Poéticas imágenes para una calurosa tarde de domingo de futbolística tensión contenida. Para mitigarla os dejo las relajantes imágenes de las intervenciones que el fotógrafo Darren Harvey-Regan ha realizado en desiertos y misteriosos paisajes.
La ropa, suspendida en palos y rodeada de vacío, puede recordar solitarias banderas ondeando al viento, también podría funcionar como románticos espantapájaros sin nada que espantar o como improvisados marcadores de lugares que a nadie interesan, pero irremediablemente también me hacen pensar en presencias humanas misteriosamente desaparecidas e incluso ahogadas.
La serie de fotografías, que el autor ha tomado de estas intervenciones, se llama Sticks y representan, "la ambigüedad entre la ausencia y la presencia, lo conocidos y lo desconocido, lo oculto y lo revelado...".
Que tengáis una entretenida y gratificante tarde, yo corro a refugiarme en el cine.
Lo he visto en la galería virtual Eyestorm que vende sus fotografías por 340 libras. También les he tomado prestadas las fotos.
Mirándolo esta mañana de lunes, me he acordado de la banderas de los naúfragos, pero aquí no parece que haya balsas, ni isla desiertas ni siquiera los propios naúfragos han permanecido.
Etiquetas: arte, fotografía, todos
La obra de Carolin Reichert me han atrapado, no al primer golpe de vista porque no es pretendidamente impactantes, mas bien hay que fijarse un poco para descubrir qué es lo que la hace especial.
Según la autora, su trabajo es un inventario de la memoria. Está interesada en estudiar la percepción del individuo de la realidad y como influye la memoria y el recuerdo en ese proceso.
Sus imágenes retratan breves momentos, del pasado, congelado, re-enmarcado y deliberadamente transportado a su nuevo contexto, con el que entra en contradicción o incompatibilidad. La evolución de la imagen da lugar a varias capas de imagen que interfieren en la percepción y que nos traen a la mente recuerdos pasados. Su trabajo se ocupa en última instancia, de visualizar "presencias ausente".
Yo sólo añado que me gusta porque contiene misterio, es sutil y juega con mi percepción, de manera que no me queda otra que pararme a estudiar detenidamente lo que me está proponiendo. Increíble su serie Space Between.
Sorprendentemente además, los materiales que ha utilizado para lograr su cometido no son nada sofisticados, como cabría esperar, casi se limita al empleo del papel y el cartón.
Muy buena esta Carolin, os invito a que echéis un ojo a su trabajo. Yo la he descubierto a través de PYTR75.
Etiquetas: arte, fotografía, humor, objetos, simplicidad, todos
Estatuas de insignes personalidades romanas, se han unido a las protestas ciudadanas, contra la excesiva emisión de gases contaminantes a la atmósfera, que entre otras cosas verdaderamente nocivas para la salud y el medio ambiente, también esta deteriorando el patrimonio escultórico de la ciudad de Roma.
Se trata de la acción llevada a cabo por un grupo de activistas medioambientales llamado Terra! en la que durante la noche, intervinieron estatuas públicas de Roma, equipándolas con máscaras antigás y colgando en sus cuellos señales de prohibición con el símbolo CO2.
La sorpresa de los viandantes debió ser mayúscula, al ver como emperadores romanos, magistrados de la corte romana, prestigiosos generales personajes mitólogicos, celestiales y otras relevantes personalidades de mármol, amanecieron de esa guisa.
El trabajo de los activistas debió estar muy bien planificado puesto que se realizó en una sola noche, en la que se intervinieron 150 estatuas, algunas con acceso verdaderamente complicados, como los ángeles que están el el camino que conduce al Castel Sant'Angelo, que son de 4 metros de altura. Aún así nadie se dió cuenta...
Según los activistas, con esta acción, querían hacer un llamamiento a la Comisión Europea para que intervenga y dicte severas normas que controlen la emisión de dióxido de carbono a la atmósfera y poder reducir así los gases de efecto invernadero.
Nitratos, metales pesados y dióxido de azufre en la atmósfera están consiguiendo que el mármol y el bronce de las obras de arte situadas en espacios públicos, se esté deteriorando ojos vista.
Otra acción de guerrilla en la que las sufridas estatuas de la ciudad se convierten en objetos activos de una campaña reivindicativa, en muchos otro casos se trata de celebraciones populares. Ya he conocido yo unas cuantas y las pobres estatuas nunca se quejan. No me extrañaría que de verdad un día se bajaran de su pedestal para reivindicar su derecho a que las dejen en paz.
Lo he visto en Eternallycool.net
Etiquetas: humor, intervención, todos, urbanismo
No suelo hablar de campañas de publicidad aquí, bueno sí que hablo, siempre para criticarlas... pero como esta por una buena causa... y está bien hecha... pues me tiro al barro y espero que no me lo tengáis en cuenta...
La campaña Get London reading se ha llevado a cabo en Londres el pasado marzo, con la intención de fomentar la lectura entre los ciudadanos e invitar a pasar más tiempo en compañía de los libros.
Ha sido ideada por la agencia Kent Lyons, que ha editado una guía, The Rough Guide to London, en la que se narras historias de novelistas, poetas y dramaturgos que han vivido en Londres a través de los siglos.
Para dar a conocer la iniciativa, han utilizando el lenguaje urbano y por medio de plantillas, se han dejado por toda la ciudad párrafos reseñables de libros, además se han vinilado textos en los escaparates y se han impreso en cajas.
La idea no es que sea absolutamente novedosa, pero cumple bien el fin que se propone y no es demasiado agresiva con la ciudad. La galería de fotos de la campaña, se puede ver, cómo no, en Flickr.
Otros textos, esta vez con un propósito más reivindicativo y artístic los he encontrado, por ejemplo, escritos en la calles de Bristol:
"Go to work, send your kids to school follow fashion, act normal walk on the pavements, watch T.V. save for your old age, obey the law Repeat after me: I am free".
O: "Say No - War, Law, Hate, Plastic, Work, Cars Say Yes - Peace, Freedom, Love, Hemp, Play, Bikes".
También Stencil Revolution, una web que se define como "collectively recontructing the urban canvas" nos dice que, "The best things in life aren´t things" o esta otra sentencia, muy apropiada para los tiempos que corren "I´m only popular on internet", entre otras muchas cosas...
Robin Howie con su intervención A Dialogue with Public Space deja mensajes muy visibles, en los que hace alusión al uso de los lugares públicos. Para ello emplea enormes letras corpóreas de color blanco, que sitúa en espacios al aire libre o en interiores también de uso público.
Otro día hablaré de Jenny Holzer y de Barbara Kruger artistas de gran envergadura que merecen un post para ellas solitas.
Mike me informa que en Monterrey el artista Armando Alanís Pulido ha llevado a cabo en el 2006 su Acción Poética en la que ha escrito sus frases poéticas en los muros.
El autor explica que "En México las editoriales que publican poesía hacen tirajes que van de los quinientos a los tres mil ejemplares, y una barda pintada en una de las principales avenidas de la ciudad de Monterrey, puede ser leída por trescientas mil personas diariamente..."
Etiquetas: arte, crítica, humor, publicidad, simplicidad, street art, todos
Lineal, monocromática, imágenes aparentemente simple que esconden una complejidad, que me perturba. Así percibo yo la obra de la artista Esther Stocker.
