ser el catalizador, el agente provocador, que haga que los ciudadanos se conciencien y actúen.

También pretenden generar un foro para el debate y el desarrollo de ideas y construir un lugar común donde unos ayuden a los otros con sus ideas.

Casi 90 acciones subversivas has sido llevadas a cabo por este grupo desde 1999 y en todas ellas el sentido del humor es una de sus más importantes aportaciones.

Su primera acción importante fue el secuestro de una línea de transporte del metro de Londres para convertirla en una discoteca. Para ello 150 personas afines participaron en una fiesta improvisada, donde los vagones pasaron a ser un club nocturno con música y bebidas. Los sorprendidos pasajeros fueron invitados a beber gratis. Los empelados del metro tardaron bastante en darse cuenta de la situación y para entonces la fiesta estaba ya en su apogeo.

La intención final era interrumpir por completo la forma en que el metro debe funcionar y destruir ideas preconcebidas sobre cómo los usuarios deben actuar dentro de él, así, todos los que involuntariamente formaron parte de esta fiesta cambiaron su percepción de lo que es un viaje en metro.

Una accion reciente fue la SOCPA - Tube Patrol en la que una supuesta patrulla de informadores oficiales, advierte a los susuarios, que en el trayecto en el metro lo que se lea o escuche es controlado en busca de mensajes políticamente incorrectos o subversivos, invitándo a los que sospechen de la legalidad de sus contenidos, a dejar de hacer uso de ellos.

En Professional Protest Stall on the Police Demo integrantes del colectivo se ofrecieron como apoyo logístico en una huelga de policías de Londres. Descubrieron que este cuerpo tenía gran experiencia en aplastar las manifestaciones públicas pero que no estaban bien informados de cómo hacer oír sus reivindicaciones salariales.

Entonces montaron un stand en el recorrido de la manifestación de los policías para servirles de apoyo, componiendo canciones, diseñando sus pancartas e incluso dándoles asesoramiento jurídico...

Starbuck es uno de sus objetivos predilectos, una de sus acciones, tienen varias, consistió en restaurar los pezones, que la sirena del logo había perdido, en la nueva versión políticamente correcta de su imagen.

Muy sonados han sido sus ataques masivo de Santa Claus irreverentes y borrachos a centros comerciales durante la campaña de navidad.


Me podría pasar hora hablando de sus imaginativos y efectivos secuestros, pero es mejor que vosotros mismos lo disfrutéis en su página, es que son tantos y tan ocurrentes que me cuesta elegir. Si tenéis un rato os garantizo diversión asegurada.

Etiquetas: arquitectura, exteriorismo, humor, street art, todos

Julio se acordó de mí ático cuando vio la obra de Chrissie Macdonald llamada Overgrown. Me ha gustado que haya pensado en mí y por eso la quiero referenciar, ademas me sirve de excusa para dejar por aquí algunos de mis pensamientos en este momento.

Es evidente, por lo que veo, que me estoy escorando irremediablemente hacia las menudencias, hacia lo destruido, lo decadente y lo aparentemente insignificante que anda por ahí suelto.


Me pasa que en este momento estoy cansada de las cosas magníficas, enormes y grandilocuentes, donde el tamaño es lo que cuenta y lo que se está diciendo y el contexto no tienen la menor importancia, eso de "burro grande ande o no ande"...

Tengo la sensación de que lo importante ahora es gritar y bien alto para que se escuche, hay que evidenciarlo todo a lo bestia, que el eco mediático no se apague, el show debe continuar...

Estoy pensando en esto, seguramente por la historia de los graffiti de la Tate Modern y reconozco que no entiendo mucho de qué va el tema...


Comprendo que hay ocasiones en que los actos y obras a gran escala tienen su sentido, pero en otros tantos, lo único que consiguen es una notoriedad mediática que poco tienen que ver con el resultado final de la obra.

A mí, como si fuera una reacción alérgica, cada vez me atrae más lo pequeño, ante tanto estruendo me quedo con el susurro, ante la enormidad del arte XXL, me encandila la nadería, me enamora la miniatura, lo transparente, lo incompleto, lo imperceptible, lo que expira y está a punto de desaparecer, me gusta un arte con minúscula que no es "casi nada".

Me contaba un amigo profesor que la mejor estrategia que conoce para que sus alumnos le escuchen en medio del griterío, es bajar tanto la voz que los niños se tengan que esforzar muchísimo para escucharle. Por lo visto el truco funciona y pasado un momento tiene a todos pendientes de sus palabra.

Si yo fuese artista, me plantearía utilizar la misma estrategia y así cuanto más grande fuera el espacio asignado para la creación más pequeña sería mi obra...

Que conste que se trata de una opinión totalmente subjetiva y falta de rigor y soy consciente de lo fácil que es situarse por encima del bien y del mal y desde ahí lanzar opiniones, pero bueno como por aquí suelo escribir lo que pienso, pues nada os dejo mis cuitas y me gustaría saber vuestra opinión.

¡Ah! y si alguien me puede explicar de qué va lo de la Tate... se lo agradecería...

Gracias Julio por haberte acordado de mí. En realidad poco he dicho de la obra, pero es que necesitaba desahogarme...

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Las obras que esta vez me han llamado la atención, son piezas de una curiosa vajilla y coinciden en que utilizan partes del cuerpo humano en su diseño.


En el primer puesto de mis favoritas, por lo macabro, están las piezas de la artistas Ronit Baranga, en las que partes del cuerpo humano son reproducidas en porcelana y puestas en piezas de cerámica, para el desconcierto del que lo está mirando.

Me han alucinado las tazas y platos de fina porcelana a la que se les han añadido dedos, que hacen las veces de patas, y que dan la sensación de que en un momento dado se vayan a echar a correr. Se llaman Hybrid tea set y fueron creadas para el concurso Dining in 2015 convocado por Designboom.

Tampoco tienen desperdicio sus Plates, set de platos con dedos y bocas incorporados, otras piezas artísticas que presentó en el 2004 bajo el nombre "In the Circle" en la Raánana Municipal Gallery, Israel.

En su Finger Bowls y Finger Vases vuelve a utilizar los dedos como parte de las piezas.


Se trata de un ser de té llamado Blaue Blume Teaset, bastante ornamental, compuesto por tazas azucarero y jarra y en el que las asas son piernas de mujer.


Tampoco tengo más que decir sobre estas últimas piezas, solo que el que las quiera, puede comprarlas on line.

Etiquetas: arte, cerámica, humor, materiales, todos

Andrea Acosta, una joven artista Colombiana que trabaja en Alemania y cuyo proyecto se denomina I-mperfect 2.o, ha realizado intervenciónes en señales de tráfico, que poco tienen que ver con las que estamos acostumbrados a encontrar, mucho más reivindicativas y por supuesto siempre en un primer plano y por delante.


Pues esta artista lo que ha hecho ha sido utilizar la trasera de dichas señales y no precisamente para lanzar mensajes reivindicativos, sino para plasmar en ellas sutiles y delicadas formas vegetales.