Ella trata de engañar, ofreciendo una visión espacial, que falsea una, a simple vista, ordenada realidad en la que siempre hay piezas que no encajan y donde su obra tridimensional parece pintura mientras que los murales adquieren tridimensionalidad.
Abstracción, suprematismo, op art, cubismo ... muchas referencias artísticas me vienen a la cabeza cuando miro su trabajo, que al final se concreta en simples líneas negras que atraviesan y descomponen el blanco espacio aunque también se podría decir que son las líneas blancas las que rompen el fondo negro.
Y no tengo mucho más que contar, es lo que tiene que una obra sea tan visual, os dejo las imágenes para que también os atrapen a vosotros.
Lo he visto en Vvork.
Etiquetas: arte, paredes, simplicidad, todos
He dicho algunas veces que estoy harta de escuchar y leer sobre las grandes inversiones en arquitectura de marca que se están realizando por aquí y por allá para tratar de dar lustre y prestancia a zonas con altos intereses especulativos, así que tenía ganas de dejar por aquí algún ejemplo de lo que la simple pintura puede conseguir en barrios o zonas degradadas, marginales o simplemente estéticamente feas.
En algunos casos, la intervención de color se ha limitado a la aplicación de una mano de pintura monocromática, en otros se han diferenciado distintas áreas de color y en un tercero, el más interesante para mí, ha hecho falta la participación de un artista. En ninguno de los ejemplos se han tocado elementos arquitectónicos ni se han añadido ornamentos.
El grueso de la información que aquí aparece me la ha proporcionado Juan Freire, fuente de inspiración constante, esta vez la he sacado de su artículo, Favela painting, ¿arte para cambio social?.
Ejemplo de cómo un color puede sacar a la luz una problemática social, lo encontramos en la intervención del artistas Florentijn Hofman, que utilizó la pintura azul para su trabajo Beukelsblauw, con la que cubrió varios edificios del principios del s. XX en Róterdam. El artista se propuso mantenerlos de ese color hasta que se decidiera sobre el futuro incierto de dichos edificios. En realidad lo que consiguió fue que pasaran del anonimato a ser los más fotografiados de la ciudad.
Con color también se consiguió evidenciar la decadencia de una serie de edificios en un área deprimida de Detroit. Esta vez, el culpable fue un eléctrico color naranja, el Tiggerific Orange, patentado por Disney. El proyecto, llevado a cabo por un colectivo de artistas, fue llamado Object Orange.
Aparentemente con intereses menos altruistas, el polifacético y todopoderoso artista Julian Schnabel ha intervenido de vivo color rosa, un antiguo edificio del West Village de Nueva York. Esto ha suscitado un fuerte debate y un conflicto vecinal lo que ha producido un eco mediático que ha dado relevancia al edificio en cuestión, intuyo que elevando su precio notablemente.
Uno de los casos en los que más fácilmente y a mayor escala se puede comprobar el efecto revitalizador que ha tenido la simple pintura, es el caso de Tirana la capital de Albania. Desde el 2000, su alcalde, Edi Rama, está empeñado en mejorar el aspecto de una ciudad gris, deprimida, descuidada y postcomunista, utilizando para ello un ejercito de pintores que han aplicado arriesgadas y coloristas composiciones a las poco atractivas construcciones comunistas.
Así, ha llenado de color la ciudad y este simple y no demasiado caro gesto, ha hecho que la calidad de vida de sus habitantes, por lo menos en apariencia, haya mejorado.
La iniciativa más interesante para mí, porque comprende otros aspectos como la participación vecinal, es la que se conoce como Favela Painting y que puede leerse con detalle en el artículo de Juan Freire.
Copio un párrafo, "Promovido por la Fundaçcao Firmeza pretende crear murales de gran formato en "lugares donde las personas están socialmente excluidas" con el fin último de apoyar un proceso educativo y motivar a las comunidades locales, especialmente a los más jóvenes, para que mejoren su imagen hacia al exterior y hacia el interior construyendo una identidad más positiva de sus propias comunidades".
Y por cierto ¿qué pasa con los muros privados?, ¿es que a nadie le apetece tener una obra de arte en su fachada, en su tapia o en su pared medianera?.
Etiquetas: arte, exteriorismo, paredes, street art, todos, urbanismo
Me ha llamado la atención la obra del fotógrafo Kimio Itozaki, se llama Fotomo y se exhibe en el 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa.
El trabajo de este artista, consiste en fotografiar espacios urbanos, imprimirlos y con estas fotos construir pequeños escenario tridimensionales en los que se combina el realismo de las fotografía con la presencia física de una maqueta en tres dimensiones.
Para conseguir este efecto, recorta los edificios y los pliega para dar volumen, y los sitúa verticalmente sobre una base, después añade detalles, como personajes y objetos, que pega en distintos planos que le ayuda a simular esa tridimensionalidad.
La falsa perspectiva conseguida con las imágenes fotográficas, transmite una sensación de profundidad en un espacio limitado y se puede ver desde varios ángulos. Así, estos volúmenes planos consigue una auténtica idea de realidad.
Las temáticas que utiliza el artista para sus Fotomos, son cotidianas escenas de calle, nada de famosos edificios, ni sitios turísticos, porque lo que trata es de reivindicar el encanto de lo cotidiano, de lo ordinario y de lo que para muchos resultaría prosaico.
Según él artista, trabaja con el concepto de "Impersonal Art" que hace referencia a algo no creado intencionadamente y que es el resultado inconsciente de los pensamientos y las acciones de muchas personas, al igual que una obra de arte sin un creador. Su único merito es haber descubierto el mérito artístico de algo que no fue creado como arte y fotografiarlo.
Para los que no puedan adquirir alguna de sus obras, Itozaki ha creado el Fotomo Papercraft, que cualquiera puede montar, descargándose un pdf de la web y siguiendo al pie de la letra las instrucciones.
Me gustan estos escenarios japonesas en papel, creo que reflejan a pequeña escala las particularidades y contradicciones de una sociedad, tradicional y vanguardista a partes iguales.
Lo he visto en Rag and Bone.
Etiquetas: arquitectura, arte, humor, todos, urbanismo
Pensando estos días en la "penosa" directiva europea del retorno de inmigrantes indocumentados y su estancia en campos de internamientos hasta 18 meses, si es necesario, no he podido evitar pensar en la obra Hotel Democracy presentada por su autor Thomas Hirschhorn en Art 40 Basel.
La pieza fue creada para la exposición Common Wealth de la Tate Modern y en ella se representa un hotel, a la manera de enorme casa de muñecas torpemente realizada y ensamblada, atestada de objetos e imágenes.
Sus 44 habitaciones, llenas de muebles humildes y anacrónicos, cuyas paredes están repletas de elementos gráficos, componen un mural inmenso e intenso y tan real, que no he podido evitar que el desasosiego me invada, y eso que yo sólo he visto fotos.
Cada dependencia representan una manera de entender la democracia y la lucha para conseguirla. Sus paredes han sido cubiertas con imágenes simbólicas sacadas de los medios de comunicación y el huésped de ficción que se acerque a este hotel, puede elegir establecerse en la que más identifico se sienta.