Aún con el exceso de información que existe en los espacios públicos, la artista considera que poner estos casi imperceptibles dibujos en el reverso de las señales es un acto subversivo, que utiliza este espacio olvidado para cuestionar la funcionalidad de lenguaje de signos en el espacio público.



Este pequeño cambio en la superficie gris, tiene para mí el poder de interrumpir la vida cotidiana, hacer que la gente se pare a mirar, que cambie sus costumbres lo que inevitablemente conduce, a que reparen en esos pequeños detalles que les rodean.

La técnica empleada ha sido en algunos casos la pintura, en otro vinilos impresos y cortados y por último, directamente el dibujo ha salido a la luz limpiando la superficie.

Esta intervención tuvo lugar en una pequeña ciudad de Alemania, muy cerca de la ciudad de Bremen. La idea era conmemorar el 100 º aniversario de la muerte de la pintora Paula Modersohn-Becker. Desde luego a Andrea le salio un trabajo muy poético.

Echando un vistazo a su blog I-mperfect 2.o me han llamado la atención otra dos pequeñas y casi imperceptibles intervenciones que tienen como protagonistas al reino vegetal, pero en este caso a los más diminutos y humildes hierbajos que crecen a su libre albedrío en el pavimento.

La primera se llama Grasouflage y surgió cuando la artista fue invitada a realizar una intervención de un día, para conmemorar el 10º Mercado de la Flores en Weimar.

En primer lugar sacó el césped de su contexto y lo desplazó para acercarlo lo más posible al hombre, para eso lo colocó sobre los bancos y las sillas, de manera que se convirtió en parte del mobiliario que se uso durante la feria.

Además, colocó pequeñas etiquetas señalizadoras de color amarillo en las que escribió la cifra 0,00 marcando toda la zona donde habían surgido pequeñas hierbas salvajes entre el empedrado. Con ello la autora quería hacer un delicado comentario fuera de contexto sobre el valor y la propiedad en un espacio público.

La segunda intervención, llamada 0,00 fue una continuación de la anteriormente mencionada y consistió en llevar la acción de las etiquetas amarillas a una superficie mucho mayor.

Para ello, eligió una zona con muchas hierbas salvajes, situada en una isleta, en el cruce entre dos calles. Con esta acción, además de más espectacularidad, consiguió un público insospechado al verse obligados los coches a parar en el cruce.

Estas de Andrea son un tipo de intervenciones artísticas que según mi opinión pueden tener incluso más impacto que otras más agresivas, precisamente por apelar a la sensibilidad, a la delicadeza y a lo diminuto.

El resto de sus trabajos, que se pueden ver en su blog, responden a estas mismas característica.

Lo he visto en 72dpi.

Etiquetas: arte, ecología, efímero, jardín, street art, todos

Si hay algo que me resulta hiriente y que encuentro sistemáticamente en cualquier paisaje que visito, eso es una gasolinera. Para mí, son ese tipo de no lugares en los que odio tener que permanecer, sobre todo si voy sola.

Y anda que no hay, surgen como los champiñones, no se cómo el negocio del repostaje da para tener tantas sucursales en distancias tan cortas.

Hace años se podían aguantar, porque se limitaban a una pequeñas casetillas con varios surtidores debajo de un toldo y un bar más o menos decente. Pero ahora, sobre todo las que se encuentran en las autovías, son un monumento al mal gusto y a la ostentación de la marca.

Estas franquicias de la gasolina, están llenas de luces, por si acaso te las pasas, infestadas de logotipos, y bañadas de colores corporativos que son de todo menos discretos.

Lo que a mí más me llama la atención, es cómo se han convertido en miniciudades donde uno se puede quedar a vivir una temporada sin que te falte de nada.

Tienen restaurantes franquiciados, con bocadillos de plástico y cafés enlatados, en algunas incluso te venden pizzas que salen calientes del interior de una máquina. ¿a qué sabrán?.


Las tiendas que allí te encuentran, venden productos que son ideales para hacer un estudio sociológico sobre los hábitos de consumo. Yo sinceramente, siento nostalgia de las cintas de los Chunguitos, que creo tenían más estilo que muchas de las cosas últimamente vistas en sus estanterías.

En estos microuniversos, también podemos pernoctar en hoteles en los que no necesitamos hablar con nadie, se puede conseguir una habitación, simplemente metiendo una tarjeta de crédito en una ranura. Desde luego son para rodar una película de terror, la versión de Psicosis del siglo XXI.

Y ¿cómo están los aseos?...


En fin, unas construcciones espantosas que estropean la estética de cualquier paisaje y que son auténticos carteles publicitarios en 3 dimensiones con los que por desgracia nos tropezamos cada pocos kilómetros.

Todo este rollo me sirve para poneros en antecedentes del trabajo del artista holandés Melle Smets, que ha querido, con su trabajo Tentstation 2007, poner en evidencia, es decir en imágenes, cómo cada vez más las gasolineras forman parte del paisaje que nos rodea y de qué manera, casi sin darnos cuentas, se están colando en nuestro entorno cotidiano, y no sólo en las carreteras sino también en los centros urbanos.

No entiendo holandés y tampoco he encontrado gran cosa en inglés, por lo que no estoy del todo segura de si la obra de de este autor consisten en crear estructuras a gran tamaño, que cualquiera identificaría como una gasolinera, que sitúa en paisajes marinos o fluviales, uno de los pocos entornos en los que aún no tienen cabida. Tiempo al tiempo.

Bueno, sea lo que sea lo que ha hecho y cómo lo ha hecho, las imágenes que me llegan son de lo más llamativo y desde luego hacen pensar.

Además aconsejo echar un vistazo al resto de sus trabajos. Es curioso por ejemplo el Billboard 2007, en el que el autor ha construido la maqueta de un soporte exterior, patrocinado por Ikea y que tras sus carteles de lujo y glamour, esconde un interior y unos alrededores llenos de abandono, pobreza, desolación y suciedad.

No se si me da más grima lo que simboliza o verlo representado con una maqueta tan cutre.

He conocido a este artista a través de Today and Tomorrow y Trendbeheer.

Etiquetas: arte, crítica, exteriorismo, todos, urbanismo

Delicada instalación en espacio público la que ha diseñado el Studio Roosegaarde para la bienal Rotterdam 2007 City of Architecture.


Han ideado una especie de vegetación de luz, que han sembrado a ambos lados de los 40 metros de pasillo del Maastunnel, un túnel peatonal del centro de Róterdam.


El proyecto se llama Dune 4.1 y su autor es Daan Roosegaarde que ha diseñado un sistema de gruesos alambres, insertados en una base, a cuyos extremos superiores se han unido cientos y cientos de cilindro de fibra óptica.


Además de ser un trabajo muy estético y delicado, reacciona al estímulo de los visitantes iluminándose más o menos, según la cercanía y el ruido que producen. Todo gracias a sofisticada tecnología que incluye micrófonos, sensores, software y otros medios de comunicación.