El dramatismo de esta impresionante pieza, se refuerza con la utilización casi descuidada que el artista hace de materiales tan básicos como la cinta de embalaje, las láminas de plástico, el cartón, el aluminio y el contrachapado.
Copio lo que dice el autor sobre obra "Hotel Democracia es una escultura de un edificio que contiene diferentes conceptos, realizaciones, malentendidos, perversiones, esperanzas, sueños y desastres de la democracia... y yo quiero representar esa confusión sin juzgarla ni jerarquizarla".
El visitante de la exposición, puede adentrarse en la instalación, para apreciar con detalle la realidad que intenta mostrar el autor con la ayuda de las impactantes imágenes que pueblan sus paredes, pero esta visita no lo va a dejar impasible y se verá obligado a tomar conciencia de la realidad, lo que puede ser altamente perjudicial, si no se quiere "saber".
Yo, al hilo de lo que me trajo aquí, me imagino ese hotel, habitado por esos inmigrante sin papeles, non gratos para nuestra democracia, que deberán pasar una larga temporada en él. No me quiero ni imaginar, cómo cada uno representaría en su habitación, la idea de democracia que le hizo querer establecerse aquí y la realidad de democracia que tendrá al final de su viaje. Deberíamos obligarnos todos a pasar por ese hotel.
Me he enterado por Designboom.
Es imprescindible echar un vistazo al resto de la obra de este autor, se puede ver en la galería Stephen Friedman y tengo que decir que es de las obras más provocadoras, que he visto últimamente, pero con una provocación de las que de verdad me tocan, sin necesidad de epatarme.
Por enésima vez tengo que hablar de cerámica, es que no puedo evitarlo, me parece que ese material tiene un lenguaje propio forjando a lo largo de los siglos, que si cae en malignas manos, es perfecto para lanzar mensajes provocativos.
Hoy traigo un trabajito del que poco hace falta explicar. La serie de objeto de porcelana Lust and Gluttony ha sido creada por el artista Chris Antemann, basándose en la lujosa porcelana estilo rococó, que se utilizaba como detalle decorativo en el centros de las mesas y en la que se solían representar escenas costumbristas de la corte.
Y detalle no le falta a la obra de Chris, que ha utilizado para sus escenas de porcelana, los dorados, la ropa y tocados de época, la barroca arquitectura y mobiliario, los detalles decorativos florales, pero todos empleados traviesamente para representar escenas orgiásticas, en las que es inevitable que se te escape una sonrisa al ver a los personajes de la nobleza en actitudes de lo más mundanas y desenvueltas.
Parejas practicando sexo encima de los muebles, menage-à-trois en las barrocas camas, orgías de lujuria y comida, sexo en los sofás... un catálogo bien variado de aptitudes no aptas para figuritas de porcelana al uso.
Buena pieza este Chris. Como siempre, mejor ver las fotos.
Lo he descubierto a través de Moco Loco.
Etiquetas: arte, cerámica, decoración, humor, todos
Herman Van Ingelgem, es un artista que crea instalaciones arquitectónicas y luego las fotografía.
Su serie Locations, es sorprendente, elige edificios solitarios y suburviales, de construcción moderna pero totalmente anodina, y les tapia puertas y ventanas, con lo que consigue un efecto de lo más surrealista.
Se podría decir que por el hecho de haber desaparecido todas la aperturas al exterior en estas construcciones, el autor ha conseguido que estas casas se hayan convertido en esculturas.
Así de simple y para mí, así de inquietante. Me estoy imaginando cosas horribles dentro de ellas. Qué miedo. Ya casi me asustaban antes de la intervención.
Después, ha fotografiado los resultados y vende cada obra por 550 euros.
Su instalación, Home, Kunst & Zwalm es como una aparición en medio del campo, un edificio destruido, pasa a un primer plano, cuando se encienden los tubos de neón que el artista ha instalado en el casi inexistente esqueleto de la construcción. El contraste de la potente e industrial luz, con el fondo verde y la estructura herrumbrosa, produce un efecto teatral y siniestro.
Otra serie que me llama la atención es la Descripted spaces. Compuesta por mini construcciones sin terminar, como maquetas de una fase del proceso de edificación.
Todas las piezas de esta serie son de pequeño formato, por lo que podría decirse que representan detalles de patéticas casas de muñecas, a las que se hubiera paralizado la construcción. La crisis también afecta a los juguetes... perdón por el chiste fácil.
En el resto de sus instalaciones, elementos propios de la construcción, son domados y metidos en el espacio de una galería, esta vez a tamaño real. Me gusta sobre todo la pieza The visitor donde la distancia que se ha dejado del ventilador a la pared, se ha reducido tanto que el ventilador ha dejado un surco en la pared.
Bueno, es que así explicado no queda muy claro de lo que estoy hablando por eso como siempre os dejo las fotos.
Visto en Pytr75.
Etiquetas: arte, destrucción, materiales, paredes, ruina, todos
Llevo tiempo queriendo escribir sobre uno de los artistas urbanos que más me interesa, que no son demasiados, todo hay que decirlo, él es Sam3. Que me gusta, lo sabe todo el que pare por aquí, aunque hasta ahora no había visto el momento de invitarlo a mi ático y pasar un rato con él.
Ha sido por pura timidez no por falta de ganas, pero es que me parecía tan ocupado, yendo de un blog a otro, siempre en los mejores y no sólo en los específicos de arte urbano... que tampoco veía la oportunidad de conversar sobre alguno de sus trabajos que no se hubiera tratado hasta la saciedad en la red.
Pero, parece que algo de lo que ha hecho últimamente ha pasado desapercibido en el radar de altos vuelos de la bloggosfera y a mí, que tengo un detector de corto alcance, me ha llamado la atención especialmente.
Se trata de unas pequeñas sombras, que claramente se reconocen como suyas y que ha recortado y pegado por las calles de Londres. No tengo ni idea de cuantas habrá dejado, pero seguro que han sido más de las que yo he encontrado.
Me ha alegrado verlas, porque estaba pensando que últimamente todos los artistas urbanos sufren un exceso de megalomanía que les hace confundir el tamaño con la calidad, generándose así exceso de obra de gran formato que no aporta nada al resultado artístico.
Pues en este panorama de street art king size, Sam3 me ha sorprendido gratamente, se ha recogido, hecho pequeñito y manejable, simplemente porque le ha apetecido, desde luego no por falta de espacio donde trabajar, ya que en este período ha tenido a sus disposición pedazo de muros londinenses.
Así, mientras fecundaba muros en el Cans Festival, invitado por el todopoderoso Banksy ¿he dicho alguna vez que este hombre me cansa con sus evidentes intentos de provocar? o daba su particular visión sobre los 60 años de ocupación de los territorios Palestinos, en compañía del que nunca me cansa, Blu, estaba también recortando sombras para dejarlas por la ciudad, un pequeño obsequio para paredes con menos categoría... (tengo que vigilar mis frases subordinadas, parece que no van a acaban nunca).
Le sigo la pista a través de su blog y me gusta que, además de reducir tamaños, Sam3 esté eliminando muchas otras cosas superfluas de su obra, quedándose con lo que de verdad le vale para contar sus historias, esas que hablan de personajes mitológicos, de seres grandes relacionándose con otros pequeños, de sexo, de soledad, de vida, de amor, de árboles, de mensajes publicitarios, de lo cotidiano, de política, de animales con raíces, de escaleras y zancos, de hombres con la cabeza en otra parte...
De este período, más sobrio y maduro, por supuesto me quedo con sus sombras, no podía ser menos siendo yo admiradora del trabajo de maestros como Rober Wilson, o Paul Chan y es que a mi entender, las sombras son la esencia de lo mínimo, de lo efímero, también de lo que desaparece cuando se va la luz, todo lo cual me atrae.
Me ha gustado encontrarme con él en las medianeras y solares abandonados de The Unconscious Art of Demolition, he admirado sus dibujos en los cristales de una fábrica abandonada de Bucarés, muy intensos todos ellos y no he podido evitar quedarme enganchada a su contemporáneo Mr. Hulot de Radiografía Urbana.
Ahora, a Sam se le han escapado esos los pequeños personajes que acompañaban a tus sombras gigantes, han decidido huir antes de que los destruyan, como a sus mayores y andan sueltos por la ciudad en busca de lugares donde pasar desapercibidos y evitar así ser exterminados; puro instinto de supervivencia.
Ojalá algunas de sus pequeñas sombras de papel se reproduzcan por Madrid, nos hace falta fauna de calidad en nuestra jungla de asfalto, ya que el servicio de limpieza del ayuntamiento sólo nos ha dejado una patética combinación de colores grises, al hacer desaparecer definitivamente su obra de los muros.
Recomiendo perderse un rato por su web y blog para disfrutar el resto de su obra, igualmente interesante, o más... no he hablado mucho de ella, porque está en todos lados.
Si encuentro más sombras recortadas, las iré añadiendo.
Hace unos meses, alguien me dijo que existía un taxista, que cuando no llevaba pasajeros se dedicaba a intervenir subversivamente los espacios publicitarios que le provocaban, en su transito por las calles de Buenos Aires.
Buscando, buscando, llegué al artista Oscar Brahim, que efectivamente conduce un taxi aunque en realidad estudio diseño y dibujo. Se define a si mismo como "diseñador gráfico en libertad" y dice que su cruzada antipublicidad es una catarsis, un mecanismo de defensa que tuvo que desarrollar en una época de crisis personal para no estamparse contra un muro con el taxi.
"Oscar maneja un taxi 12 horas diarias para ganarse la vida. Constantemente es atravesado por el bombardeo publicitario de la ciudad. En el baúl del Peugeot 504 lleva botellas con engrudo, pintura y recortes de afiches que le sirven para intervenir y "mejorar" el entorno visual de su ciudad. "El problema es que la gente toma la publicidad como algo natural, ni se le ocurre reaccionar frente a los avisos. Sería buenísimo que cada uno reaccionara, que se pusiera a pintar las propagandas callejeras como se le cante."
Según cuenta en su conferencia para The Influencers, él empezó recortando elementos de carteles pegados en la calle para colocarlos en vallas publicitarias, eso fue al principio, luego se hizo amigo de los que pegaban dichos carteles, los cuales le contaron dónde tiraban los que no pegaban, ahí Oscar encontró un filón para su trabajo.
Él recoge estos carteles, recorta en casa todo lo que le parece interesante de ellos y lo guarda en el maletero del coche, sin saber exactamente qué uso le va a dar. Cuando encuentra alguna valla que le provoca, repasaba el material que tiene archivado, coge pegamento y brocha, se sube a su escalera y lo añade al cartel publicitario en cuestión, para tratar con su intervención, de dar su particular versión de la realidad que le rodeaba. De esta manera, va añadiendo sus mensajes subversivos, perfectamente camuflados, en su personal cruzada contra la publicidad.
También utilizaba pintura, con la que dibuja directamente en las valla, sin preocuparse demasiado por los colores, simplemente lo hace con la que tiene a mano, añadiendo detalles, quitando personajes o aponiendo elementos humorísticos, pero sin dejar a un lado un trasfondo muy crítico con la sociedad de consumo, la política, la educación...
Ha travestido a políticos, ha pegado precios en las caras de los personajes de la publicidad, ha cambiado consignas comerciales convirtiéndolas en mensajes anticonsumo, ha añadido personajes en situaciones surrealistas, ha puesto su ácido sentido del humor en funcionamiento para hablar de la crisis argentina del 2001, ha expresado, sin tapujos, su ideología, sus preocupaciones en educación, en religión y todo esto lo ha hecho desde su taxi.
Ahora, también pone mensajes tipográficos en puentes sobre autovías, como por ejemplo "necesitamos niños", "no hay hachís", "nadie tiene que perder", "escoja su recompensa" palabras fuera de contexto, que invitan a la reflexión, además él pregunta a los pasajeros su opinión sobre la intervención, intentando sonsacarles y generar debate e interacción, sin decir, claro, que él ha sido el artífice.
Es muy interesante escuchar la conferencia que dio para The Influencers en el 2006 narra anécdotas de su vida y comenta su obra con estilo desenvuelto y gran sentido del humor. En ella se percibe, cómo ha sabido hacer de la necesidad virtud y convertido su terapia en una obra muy personal, además de en una manera de vida con la que parece que Oscar se divierte.
El director Sergio Morkin lo siguió y filmó mas de 60 horas entre 1998 al 2002, la película no la he visto, me gustaría mucho hacerlo, más después de haber escuchado su conferencia, si alguien tiene información sobre ella...
Copio la reseña que apareció en el diario Clarín sobre ella. "Oscar Brahim podría ser un tipo cualquiera, pero no lo es. O tal vez sí lo sea, con la única diferencia de que es talentoso, ocurrente y muy lanzado. Oscar Brahim podría ser un taxista más de los que circulan por Buenos Aires quejándose de todo y de todos. Pero no lo es. O, bueno, pensándolo bien, tal vez sí lo sea, con la distinción que sus quejas son inteligentes, generalmente muy atinadas y que, encima, el hombre pone sus pensamientos en acción.
¿Qué es lo que hace Oscar para transformarse en un tipo tan particular y merecer una película cuyo título sea su nombre? El Oscar que cuenta Oscar, el brillante documental de Sergio Morkin, es un artista gráfico, un diseñador, dibujante, un creativo que "interviene" sobre las publicidades callejeras hasta tornarlas irreconocibles: las dibuja encima, las pinta, las mancha, les agrega cosas, las escribe.
Lo que hace es invertir su significado, deformarlo, transformar un espacio comercial que, asegura, ofende a los sentidos, en un espacio artístico, de conversación, de debate estético y político. Esto puede resultar muy teórico, pero en la práctica es divertido, arriesgado y por momentos muy duro.
El filme de Morkin muestra la vida cotidiana de Oscar. Casado, con tres hijos, con muy poca plata en los bolsillos y a punto de ser desalojado de su departamento, Oscar no puede dejar de ponerse en riesgo (descuidando su trabajo como taxista y siempre a punto de caer en manos de la policía) en esta tarea de combate estético que ha dispuesto hacer con su vida.
Viendo las publicidades antes y después de sus intervenciones no quedan dudas de que, además de sentido del humor, el hombre tiene un gran talento artístico que de otra manera sería desaprovechado.