Dune 4.1 y su precursor Dune 4.0, ejemplifica muy bien las nuevas formas que tiene la arquitectura de interactuar con los usuarios, en los espacios urbanos. En muchos casos son las fachadas las que se intervienen, consiguiendo resultados espectaculares, yo prefiero esta aplicación, mucho más delicada y humana.


Si tenéis tiempo, mirad la web de este estudio, sus trabajos, que amalgaman formas artísticas con tecnología puntera, no tienen desperdicio. Lo he visto en Archiact.

Etiquetas: arquitectura, arte, exteriorismo, iluminación, materiales, todos

El artista sudafricano Robin Rhode tiene un interesante trabajo que combina, el más puro estilo urbano, con la fotografía.


Sí, porque su particular trabajo, consiste en dibujar con tiza en la calle y después interactuar personalmente con la obra, en una especie de performance, documentada en fotografías, que en algunos casos exhibe en galerías.


Por ejemplo, si dibuja la silueta de una bicicleta, se fotografía como si se estuviera montando en ella. Si plasma una cancha de baloncesto, juega en ella fotograma a fotograma. Así en todos los casos.


Su obra está muy relacionada con temas tan urbanos como el hip hop, el breakdance, o los deportes. También, según parece, hay en su obra gran carga de crítica social, a simple vista, yo no la he apreciado mucho.


Yo no soy partidaria de informarme demasiado del significado de las obras de arte que veo en la calle, porque digo yo que por eso las han puesto ahí, para que se entiendan por sí mismas, pero si alguien está interesado en saber más cosas sobre el trasfondo más profundo de la obra de Robin, en Rebel:art nos dan todo lujo de explicaciones para su buen entender.


Yo me quedo con las imágenes, que son las que os dejo por aquí y que me hablan de un trabajo ocurrente y con grandes dosis de humor, pero que necesita de un apoyo fotográfico para revelar su verdadero valor artístico.


Lo he visto en Rebel:art de donde he cogido prestadas algunas fotos, la mayoría son de la galería Perry Rubenstein. Os recomiendo echar un vistazo al vídeo.

Etiquetas: arte, exteriorismo, humor, paredes, street art, todos

El artículo publicado hoy por Juan Freire me viene al pelo para acompañar mi historieta de hoy.

Se titula Más allá de la penalización del tráfico: recuperar las calles para los ciudadanos, recomiendo que lo leáis y sobre todo prestéis atención a las 10 propuestas para la recuperación de espacios peatonales en Nueva York, no tienen desperdicio. Ojalá caiga en manos de algún político de por aquí... de los que no opinan que con los atascos se gana dinero.

Pues pensando en cosas similares a las que se comentan en el artículo andaba yo, ya he comentado por aquí mi curiosidad por saber qué pasaría si me plantaba en un parking de la ORA con un sofá y me ponía a leer el periódico.

Bueno pues como eso no lo voy a hacer, decidí embarcar a un grupo de buenos amigos para perpetrar una miniocupación de la Plaza de la Luna de Madrid (mi tormento), de manera pacífica e inocua.

Y pensando, pensando, en algo que no fuera provocativo y que nos hiciera pasar un buen rato, me vino a la cabeza la idea del Permanent Breadfast del que ya he hablado por aquí.


Así que el sábado pasado a las 11 de la mañana nos hemos plantado, mis amigos y yo, en la Plaza de la Luna, con unas mesas de mantel blanco, cada uno con su desayuno favorito, sus tazas predilectas y sus sillas y servilletas, con el periódico y casi con el pijama y nos hemos pegado un desayuno espectacular a nuestra salud y a la de un espacio, supuestamente público, tan tan feo.

Los ingredientes principales, todos comprados en el barrio, han sido, café, leche, zumo, cereales galletas, dulces, frutas y una enorme bandeja de churros y porras recién hechos. Delicioso.

Hemos estado una hora de lo más relajados, algunos vecinos se no han acercado a preguntar qué vendíamos, no hemos echado unas risas y pasado ese tiempo nos hemos tenido que ir corriendo para no mojarnos porque empezó a caer agua con bastante mala leche.

Una experiencia que pensamos repetir una vez al mes e ir ampliando a todo el que quiera unirse, una única condición, que el que esté interesado se lleve todo lo necesario para sentirse como en casa.


Ya dejaré por aquí el aviso para la próxima quedada de los "Desayunos en La Luna".

Y ¿por qué La plaza de la Luna?, pues por dos razones: 1º, porque ya que se está usando para poner cutremercadillos privados que cada vez se apropian de más espacio y más tiempo de ella, queríamos sentir por un momento que también era algo que podíamos disfrutar nosotros.

2º, comprobar cuanto tiempo tardaba la policía en acudir, ya que al estar la plaza sitiada y con cámaras de seguridad por todos lados, era de esperar que en pocos minutos se presentaran.

En este punto tengo que decir que no se les vio el pelo, debe ser que coincidió con la hora de su desayuno, o que tenían mucho trabajo en otro sitio o que las cámaras no vigilan bien...

Conclusión: que la experiencia fue estupenda, falló algo la estética dejada a la improvisación, ya que hasta el el último momento no supimos si podíamos hacerlo, por cuestiones climatológicas, pero el rato fue divertido, divertido.

Gracias amigos Juancar, Nacho, Aretha, Alex, Juanra, Simon, Koldo, por haberme seguido el juego, a los que os rajasteis con escusas tontas como que teníais que ir a cortar el pelo al perro o dar de comer a la palomas... que sepáis que os perdonamos e invitamos a la próxima.


Al resto, pues nada que agarréis a la familia amigos o compañeros mártires y os echéis a la calle a organizar vuestro propios desayunos, comidas, cenas, meriendas o lo que os de la gana en el espacio público, que, mientras no se demuestre lo contrario, es de todos.

De verdad que es divertido y te hacer interactuar con los vecinos, además, cuanto más feo y vigilado sea el sitio, más gratificante serán los resultados. Tampoco hay que organizar mucho y en 2 minutos se monta y se desmonta. Eso sí, sin estropear nada, sin molestar y sin mear en la calle.

Si no os atrevéis a hacerlo por vuestra cuenta, estáis invitados el próximo mes, si es posible, traeros sillas, tazas, cubiertos y algo de comida y bebida para compartir, y si sois varios, alguna mesa plegable...

Nos vemos.

Etiquetas: crítica, todos

Encontré hace tiempo en Neatorama una entrada que hablaba de Sarajevo Rose una iniciativa surgida de ciudadanos, que espontáneamente quisieron hacer visible el sufrimiento de su ciudad. A mí me parece una de las intervenciónes del espacio urbano, más conmovedora que se pueden encontrar.


No me quiero extender mucho porque en internet hay información de sobra sobre el tema, sólo explicar que estas rosas rojas, que por desgracia florecen demasiado frecuentes en el pavimento de la cuidad, fueron creadas por los propios ciudadanos, rellenando con cera roja los impactos de mortero que destrozaron el pavimento y se llevaron por delante la vida de inocentes, en la guerra de Bosnia.


Como no, las fotos son de Flickr.


Esto me ha recordado otro ejemplo de arte espontáneo, esta vez surgido a partir de un desastre natural como fue el Huracán Katrina.


Los servicios de rescate, marcaban con spray, una X en las casas que habían visitado, añadían la fecha, el número de la unidad que la había visitado, los muertos y algunas notas relevantes para el futuro.


Ahora, los vecinos están empezando a plasmar estos símbolos en metal y ubicarlos en el sitio en el que se encuentran las marcas originales, con la intención de no se borren nunca y sirvan como homenaje en forma de jeroglífico a los muertos en la tragedia.


Me he enterado por Life without buildings.


Ya se que no es un tema de sábado noche pero... me he acordado viendo en el telediario los muertos de China y Myanmar y no me ha quedado más remedio que escribir sobre estos pequeños memoriales.

Etiquetas: arte, destrucción, exteriorismo, street art, todos

La obra de Miriam Steinhauser es un intento de evidenciar que el arte en el siglo XXI se encuentra en manos de las grandes corporaciones que lo utilizan para hacerse imagen de marca.


Hasta la obras de los artistas más críticos con el capitalismo de los años 70 ahora pertenecen a esas grandes empresas que hacen de ellas uno de sus más importantes activos por lo que la artista se pregunta si los artistas están colaborando en el juego de las grandes empresas y si se les puede considerar los nuevos aristócratas del sector servicios.


Para su obra Inventory, en la que lleva trabajando desde el 2006, está viajado por todo el mundo fotografiando las sedes centrales, headquarter, de 500 grandes empresas con colecciones representativas de arte.


Cuando las tiene a tiro de cámara, las fotografía junto a su entorno, de manera que siempre haya elementos externos, como coches, personas, arboles... que luego sirvan para indicar que el edificio pertenece a la foto.


Una vez obtenida la foto, empieza el proceso de transformación para intentar hacer desaparecer de ella el edificio, borrando los detalles interiores y dejando sólo las manchas de la siluetas y los detalles del entorno que lo circundan.


Los métodos utilizados para trucar la foto, pueden ir desde los más sofisticados con ordenador a los más básicos empleando el cutter o la mancha de pintura.


Además muchas de las siluetas son sacadas de la foto, ampliadas en cartón, en metacrilato o en lienzo, otorgándoles volumen.


Con esto según explica la autora, lo que está haciendo es, crear es un paisaje de nuestro tiempo, con el que pretende subvertir de manera elegante, introduciéndose clandestinamente en el sistema que rige el mercado del arte.


El resultado es curioso el problema es que hay que leer sobre su significado para poder entenderla en todo su dimensión y eso... bueno... a mí no me hace mucha gracia.


Lo he visto en Vvork.

Etiquetas: arquitectura, arte, crítica, humor, todos

Hoy quiero mostrar una obra realizada con libros como materia prima, pero claro, como tengo el ático algo gris, no serán obras de perfecta belleza, nada parecido a esos preciosos pop up, en los que al abrir una página te encuentras con armónicas formas hechas en papel, edificios que se despliegan o perfectas flores que florecen delante de tus narices.

Nada más lejos de esa imagen, voy a hablar de la obra de la japonesa Noriko Ambe, una artista que literalmente se dedica a agujerear y cercenar libros hasta conseguir piezas de estética irregular y sucia que a mí me parecen de gran belleza y complejidad.


Partiendo de libros cuidadosamente seleccionados, empieza a "pellizcar" porciones aparentemente aleatorias de él, traspasando varios niveles de hojas para formar montones de concavidades que hacen que la forma original del libro sea casi irreconocible.


Algunos quedan reducido a montañitas de papel, como si fuera la representación por cotas de nivel de una montaña. En otros casos parece que el libro hubieran sido acribillado a balazos. También consigue curiosos efectos jugando con las imágenes de cada página que va cortando, por niveles, con agujeros que van de mayor a menor.

Tiene varias series, en algunas, las piezas de papel son blancas, en otras la artista juega con el color y con las imágenes que contiene consiguiendo curiosos e inquietantes efectos.

Los libros utilizados son reales y están en el mercado, no se los ha fabricado ella misma, por lo que me admira más su trabajo, ya que sólo elegir el más apropiado, me parece complicadísimo.


También utiliza simples hojas blancas sin encuadernar, con las que consigue trabajos de gran sutileza y simplicidad, algunos de ellos me recuerdan a las formas que se pueden ver en los paisajes desérticos.


Un trabajos pasmoso, que consigue una increíble belleza, rompiendo y despedazando un objeto ya de por sí bonito. Vamos, que me encanta.

Etiquetas: arte, destrucción, objetos, todos

Me imagino la vida sin publicidad... qué maravilla... aunque con esto tendría que cambiar de trabajo... aún así merecería la pena


Imagino que las cosas se compraran porque nos gustan sus colores y formas o porque en el embalaje aparece una puesta de sol que nos motiva, también porque en las especificaciones e instrucciones, que sería obligatorio que estuvieran a la vista, utilizan palabras poéticas que nos enternecieran, ¿no estaría bien?.


Seguramente seguiríamos comprando las mismas estupideces que ahora, pero por lo menos lo haríamos por decisión propia no por el logotipo y nombre que viene asociado al producto.


Bueno, estoy exagerando "algo" pues quiero presentar a un artista cuyo trabajo consiste en ser borrador de publicidad. Su nombre es Derek Stroup, es americano y lo que hace es mostrarnos gráficamente cómo sería la vida, limpia de esas imágenes, logotipos y mensajes que invitan de manera casi pornográfica al consumo indiscriminado.


Para su serie Candy, ha ideado un packaging sin logotipos ni textos, pero con vivos colores, que actúan como único reclamo publicitario.


Es complicado, en algunos casos, saber lo que contiene los embalajes del artista, pero en realidad es lo mismo que pasa con los productos que compramos, abducidos por vistosos anuncio en los cuales, ingredientes, sabor o aporte calorífico, realmente dejan de tener importancia.


En la serie, Stations and signs manipuló las gasolineras y sus alrededores para hacer desaparecer toda referencia a marcas comerciales y símbolos de consumo. Estoy casi segura que para conseguir estas fotos intervino la realidad o muy bueno es con el photoshop.


¿Cómo queda un billete al que se ha eliminado todas las imágenes y cifras? pues también nos lo muestra en Money. El papel moneda sigue conservando las huellas de su uso, pero no su valor. Muy simbólico ¿no?. Mi favorito, sin duda alguna.


Tiene otros trabajos más pictóricos, que también tienen su gracia. Por ejemplo Graffiti Abatement en que trata de plasmar el resultado del trabajo callejero de graffiteros y la intervención de los servicios de limpieza que cubren las obras con una ilimitada gama de colores, que no se acercan ni por asomo al color de la pared original. Así está ahora mismo Madrid llenita de parches grises.


Unrented Billboards es una serie de pinturas, en el que un soporte publicitario básico y vacío es plasmado en todas sus variantes de color y forma.

Una visión de la vida sin publicidad la que nos da este autor y que para unos puede resultar idílica mientras que otros verán impersonal y estandarizada.