El filme muestra sus pequeños triunfos: el reconocimiento de dibujantes como Sergio Langer, a quien lleva a pintar un afiche en una secuencia muy graciosa; las conferencias que da en la Facultad de Arquitectura y en el Instituto Goethe, y su sorda batalla contra los publicistas Agulla & Baccetti, a quienes considera sus enemigos.
Casi todo el filme transcurre en los años 2000 y 2001, cuando esa agencia intentaba lanzar al "Super De la Rúa", modernizando su imagen gráfica. En vistas de lo que va ocurriendo en el país en esos años —y que el filme usa como trasfondo más que significativo— se puede observar que la lucha de Oscar precede y anticipa el estallido de la crisis, en sus observaciones sobre el combate entre una sociedad casi desnutrida y un apabullante aparato publicitario para vender enormes cantidades de productos inservibles.
El filme, de apenas una hora de duración, logra ser crítico, ácido, divertido y hasta emotivo al contar los sufrimientos físicos que padece Oscar por culpa de su tarea. Con un ritmo y montaje furiosos, que se asemejan a la urgencia cotidiana que envuelven al hombre y su taxi, el filme es un retrato cariñoso y también un compartido grito de fastidio".
Nos cuentan además en Venecia se Hunde, que una de las escenas más divertidas de la película es cuando le invitan a dar una conferencia para una importante agencias de publicidad de Argentina "Agulla & Bacetti lo invitan a Oscar a dar una charla en una especie de escuela de publicidad que ellos tienen. Verlo decirles a un grupito de estudiantes barsotos y a un Director Creativo de la misma agencia (con una pinta de pendejo garca que mata) que detesta la publicidad, que le parece patética, pésima, poco creativa, nefasta, etc.; y ver a los estudiantes acusarlo de publicista frustrado y de resentido porque él tiene que manejar un taxi es un placer del que nadie debería privarse".
Siento un post con tanto refrito, pero como ellos lo han expresado tan bien... para qué intentarlo yo.
Sólo añadiré que me gusta la manera en que este modesto superheroe porteño, lucha a su manera contra lo que le porvoca, ojalá los demás tuviéramos sus narices y empezáramos a acometer nuestras pequeñas y modestas cruzadas personales contra las cosas de las que tanto nos quejamos, yo la primera.
Las fotos las he sacado de su colección en Flickr.
Etiquetas: arte, efímero, humor, street art, todos, tradición
Antes de que se conviertan en un charco de agua, os dejo la obra Melting Words de Kotama Bouabane una artista canadiense que deja unos mensajes que se derriten.
No es que sea una obra de gran transcendencia, en realidad no tiene ninguna, pero no he podido evitar pensar al verla que es una buena manera de poder decir esas cosas que en un momento tienes el deseo de soltar, pero que sabes que pasado un momento, vas a desear no haber dicho, o escrito.
Voy corriendo a comprar una cubitera alfabética para poder dejar mis propios mensajes comprometidos, con fecha de caducidad. De haberla tenido antes, seguro que me hubiera evitado muchos disgustos.
Nada más, sólo que lo he visto en The Empire Collective.
No, no, tranquilos que hoy no me estoy refiriendo al modo en que está desapareciendo la arquitectura tradicional china, al paso del huracán de los Juegos Olímpicos.
Es que Breaking Traditions y What’s up with the China in Chinatown? son dos exposiciones de la artista china Nicole Leong, en las que, por medio de la cerámica, nos muestra de una manera visual y metafórica, ese proceso, para mi gusto escalofriante, que está viviendo china, en su empeño por occidentalizarse.
Cada una de sus obras realizadas en porcelana, representa una escena, en la que un dragón chino sale de una tetera de aspecto occidental, como si naciera de dentro, destrozando en su empeño, parte de la superficie de dicha pieza. La imagen del dragón y de la tetera simbolizan la cara de las dos civilizaciones.
La obra, habla además sobre cómo la cerámica china tradicional, está siendo reproducida hasta la saciedad, ya que el mercado demanda trabajos de menos calidad, destinados al consumo masivo.
Según la autora, su trabajo desplaza los límites de la tradición china, para zambullirse en un mundo modernom que permite a personas de toda condición, acceder a esta rica historia, gracias a la fabricación en serie y también a vivir en una ciudad de diversidad cultural.
A mí me parece que además de todo eso que cuenta la autora, podría representar también el poder que está adquiriendo el mundo oriental, representado por el dragón, que a pesar de haber estado inmovilizado por occidente, ha conseguido liberarse, mientras, lo que le aprisionaba, ha quedado roto en la batalla.
En cualquier caso, curiosa obra... que encontré en Derrically, de donde saqué también las fotos.
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Encender hogueras en las calles fue la feliz idea que se le ocurrió al artista Steven Matthew Brown, para el Wackelkontakt en el que partición con otros 19 artistas y que fue convocado por la Bauhaus Universität-Weimar. Su proyecto se llamó Gather Change Gather.
El escenario, la ciudad alemana de Jena, concretamente la puerta del mercado central; allí fue donde Steve construyó con adoquines, un cuadrado a modo de chimenea improvisada, dentro del cual prendió fuego cada noche durante 1o días.
El fuego actuó como faro atrayendo a todo tipo de personas, que se aproximaban a preguntar al artista, cual era la razón de estar allí.
El calor del fuego, parece que fue derritiendo la desconfianza natural de la gente al ver a un tipo sentado frente a una lumbre hecha por él mismo, en plena calle, y acabaron acomodándose ellos mismos alrededor y hablando y contando sus propias historias, algunas de las cuales se remontaban a un pasado bastante lejano, como la de Gertrude una anciana señora a la que el fuego le hizo recordar la tragedia que sufrió cuando en el 45 los aliados bombardearon la ciudad.
Para documentar todo el trabajo, cada jornada, el artista guardaba entre dos cristales la ceniza acumulada en el hogar de la lumbre. Además, apuntó as experiencias vividas y lo que le contaron. Todo está guardado en el Schott Glasmuseum & Villa de Jena.
Qué maravillosa idea, aplaudo al tal Steve que con dos narices se plantó en la calle, encendió una hoguera y se quedó allí esperando a que los paseantes se acercara y se pusieran a hablar con él. Y parece que la gente se dejó llevar y acabó regalándole interesantes confidencias.
Y es que el fuego, además de ser purificador, tiene una especie de efecto sedante y tranquilizador que consigue, que al mirar la evolución de sus llamas y escuchamos el crepitar de la leña, nos inunde una especie de laxitud y de abandono que puede llevar a decir o hacer cosas... que en fin...
A mí, las escenas que mas me gustaban en las pelis del oeste, son precisamente las que se desarrollaban alrededor del fuego ¿a vosotros no?.
Esta vez y sin que sirva de precedente, lo he sacado de Wooster Collective, aunque es algo antiguo, de enero del 2007. Las fotos también son de ellos.
Otra acción con fuego, esta bastante menos sutil, es la que ha tenido lugar ayer en Berlín y que ha tenido como intervinientes, una hoguera en un descampado, y 8 coches BMW atados con una cuerda y girando alrededor de ella.
Se llama The Landreform Carousel y ha sido ideada por Aram Bartholl, Matthias Einhoff, Philip Horst, Markus Lohmann, Harry Sachs y Daniel Seiple para la Berlin Biennial.