Yo pienso, bueno la idea no es mía, que se podrían utilizar esos espacios reservados a la publicidad, que queramos o no ya existen, para llenarlos de arte público, entonces sería perfecto. Bueno dependiendo de quién lo controlara, como siempre.

No recuerdo dónde lo encontré, lo siento.

Etiquetas: arte, exteriorismo, humor, publicidad, todos

Se trata de un pedazo de artículo que el arquitecto Andrés Moya, autor del blog Bv Bitácora Virtual ha escrito para Flylosophy, otro espacio virtual que comparto con mi compañero y sin embargo amigo Ángel.

Bueno, pues el artículo viene adornado con el bonito título de: La arquitectura como regalo y no es pasión de madre, pero no tiene desperdicio, está contado desde un punto de vista tan cercano y personal que hace que según vas leyendo te impliques sin querer en las vivencias del autor.

En él, como os habréis imaginado, no se habla de esa arquitectura que depende de grandes presupuestos, que pretende convertirse en punto de peregrinación de turistas ávidos de una buena foto y que compite en magnificencia y lujerío con las piezas coleccionadas por el resto de ciudades con ese tipo de intereses.


Se habla de arquitectura que se sustenta en palabras tan frágiles y perecederas como: caducidad, gratuidad, temporalidad y todas las que que se relacionan con la cosa efímera.

Estas obras, tan meritorias y originales, que merecerían estar sujeta a una férrea legislación protectora, sin embargo se plantean como una donación desinteresada.

En el artículo se citan varios ejemplos. Por su espectacularidad no puedo dejar de mencionar el trabajo de Arne Quinze, para el Burning Man Festival del 2007, realizado en Death Valley.

La pieza arquitecto-escultórica, formada por 150 kg de listones de madera, se construyó durante 3 semanas y en las que trabajaron 25 personas hasta completar una estructura de 60m x 30m x 15m de alto, fue quemada en una gran hoguera de fin de fiesta que en el contexto del festival debió simbolizar algo así como un ritual de purificación, o no.

Mas allá de si la pieza es poco ecológica, si contaminó la atmósfera, si destruyó arboles o si fue patrocinada por una marca comercial, lo siento no se puede ser perfecto, el resultado me parece de una complejidad y calidad estética que se agradecería hubiera sido indultada, como el mejor ninot de las Fallas.

Otras piezas que se nombran en el artículo son las realizadas por la Escuela de Arquitectura de la PUCV que lleva más de 20 años realizando arquitectura efímera por América la cual desprendidamente dona a todo el que quiera hacerse cargo de ella, porque en este caso no se destruye, simplemente se abandona.

Al tipo de arquitectura que realizan la llaman Arquitectura de travesía increíble definición para referirse a un tipo de construcción que ni se encarga ni se vende, en la que no hay clientes.


Se trata de obras, que se construyen como acto concluyente de un viaje de estudio de profesores y alumnos (travesía). Suelen estar asentadas en lugares muy remotos, y definidas en el momento y lugar mismo del viaje".
Como ejemplo, por su similitud con la obra de Arne el artículo nombra la pieza realizada por la escuela de arquitectura en Tehuaco, Chile, en 1986, además, en el archivo de la propia escuela, se pueden conocer el resto de sus trabajos.

Como aportación personal una obra reciente que "algo" tiene que ver con todo lo anterior, quizá no esté creada con un concepto tan romántico, pero en la que se puede ver un buen ejemplo de arquitectura efímera aplicada a los entornos urbanos.

Se llama Cityscape y el autor... pues también es Arné Quinze, que esta vez ha pensado en una intervención cuyo fin es llenar un solar a la espera de la construcción de, desgraciadamente, un centro comercial.

La obra tiene como fin ser cobijo para los transeuntes, y aunque está financiada por la promotora del centro comercial, la realidad es que es un magnífico ejemplo de cómo una construcción efímera puede tener un impacto positivo en un barrio, aunque este esté a la espera de un centro comercial.

Para terminar con este post no puedo evitar copiar íntegros los dos últimos párrafos del artículo de Andrés es que me siento incapaz de expresarlo mejor.

"Ciertamente hoy, mucho de la arquitectura más reconocida, y elaborada por arquitectos destacados, proyecta una imagen de tendencia internacional y fuertemente ligada a lo comercial. Una arquitectura mercantil. De producto de marca, que la hace ser costosa para la ciudad que la acoge. Se vuelve adorno y por tanto se cree que deben ser trascendentes e intocables. Arquitectura de lujo, tan exclusiva que las vuelve también poco sociales.


Pero existe también la arquitectura que es obra como la de Quinze y la propia Escuela de la PUCV. Una arquitectura casi antagónica a la tendencia de la mercantilización de hoy. Es una arquitectura, que apela a los actos espirituales, que rescatan o vuelve a aflorar ese vínculo social con los actos urbanos de encuentro y ocupación. Una arquitectura que da lugar a la celebración de fiestas y juegos. Y que contempla en su sentido mismo actos de entrega y compartir desde una gratuidad, como es el donar o el regalar. No son efímeras en el sentido de una anti arquitectura que desaparece y no trasciende. Puesto que su objetivo principal es constituir actos llenos de sentido. Son arquitecturas llenas de actos de libertad de toda atadura. Tanto materiales como temporales".

Y digo yo... ¿que pasaría si en estos párrafos cambio la palabra "arquitectura" por "arte urbano"? ¿No conservarían todo el sentido?.


Hoy estoy contenta, he recibido un magnífico regalo y he aprendido lo que es "Arquitectura de travesía", seguro que no se me olvida. Lo he leído en Flylosophy.

Etiquetas: arquitectura, arte, autobombo, efímero, exteriorismo, materiales, todos, urbanismo

Mi buena amiga Luisa, que de esto de iluminación experimental sabe un montón, sólo hay que darse una vuelta por su blog para darse cuenta, me ha pasado hoy la información de Het Pakt, un grupo de artistas multidisciplinales belgas, que realizan intervenciones urbanas llenas de encanto y sensibilidad y en las que la iluminación es parte esencial.


Según ellos mismos cuentan son un grupo que crean instalaciones multimedia donde la fantasía y los sueños en interacción con la realidad juega un rol determinante. El grupo está formado por 5 componentes que dominan disciplinas varias como la fotografía, el videoarte, la pintura, el sonido, el diseño, la electrónica, la escritura...


Sus instalaciones están compuestas por, un pellizco de vídeo, un puñado de iluminación, polvos de pintura, susurros de música y una buena base de construcción efímera, todo amasado con una gran sencillez.


Los proyectos que más me gustan... pues por ejemplo Fado Morgana una instalación que combina música y proyección y que se desarrolló durante el festival Luzboa 2006.


Consistió en algo tan simple como colgar pantallas blancas en las calles de la Alfama, sobre las que se proyectaron fotos tomadas con una cámara oscura, de caras de los vecinos con los ojos cerrados y que cantaban un fado, cada uno a su manera y separadamente y después se juntaron todas para conseguir que un extraño coro invadiera las calles con su honda música.


En Buda Song y Song for the Whales, se basaron en la misma idea.


En Ceci n'est pas un bus, los pasajeros se montan en un autobús que les lleva en un viaje donde las ventanas se transforman en enormes pantallas, sobre las se proyectan imágenes, que hacen que uno se sienta, por ejemplo, en un mundo de flores, o en el interior de una casa o dentro de un colorido cuadro. Algo similar hicieron en The riddle of the shadowbus.


Un proyecto de lo más inspirador es El Sol un campus musical instalado en una gran zona verde, donde siluetas de músicos, cada una con su instrumento, fueron metidas dentro de treinta burbujas de plástico, tipo tiendas de campaña. Se iluminaban al caer el sol y en cada sonaba el instrumento que portaba el músico que la habitaba. El efecto, por lo menos en las fotos, es mágico, parecen enormes luciérnagas en la noche, haciendo música.


El mismo tipo de campo musical lo realizaron para Surround y para El Sol Leie donde las tiendas con su músico correspondiente se instalaron en el agua.


Tienen más proyectos que merece la pena investigar, pero tengo que confesar que la página me parece tan desorganizada y difícil de navegar, que se me quitan las ganas de seguir por hoy.


Espero que vosotros tengáis más paciencia que yo y disfrutéis de otros muchos proyectos creativos.

Etiquetas: arquitectura, arte, ecología, exteriorismo, humor, iluminación, todos

Cuando me crucé con esta impactante imagen (la de arriba) llamada Geeignet Zur Zucht, tuve la imperiosa necesidad de saber más sobre el autor de la obra, lo que me llevó al artista Markus Hofer, viejo conocido de este blog, y que como siempre logra sorprenderme.


Como ya hable de las esculturas que parecen hechas con pintura sólida, hoy voy a dejar por aquí sólo imágenes de piezas que se relacionan con utensilios y objetos para la casa y que están llenas a rebosar de ingenio. Mesas, estanterías, enchufes, regaderas, macetas... cualquier objeto, es susceptible de convertirse en arte, en manos de este artista.


Sobre todo, ha hecho muchas variaciones a partir de una silla de lo más común. No se yo lo que tendrán las sillas, que inspira a tantos artistas, el otro día fue a Pablo Reinoso hoy a Markus... parecido objeto y resultados completamente distintos.


Comprobadlo vosotros mismos.


Lo he visto en Ffffound.

Etiquetas: arte, decoración, humor, objetos, todos

La agencia de diseño multidisciplinar holandesa Edhv, es un buen ejemplo de cómo compaginando el trabajo, con la investigación y la innovación y añadiendo buenas dosis de sentido del humor y diversión se pueden conseguir resultados válidos y creativos.


En junio de 2007, parte de su equipo, se trasladó a la Feria del mueble de Milán, para tratar de dar su visión sobre lo que allí se cocía y de paso crear algunos prototipos que tuvieran en cuenta lo allí observado. Al proyecto lo llamaron Mln.


El objetivo era elaborar un catálogo alternativo a lo que se estaba mostrando en tan magna feria, para lo cual decidieron preguntar a los visitantes qué era lo que más les gustaba y lo que menos, de los diseños vistos.


Con las respuestas, humildes materiales y las manos, crearon sus objetos, creo que emplearon un día en ello, después los fotografiaron y elaboraron su particular catálogo.


Un ejercicio de divertimento, del que se salieron piezas formalmente interesantes, todas hechas en un pis pas y con gran precariedad de medios. Y es que a veces, es tan bueno dejarse llevar...


Lo he visto en ffffound.

Etiquetas: decoración, evento, humor, materiales, objetos, reciclaje, todos

Me gusta mucho mucho Dan Witz, no sólo tiene un sentido del humor fino, que envidio para mí y que echo de menos en casi todos los artistas urbanos, mucho más peleones y por lo tanto menos sutiles, además su técnica es buena, por lo menos para la calle, otra cosa sería ver obra suya en galería.


Pero sobre todo me gusta, porque entre todas las formas de intervenir y hacer arte en la calle, ha elegido el formato pequeño como forma de expresión y eso me conmueve.


Bueno, en realidad no toda su obra es diminuta, pero la que a mí me gusta sí. Sus preciosistas altares en la Zona Cero, sus barcos a la deriva en chapas oxidadas, o sus pájaros, me parecen piezas, que si tienes la suerte de encontrar en la inmensidad de una megaurbe como Nueva York, es para sentirse verdaderamente afortunado, como si te tocara una lotería artística.


Hoy me he cruzado en Flickr con nueva obra de Dan, su trabajo del 2008, que se llama Ugly New Building 2008 y que se puede encontrar en las calles de Brooklyn.


No es su tipo de obra que más me gusta, pero en ella se pone de manifiesto, su mencionado sentido del humor y su buen hacer. Ha elegido feos edificios de condominios, para intervenirlos con hiperrealistas dibujos de rejillas de ventilación, por las que intentan desesperadamente escapar los personajes que supuestamente habitan estas antiestéticas construcciones.


Supongo que la técnica será la de otras veces, dibujos pegados al muro a los que se ha dado el último toque in situ.


No va a ser muy fácil localizar estas obrillas, ya que el artista se preocupa mucho de darles apariencia y forma real para que pasen desapercibidas, así que, como no de mas pistas para su localización, este nuevo trabajo habrá que disfrutarlo, como de costumbre, en internet.

Etiquetas: arte, street art, todos

Cuantas veces agradezco no conocer la interpretación que el artista hace de sus obras. Esto debe ser deformación profesional. Bueno, pues he encontrado un tipo de artista que no da explicaciones, más que nada porque no puede, no tiene con qué hacerlo.


El tipo de artistas al que me refiero se encuadra en el género vegetal, pues se trata de árboles, que el artista Tim Knowles (este sí que es humano), ha seleccionado, para que le sirvan de dibujantes de su obra.


El procedimiento es sencillo, este hombre ha armado árboles de distintos tipos, con bolígrafos, en unos casos 1 unidad en otros casos hasta 100.


Las ramas dibujantes, descansan sobre grandes superficies de papel blanco, de manera que cuando el viento las mece, los movimientos quedan registrados en el papel, a la manera de un sismógrafo, vegetal, eso sí. Dependiendo de la consistencia de las ramas, el dibujo plasmado es más o menos sutil.


Estos trabajos forman parte de una serie llamada Circular Weeping Willow que consta de 7 obras pintadas por el propio árbol (me da la risa) y otras tantas fotos que el autor ha tomado, donde se documenta el proceso, ambas se exhiben juntas.


Por ejemplo en la Circular Weeping Willow se implementó un sauce llorón del Victoria Park, de Londres con 100 bolígrafos que interactuaron con una superficie de papel circular. En la pieza Scots Pine on Easel es un pino escocés el encargado de dibujar, con la ayuda de un sólo bolígrafo. El resto de los ejemplos se basan en el mismo sistema.