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Ya está bien de aplazar lo inaplazable, de hoy no pasa que hable de Ex Studio, el estudio de de Patricia Meneses y Iván Juárez arquitectos a los que le sobran méritos para estar en mi selección de gente creativa y a la que merece la pena conocer.
Su particularidad, en mi opinión, radica en esa preocupación que demuestran por los espacios públicos en los que frecuentemente desarrollan sus proyectos, trabajados con una sutilidad y una armonía, que no es común en la mayoría de intervenciones urbanas que he visto.
Mucha de su obra, posee ese aire de refugio urbano que a mí tanto me gusta y ademas, es efímera.
Según el planteamiento de la muestra, "para llevar a cabo diseños imaginativos dentro de espacios problemáticos o infrautilizados de la ciudad y su periferia, no se precisan materiales de última generación".
"En muchas ocasiones, los elementos más precarios o una situación condicionada por las dificultades presupuestarias o la indefinición, es fuente de inspiración para los diseños más innovadores y dinámicos".
"Los proyectos reunidos llevan implícita una crítica al urbanismo y a las convenciones arquitectónicas en un intento por renegociar y adaptar espacios urbanos y por dirigir la mirada hacia las deficiencias de un entorno urbano totalmente planificado y racionalizado".
Con estas premisas, Ex Studio ha desarrollado su personal y "etéreo" trabajo, consistente en la instalación de crisálidas luminosas, que parece que flotan en el aire y en las que uno se puede aislar, sin llegar a perder el contacto total con el entorno, del que los estímulos llegan amortiguados por el envoltorio.
También con crisálidas, llevaron a cabo la ocupación de un árbol, en su proyecto Dream House, materializado para Okuparte 2004. En Forest Refuge, convirtieron esta crisálida en una oruga, que instalaron en el bosque, a modo de guarida de piel vegetal, que además sirviera de punto de encuentro entre hombre y naturaleza y que funcionara como faro luminoso en la oscuridad.
Otro refugio urbano, mi favorito, es el Tambabox, que construyeron en Senegal. Se trata de una estructura cúbica, cuyas paredes han sido elaboradas mediante un collage de policromados tejidos con los que los habitantes construyen sus boubaus.
Al pasar las horas del día e incidir la luz en las distintas paredes, la variedad textil, crea interesantes ambientes interiores, sin necesidad de grandes artificios. Me encanta el efecto, casi lujoso que se consigue con materiales tan modestos y con ayuda de la luz del sol.
Aunque yo me haya quedado en este post con los refugios urbanos, Ex Studio realiza proyectos comerciales, viviendas, tiendas, bares, pabellones, exposiciones... y otros que tienen como escenario la ciudad, plazas, lugares de paso, puentes y espacios libres entre medianeras. Todo con su sello personal en el que destaco el buen gusto y la sensibilidad. Se pueden ver en su página web.
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Isidro Blasco es un artista madrileño que vive en New York desde 1996, y que me ha venido a la cabeza por una curiosa asociación de ideas producida al ver tantos escandalosos edificios, construidos por megalómanos arquitectos para los juegos olímpicos de Pekín y otros, no tan grandiosos, para la Expo de Zaragoza.
Y es que según me llega la información no puedo evitar pensar, que en las fachadas de estos monumentales edificios, están prendidos los sueños y perspectivas de futuro de los habitantes de las afortunadas urbes elegidas para contenerlos. Lo cual convierte así a sus creadores en los nuevos superheroes del siglo XXI, venidos de las estrellas para reconvertir estas ciudades en las nuevas mecas del turismo. Véase Dubait por ejemplo.
Todo puro teatro, todo pura fachada, y eso es lo que me ha llevado a Isidro Blasco, ya que construye su obra con elementos arquitectónicos que fotografía y convierte en planchas de dos dimensiones para conformar un puzzle mal encajado con que viste, a modo de fachadas, rudimentarias estructuras de madera.
Que me lío, lo intento de nuevo. Fotografía fachadas y también interiores, las reduce de tamaño, las recompone a su antojo, quita y pone detalles y con ellas cubre estructuras modestas, tipo andamios, creando así sus caóticas e inquietantes construcciones.
Y es que en el fondo, a mí me parece, que el decorado artístico de Isidro, mucho tiene que ver con ese otro decorado constructivo, realizado por las estrella mediáticas de la arquitectura, que a su manera, también esconde tras espectaculares fachadas todas las miserias de su interior y la fragilidad de los cimientos sobre los que se sustenta.
Sería interesante, en contraposición, hacer un repaso de construcciones y barrios que con simples toques de color en sus fachadas, han conseguido redimirse, salir adelante, o poner en evidencia problemas sociales. Prometo hacerlo pronto.
De algún ejemplo curioso he hablado ya por aquí, de otros, con mucha más transcendencia, lo hace Juan Freire en su artículo Favela painting, ¿arte para cambio social?, que recomiendo leáis para hacer la digestión de tanto pesado ladrillo de diseño.
Vaya, otro día que casi no he hablado de la obra, bueno pero os dejo fotos.
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¿No es increíble que toda una ciudad se ponga a disposición de diseñadores, arquitectos, iluminadores, artistas urbanos y paisajistas para que la intervengan única y exclusivamente con luz?
Pues eso pasa en Bruselas, desde 2004 en que tuvo lugar por primera vez BENEFLUX, un evento artístico cuya temática común es la luz y que recoge 30 proyectos de iluminación vanguardistas con los que se engalana cada rincón de la ciudad durante tres días.
Y como la luz no conocen fronteras, en él pueden participar proyectos de cualquier parte del mundo. Este año la entrega termina en junio, si a alguien le puede interesar, aún está a tiempo, la luminosa fiesta se podrá disfrutar el próximo diciembre.
Intervenir con luz la ciudad me parece una idea brillante puesto que nada queda afectado definitivamente y una vez apagadas las luminarias todo vuelve a la mas absoluta normalidad.
El evento es organizado por la asociación "Gang des Lunettes" y el artista Jean-Lucien Guillaume es su director artístico. Ha sido patrocinado por "Brussels City" y la "Brussels-Capital Region" lo que significa que no intervienen marcas comerciales en la convocatoria, cosa que personalmente agradezco.
Dejo por aquí fotos del evento para que veáis el magnífico nivel artístico de las instalaciones, tanto de exterior como de interior. Algunas son increíblemente bellas y simples.
Vamos, casi igual que los cutreproyectores que han instalado los del ayuntamiento este fin de semana en Lavapies para publicitar un festival hindú.
Que suerte tienen los belgas, ojalá pudiera acercarme en diciembre...
PD. ¿no sería fantástico que algún colectivo de artistas de los que trabajan con residuos, planteara para la famosa iluminación navideña, una propuesta en la que se utilizaran elementos encontrados en la basura para iluminar con ellos la ciudad?.
Es que veo estas bolsas de basura con luz o las lamparas medio rotas en las medianeras destruidas y me parecen de lo más inspirador. Sería muy educativo, y si se pudiera gestionar que todas las bombillas fueran de bajo consumo pues se produciría una conjunción perfecta... Además, se demostraría que no hay por qué realizar una iluminación extensiva y cara que consume escandalosamente, para tener unos resultados creativos.