Estas obras fueron llevadas a cabo durante el 2005 y 2006, pero anteriormente Tim ya había hecho dibujar a objetos como coches, en la serie Vehicle Motion Drawings o globos en la Balloon Drawings.


A finales del 2006, en el puerto de Bristol, Inglaterra, los transeuntes fueron convertidos, también por este artista, en improvisados dibujante, al quedar sus movimientos registrados, en forma de estela de luz, sobre gigantes pantallas de leds. La pieza se llamó Field of Play y creo que aún existe.


No quiero profundizar en si eso es arte o no, pero sí puedo decir que los patrones y secuencias de movimiento que dejan, los árboles y objetos, en el papel, son visualmente agradables y para mí, poco más...


Ahí dejo las fotos para que opinéis. Lo he visto, junto con otras mil marcianadas relacionadas con árboles, en Web Urbanist.

Etiquetas: humor, jardín, todos

Mientras un túnel de Londres ha sido pintado de cabo a rabo por cientos de artistas urbanos, que se han juntado en el más grande festival de stencil que hasta estas fechas se ha organizado en el mundo, otro artista inglés, Paul "Moose" Curtis, se ha ido a Estados Unidos y limpia que te limpia ha convertido un túnel de San Francisco en un bosque urbano utilizando la técnica del "reverse graffiti" que le ha hecho famoso.


Como ya conté, esta técnica consiste en limpiar, con chorro de agua a presión, o con un simple paño, años y años de polución y suciedad en los muros. No quiero entrar aquí en si este tipo de graffiti es mas o menos legal y ético que los realizados con spray y pintura, prefiero quedarme con los resultados estéticos.


El limpio mural, representa un bosque de sombras, que me recuerda antiguos dibujos japoneses, pero en negativo. No es que el trabajo sea una maravilla pero tiene un encanto gris y algo triste que capta mi atención. La caducidad de la obra, según su autor, es de algo menos de un año.


Lo que está claro es que los túneles se han puesto de moda, tanto entre los que les gusta pintar como entre los que prefieren borrar, aquí en Madrid los más interesantes aún son muy nuevos pero dejemos pasar unos pocos años del intenso tráfico que nos caracteriza y serán un lugar mítico para los reverse-graffiteros de todo el mundo.


Las fotos las he sacado del albun de Dennis en flickr, llamado reverse graffiti on the broadway tunnel approach.

Etiquetas: arte, exteriorismo, flores, paredes, street art, todos

No puedo evitar quedarme mirando extasiada cómo quedan las paredes medianera cuando es derribado un edificio adosado a otro.


A veces se encuentran pequeñas pistas de la pasada vida en esas casas, cuadros aún pegados a las paredes, el papel pintado o el color de las paredes, todo nos está contando historias, muchas de ellas tristes, otras precipitadas, como si los moradores hubieran salido repentinamente, olvidando recoger hasta la ropa que aún se puede ver colgada de las perchas.


El libro Construction Site: Metamorphoses in the City recopila, entre otras cosas, fotos de paredes medianeras, limpias y casi sin rastros de vidas pasadas pero que aún así componen imágenes de bella destrucción. Y son tan difíciles de encontrar ejemplos tan perfectos como esos...


Lo he visto en A Daisy Dose of Arquitecture. Las fotos pertenecen a la serie Restarchitektur de Marcus Buck.


En Urban Idade se pueden encontrar algunos ejemplos de derribos en Madrid, no tan estéticos como estos de los que estoy hablando hoy, pero igualmente interesantes.


También quiero dejar el link que me han enviado desde Escrito en la pared sobre un grupo de flickr The Unconscious Art of Demolition, con montones de fotos de derribos y medianerías que recomiendo echéis un ojo. Las fotos son de gran belleza y en algunas de estas paredes me he reencontrado con trabajos de Sam3 y Jorge Rodríguez, que forman una combinación perfecta, para mi gusto.

Etiquetas: arquitectura, destrucción, paredes, todos, urbanismo

No tengo gran cosa que decir sobre la extensa y perturbadora obra de la japonesa Chiharu Shiota, bueno, en realidad no se por qué he pensado en una mujer al verla, podría ser un hombre...


Mirar las imágenes de sus instalaciones ya me produce desasosiego, pero me gusta hacerlo, no quiero ni pensar cómo me sentiría metida en una de sus habitaciones.


Lo he conocido a través de Vvork, y me ha recorrido un escalofrío por la espalda.


Que ustedes lo pasen mal...

Etiquetas: arte, evento, materiales, todos

Perdonad si soy pesada con el tema de la utilización de los espacios públicos, pero es que empieza el calor, mi ático no tiene terraza, y además veraneaba en un pueblo donde la gente sacaba las sillas a la calle y allí se quedaban comiendo, bebiendo y charlando hasta altas horas de la madrugada, creo que a esto no se le puede llamar botellón ¿no?


Así que me siento obligada a dejar por aquí la iniciativa de Annechien Meier esta artista holandesa que ha pensado mucho en cómo facilitar a los habitantes de grandes ciudades, el acceso a zonas verdes, aunque sean portátiles.


Como su página esta en holandés no entiendo nada pero con ver las fotos me imagino de lo que se trata. En Mobile Garden la artista ha creado un jardín, bueno, más bien una huerta sobre una plataforma móvil, de manera que sea fácil aparcarlo y desplazarlo por áreas urbanas en las que el contacto con la naturaleza es prácticamente inexistente.


Como si de un fenómeno de feria se tratara, la huerta móvil se puede ir desplazando de barrio en barrio para la sorpresa y admiración de todos los que desconocen que las verduras se crían en la tierra y no vienen envasados de fábrica.


Debe ser muy educativo implicarse en temas de plantación y cuidado de las plantas de este huerto, tarea que requiere dedicación colaboración y trabajo en equipo.


Me parecería estupendo poder pasear una huerta por el centro de la ciudad, si se ponen unos asientos en la plataforma, resultaría un trayecto de lo más agradable. También se podría aparcar en la zona reservada para coches y permanecer allí el tiempo reglamentario para luego cambiar a otra ubicación necesitada de verde.


Cambiaba yo alguna de las carrozas que desfilan por Madrid en la Cabalgata de Reyes o en las fiestas del Orgullo Gay por otras como estas, más ahora, que está tan de moda el tema ecológico...



Una variación sobre el tema "jardín sobre plataforma móvil", es su Mobile Garden II para el que la artista ha elegido el techo de un autobús urbano como superficie para cultivar en él su particular espacio verde.


Dicho jardín fue aparcado en la puerta del Museo Norbotten de Lulea, Suecia durante la Bienal que se celebró en bajo el tema, arte y naturaleza.


Lo mismo hizo para su proyecto Mobile Garden III para el que colocó una huerta en las parte superior y alas de una avioneta, esta vez durante la Bienal de Arte de Corea del Sur.


Huertos y jardines móviles... que buena idea... aunque hay que tener cuidado para que no consuma mucho combustible en sus desplazamientos...

Lo he visto en Next Nature.

Etiquetas: arte, exteriorismo, flores, jardín, sostenibilidad, todos

David, con quién he compartido bromas estos días sobre qué pasaría si aparcaba mi sofá en zona reservada para los coches y me pusiera a leer tranquilamente el periódico, previo pago de la tarifa de la ORA, me ha mandado información sobre un proyecto que llevó a cabo junto a Genoveva Carrión para Transite 2006.


Ojos que no ven, corazón que no siente que así se llamó su propuesta ganadora, consistió en aprovechar el cajón de la obra de la Iglesia del Salvador de Sevilla, un muro de obra de lo más básico, para convirtieron en un elemento de mobiliario urbano, un sofá, utilizable por los ciudadanos.


Y esto se llevó a cabo mediante una acción tan simple como acolchar dicho muro y parte del suelo, con tela resistente a fuego y antidesgarro, con lo que se consiguió un gigantesco y cómodo sofá público que se acompañó con unas grandes cortinas perforadas rojas, que hacían más confortable el lugar y de paso lo señalizaban.


Todo el proyecto está documentado en el blog Intrometidos, que los autores crearon para ese fin.



Siguiendo con la idea de intervenir los espacios públicos y hacerlos más confortables a los usuarios, he recopilado algunas cosillas que tenía guardadas, en las que colectivos más o menos artísticos ofrecen a los ciudadanos medios para descansar en zonas que normalmente no están acondicionadas para este menester.


No voy a hablar del proyecto PARK(ing) porque, aunque es de las acciones que más me gusta y me parece más confortable, ya lo hice en un post llamado Verde que te quiero verde.


Otra iniciativa que me encanta es la Permanent Breadfast, que surgió en 1996 cuando un grupo de artistas comenzó a desayunar en lugares públicos.


La idea es bastante simple, una persona invita a desayunar a otras en cualquier sitio público y estas se comprometen a invitar a otro desayuno en la próxima fecha posible.


De esta manera, hasta el día de hoy, estos desayunos se siguen convocando y en ciudades como Praga, Berlín, Oslo, Nueva York o Melbourne no es raro ver una hermosa mesa del desayuno en un parking, una calle, en un parque o centro comercial.


Me parece una civilizada manera de disfrutar de un espacio común, compartiendo el desayuno con amigos. Será cuestión de convocar alguno en la Plaza de la Luna, si es que no está invadida por algún cutre mercadillo medieval.


Otro interesante proyecto relacionado con el acomodo en la vía publica es el llamado public chair que se llevó a cabo en Nueva York en el 2005.


Si no he entendido mal, consistió en recuperar de la basura, sillas y objetos para sentarse y, mediante una plantilla en la que se podía leer Public Chair, marcarlas para de esta manera cobraran protagonismo y se convirtieran en una especie de donación a la comunidad y que fuera aprovechada para hacer un alto en el camino, reflexionar, descansar y disfrutar de noches de verano al aire libre.


Con esta acción, se cumplieron dos buenos objetos, reutilizar objetos inservibles, asignándoles un nuevo uso y a la vez dotar de infraestructura a los espacios públicos.



Una iniciativa parecida, Siéntese, se inició en Madrid en el 2007 bajo el auspicio de Patio Maravillas y consistió en recatar sillas de la basura y después de darles un tratamiento de escultura (pintarlas de color dorado), sacarlas a la calle para que pudiran ser utilizadas como espacios para el diálogo y el disfrute público.


Toda la evolución del proyecto, que creo aún no ha terminado, se puede encontrar en su blog Siéntese.


Y estas son algunas creativas y cómodas maneras, de sentarse en los espacios públicos, sin necesidad del patrocinio de las instituciones y sin tener que consumir bebidas y comidas a precio de escándalo.


Hay que tomar nota... que llega el veranito...

Etiquetas: arte, evento, exteriorismo, humor, mobiliario, objetos, reciclaje, sostenibilidad, street art, todos

Ya he hablado más veces del estudio sueco Front en este blog y es que todo lo que diseñan suele ser reseñable, por la frescura y contemporaneidad de sus piezas, que podrán gustar más o menos pero que desde luego son rabiosamente modernas.


En la Feria de Milán, que se acaba de clausurar, han presentado su último trabajo, Shade, consistente en una colección de objetos y muebles de un blanco inmaculado con motivos de sombras bocetadas, a base de trazos negros.


Me explico, todas la piezas son blancas, simples y sin relieves, y como si de un trampantojo se tratara, las sombras que conforman otras formas más complejas, han sido impresas encima, con negros trazos de dibujante, algo torpe e inexperto.


Con esta técnica, un espejo plano, se convierte en otro con bisel y destellos, la mesa es dotada de un mantel con vuelo, la alfombra se ha doblado y descolocado, el jarrón simple y tubular ahora está tallado y los platos, tazas, jarras y lampara pasan a estar en una atmósfera de claro oscuro, por obra y gracia de los dibujos de su superficie.


Hay que reconocer que las piezas son bastante divertidas, aunque para no tener más de una en el mismo sitio, seguro que llegan a cansar...


Como siempre, lo dejo por aquí por si a alguien le inspiran o se le antoja comprarlas. Eso sí advierto que aunque parecen obras poco más que bocetadas, el precio debe corresponder un trabajo perfectamente concluso.

Lo he visto en Dezeen.

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No puedo pasar un segundo más sin publicar las fotos del trabajo de Pablo Reinoso este artista franco argentino que me ha dejado impactada con su obra, pura poesía en 3D, que el autor ha creado tomando como base pieza de mobiliario clásico.


Primero he visto su serie Spaghetti Bench, en la galería Carpenters Workshop Gallery. Se basa en el típico banco de tablas de madera que se usa para exterior en uno de cuyos extremos, parece como si la madera hubiera sido presa de un incontrolado acceso de crecimiento, que hubiera provocado un efecto parecido al de raíces, que se extienden salvajes, formando una maraña de maderas sinuosa que me hacen pensar que estos objetos tienen vida propia, y que nunca van a dejar de crecer.


En el modelo sencillo, los extremos del banco se retuercen como si la madera estuviera trepando por la pared. En el modelo doble, las tablas de los extremos se buscan hasta encontrarse y entrelazarse en un intrincado abrazo, que les hará inseparables.


Después de ver esto, tenía que seguir investigando y en la página del autor he encontrado otras maravillas como Thonet y Thoneteando una serie de piezas en las que toma como motivo la silla Thonet, con la que hace gran cantidad de variaciones y permutaciones.


A mí me parece como si el autor quisiera representar, mediante la repetición y superposición de partes de la silla, en unos casos, distintos desplazamientos de la pieza y en otros, la sombra que ésta proyectaría.


En otras piezas, igualmente bellas, partes de la silla han crecido desmesuradamente, como si tuvieran vida propia, produciendo efectos sorprendentes.


Mejor que lo apreciéis vosotros mismos, es que las cosas con poesía son difíciles de explicar. Espero que os guste tanto como a mí.


Lo he visto en Iconeye.



En este momento en el Musac se puede ver la colaboración del artista con la bailarina Blanca Li que tiene que enfrentarse a la disfuncionalidad de sus muebles, a través de la danza.

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