Si alguien se decide a hacerlo, espero que se acuerden de mí, se me ocurren mil cosas...
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La joven artista Heather Benning decidió convertir una granja de Manitoba Canadá en una casa de muñecas a tamaño natural.
Dollhouse se llamó su proyecto, en el que estuvo trabajando 18 meses y que consistió en restaurara una granja, que quedó abandonada en 1968 para devolverla su apariencia de aquella época.
Buscó muebles de la época, eligió cuidadosamente el color de las paredes y mimó hasta el último detalle para que la construcción consiguiera transportar a los visitantes 40 años antes.
El exterior lo conservó tal cuál lo encontró y demolió una de las fachadas sustituyéndola por acetato transparente, con lo que consiguió que pareciera una auténtica casa de muñecas, pero a tamaño real y de hace 40 años. El efecto es como poco sorprenderte.
El proyecto formó parte de la muestra Made in the West y yo lo conocí a través de Mocoloco.
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Pieke Bergmans es un diseñador que según dice en su web está contagiado por el virus del diseño, la verdad es que así debe ser para haber diseñado cosas tan interesantes.
Me parecen increíbles sus Light Blubs, una serie de lamparas que parten de la forma básica de una bombilla estándar pero que él moldea a su antojo hasta conseguir que parezcan a punto de derretirse por sus formas viscosas.
La impresión de ver sus diseños colgados del techo de una habitación es de lo mas llamativo e inquietante pues podría parecer que están a punto de escurrirse hasta el suelo. Parece mentira que un material tan rígido como el cristal puede adoptar una forma tan mullida.
Una alternativa a la bombilla de toda la vida pero esta vez de leds. Yo me pondría en mi salón, gran cantidad de ellas, de todos los modelos, aunque se que no producen una sensación precisamente apaciguante, seguro que al encenderlas, alguien se preocuparía pensando cuánto van a tardar en llegar al suelo.
Idea sencilla a la par que brillante y altamente efectiva.
Otros trabajos de Pieke también están contagiados por ese virus del diseño sobre todo sus trabajos en porcelana. La idea de sus Reunión Vases es muy simple, a golpe de vista parece como si piezas de cerámica blanca, modernas y tradicionales hubieran sido apiladas, pero en realidad se trata de un sólo objeto al que se ha dado esa forma exterior.
Muy curiosos también sus objetos vendados, los Taped Vases y sobre todo su juego de té Re-Desing, son simples, blancos y divertidos.
Con los jarrones Unlimited Edition el diseñador ha conseguido moldear el barro de mil maneras y formas para que parezcan objetos de gruesa tela arrugados y doblados, fantásticos todos.
Se me hace raro estar hablando otra vez de diseño, pero bueno, aunque no le dedique mucho hueco escrito en el ático, mi RSS está lleno de páginas interesantes que miro todos los días y hoy me ha apetecido dejar por aquí a Pieke, se lo merece por su buen hacer, su humor y su simplicidad. Lo vi en Designklub.
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Pues como tengo pocas ganas de escribir, os voy a dejar un trabajo muy visual, con lo que necesito dar pocas explicaciones. Además es estético, aunque en este caso nada transcendente y no me salgo de mis buenos propósitos de la semana. La autora se llama Kirsten Hassenfeld y aunque a primera vista podría parecer más una diseñadora de luminarias, su trabajo se expone en galerías de arte.
Su laboriosa obra, está realizada con recortes de papel transparente que conforman voluminosas piezas minuciosamente trabajadas. El interior desprende luz, por lo que da la sensación de estar todo suspendido en el aire.
Las piezas además están personalizadas con complicados dibujos barrocos, y trabajados detalles y al pasar la luz a través de ellos, se proyectan misteriosas y barrocas sombras.
Me gustan sobre todo sus instalaciones de grandiosas y etéreas lámparas y sus enormes ristras de joyas también de papel de colores transparentes, que transforman el entorno en un Wonderfuld World de ensueño.
Y para que no me lo digáis vosotros, lo hago yo, si miramos otras de sus obras con atención, descubrimos que tienen detalles verdaderamente horteras, que bordean la estética de pastel de bodas o de esas figuritas de bazar chino que imitan el mundo Disney. De estar hechas con un material más sólido que el papel y sin luces interiores, serían para salir corriendo de la galería, pero junto a todo lo demás tiene su gracia.
Bueno os lo dejo y vosotros mismos opináis... a mí me trae recuerdos de infancia, algo de semejanza con los trabajos que hacíamos en clase de pretegnología, salvando las distancias claro... quizás por eso lo haya elegido precisamente hoy...
Mañana, algo con más enjundia.
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Hoy, dos piezas que me traje en la maleta de mi viaje a Copenhague. También cumplen la premisa de ser estéticas y más, así que por méritos, están en mi especial Semana Fantástica.
Los dos proyectos, que intervienen, cada uno a su manera y con su presupuesto, espacios públicos, los he visto en la exposición Instant Urbanism celebrada en Danish Architecture Centre, la cual me ha proporcionado material interesante, que iré dejando por aquí.
La primera es una colorada intervención llamada City Lounge, en la que han colaborado la artista Pipilotti Rist y el arquitecto Carlos Martínez y que trata de personalizar y humanizar una extensa zona pública, situada en el distrito financiero de la ciudad suiza de St. Gallen.
Lo que los autores han conseguido con este trabajo es un acogedor y apetecible área de esparcimiento que nada tiene que ver con lo que te podrías imaginar encontrar entre altos edificios de cristal.
Para ello han cubierto todos los espacios comunes con un material que simula una alfombra roja, de esas que se utilizan para los pasillos de las celebridades. Yo, personalmente agradezco, que no hayan utilizado el ya manido césped artificial, creo que le cogí manía cuando pasé por delante del campo de golf de Chamberí y vi lo feo y de mal gusto que resulta encontrarte con una enorme zona plasticosa en pleno centro histórico de Madrid por muy verde que sea.
Aunque me salga del tema y además hable, por un momento, de algo feo, recomiendo al que esté en Madrid y tenga curiosidad malsana, que se de una vuelta por semejante aberración, no se de qué innoble estratagema se habrán valido para cambiar el original proyecto de un parque público, que tanta falta hace en la zona, por ese coto privado, de a 20 euros la hora, en el que unos cuantos practiquan su swing, eso sí, como si fueran prisioneros de un campo de concentración.
Volviendo a Suiza, pues eso, que me gusta mucho lo que han conseguido, un mega cuarto de estar que además de ser confortable, invita a lo lúdico, donde todo es mullido y sin aristas y los coches, mobiliario urbano, fuentes públicas y estatuas, sirven para saltar y deslizarse por ellos sin temor a ser amonestados por la policía.
El espacio está iluminado por unos globos, sujetos con cables a los edificios, que pueden regular su intensidad y color para adaptándose no sólo a la hora del día y a la época del año, sino también a la actividad que esté aconteciendo en el City Lounge.
Además, como cuenta José Fariña en su blog"el espacio que abarca este proyecto es considerado Zona de Encuentro y en ella los peatones pueden utilizar la totalidad de la calle para actividades lúdicas, deportivas, de paseo, o de encuentro. En estas zonas los peatones tienen prioridad en todo el espacio público aunque eso sí, sin obstaculizar inútilmente a los coches, cuya velocidad máxima no puede sobrepasar los 20 km por hora".
Recomiendo leer el mencionado artículo, porque el autor explica el proyecto mucho mejor y con más datos de lo que yo podría hacerlo. Yo he llegado a él a través del muy recomendable blog de Judit Bellostes.
Por mi parte, sólo añadir que rezo para que una mañana de estas, me levante y vea una alfombra roja, de esas características, cubriendo la plaza de la Luna y dejando bajo ella todo lo que no me gusta, que por desgracia es todo lo que hay.
El segundo proyecto, temporal y más humilde pero que por eso me atrae sobremanera, es el que los arquitectos Heri y Salli desarrollaron en Salzburgo, llamado Real landscape, real mistake .
Fueron convocados, junto a otros arquitectos, para realizar una obra que reflejara la esencia de los paisajes reales y les invitaban a intervenir el camino entre lo urbano y la naturaleza.
Ellos, ni cortos ni perezosos, dibujaron en el asfalto de un camino real, que une el centro de la ciudad con el bosques, un paso de cebra que lo cubrió en su totalidad. En la zona de bosque, en que no se podía pintar el asfalto, se construyó un camino de maderas intermitentes, pintadas en blanco, que simulaban a la perfección la secuencia del dibujo del paso de peatones y de paso corregía los desniveles del suelo.
Consiguieron, con algo tan simple, devolver a sus dueños legítimos un espacio de tránsito, que había sido usurpado por los automóviles y además, que ese camino se convirtiera en una zona que invitaba a pasear, lento y relajado, gracias en parte al concepto de seguridad que tiene para los peatones, la zona acotada entre las rayas blancas y negras de un paso de cebra. En este caso 4 kilómetros enteritos.
Sencilla intervención, pero no por ello menos efectiva. Me encanta.
Las fotos de City Lounge se las he tomado prestadas a Thomas Mayer, a Deputydog y a Raiffeisen y las de Real Landscape a sus autores.
Etiquetas: arquitectura, arte, exteriorismo, materiales, suelos, todos, urbanismo
Mi buen propósito para esta semana, ni una cosa fea, antiestética, sucia o epatante asomando por el ático, voy a celebrar así que cumplo años, uno de estos días y que está llegando por fin el buen tiempo.
Ente las cosas bellas que he estado guardando para una ocasión así, ocupa un lugar de honor el trabajo de los artistas Annie Han y Daniel Mihalyo de Lead Pencil Studio cuyas obra parece levantar, a partir de los trazos de un lápiz, estructuras en tres dimensiones que en muchos casos surgen en medio de la (casi) nada.
Así lugares irreales, edificios abandonados, derruidos o desiertos, se convierten en el escenario elegido para sus sutiles, frágiles y temporales instalaciones.
Lo mismo dan dimensión a los rayos de luz que penetran por las ventanas de una sala vacía, que crean delicadas columnas de hilos, que dibujan telas de araña en las esquinas, que montan escaleras hacia el cielo, que levantan una impresionante estructura de andamios en el más profundo paisaje desierto de Oregón, que sitúan una estructura flotante en un misterioso escenario o que dan dimensión a los trazos dibujados en una pared...
Una pasada de obra, que es mejor ver que explicar. Espero que estéis de acuerdo conmigo en que merece la pena recrearse un poco en piezas como estas.
Qué contenta estoy de haber iniciado esta "Semana Fantástica de las Cosas Bonitas".
Lo siento pero no recuerdo dónde los descubrí.
Etiquetas: arte, casi nada, efímero, simplicidad, todos
Para descansar un poco de las densas entradas que estoy escribiendo últimamente, os presento un trabajo de gran simplicidad y bello resultado. Así, sin más.
Fibra óptica, luz eléctrica y un entorno cuidadosamente elegido, es lo que puedo apreciar en la obra del artistas italiano Carlo Bernardini. Es simple, ligera nada monumental ni pretenciosa. Y no es que su trabajo carezca de un significado más profundo, pero yo no lo he querido buscar. Para el que lo quiera, aquí podéis leer los escritos del autor a propósito de su obra.
Aunque también ha creado esculturas sólidas con tubo de acero y luz, a mí, su obra que mas me gusta, es la que está realizada únicamente con fibra óptica, esa que da la sensación que al desconectar la luz, desaparecerá sin dejar rastro, conservando los espacios en los que se exhibe en el mismo estado en que se los encontró.
Me gusta esa manera juguetona que tiene el artista de utilizar la luz, conduciéndola a su antojo para hacerla rebotar en las paredes o en los pequeños objetos que encuentra a su paso, consiguiendo así dibujos lineales de complejas figuras geométricas perfiladas con luz.
Estas piezas suelen estar integradas en bellos edificios italianos, en espacios industriales y también en inspiradores paisajes y es reseñable cómo de una manera sutil y elegante, consigue este hombre coser su obra al entorno, sin quitarle un ápice de protagonismo, muy al contrario yo diría que realzándolo.
Eso sí, para apreciar los resultados en toda su magnitud, hay que esperar a que se ponga el sol y caigan las tinieblas.
Pues poco más, sólo que lo he visto en Infostuka.
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La publicidad es una de las disciplinas más odiadas por los artistas, sobre todo por los urbanos, que lanzan sus sprays y pinceles envenenados contra ella, a la menor ocasión. Mucho del arte más interesante que hoy se puede ver en las calles, trata de subvertir el lenguaje publicitario para ponerlo en evidencia a los ojos de la sociedad.
Dentro de estas manifestaciones artísticas antipublicidad, algunas convierten a los logotipos en el blanco de sus iras, el caso más conocido es el del artista Zevs que modifica logos para convertirlos en imágenes viscosas y escurridizas.
Otro caso, el que me ocupa hoy, es el de la artista Laura Keeble, que ha creado una instalación de arte urbano, Graveyard Install, en la que los logotipos pasan a integrarse en el paisaje de un cementerios y lo hacen nada menos que en forma de lápidas de piedra.
Así logos como el de Nike, Channel o McDonald's, comparten protagonismo con todo tipo de cruces y símbolos religiosos, lo que claramente está haciendo referencia a que los logos, como representación última de las marcas comerciales, se han convertido en iconos de la nueva religión del consumismo.
Además, esta artista urbana, ha creado instalaciones anticonsumo como por ejemplo la Christmas Shopping Install en la que situó, en plena calle de comercio de lujo londinense, New Bond Street, tres figuras a tamaño real, que parecían sacadas de un belén, pero que en realidad representaban, la muerte portando bolsas de boutiques de lujo de la zona.
Como sentido del humor no le falta a esta mujer, también ha creado una obra, The skull Install que critica de manera abierta, la patética realidad del mercado del arte.
En este caso es Damien Hirst, quien sale mal parado. La artista crea una reproducción utilizando materiales baratos de la famosa calavera de diamantes de este autor y la coloca, aparentemente abandonada, al lado de una bolsa de basura y una caja de embalaje en la White Cube Gallery de Londres. Después se pregunta ¿Forgotten something?.
Todo queda explicado en estos trabajos, de manera simple y con gran sentido del humor, para que todo el mundo entienda de lo que se está hablando.
Lo he visto en Computerlove.
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