Otra pequeña obra de esas que me gustan, que no es nada trascendente y que no va a hacer historia. Es insignificante pero a mí me parece una encantadora intervención en la naturaleza.
La artista californiana Nina Katchadourian tomó el oficio de remendadora de telas de araña por un periodo de 6 semanas durante el 1998. Para ello utilizó hilo rojo que fue cosiendo directamente sobre la tela, intentando recomponer las partes que faltaban al minucioso trabajo de las arañas.
A la mañana siguiente de la reparación artificial, la artista se encontraba que el suelo estaba lleno de hilos rojo. Esto se debió a que las arañas, molestas con el trabajo de la artista, decidieron reconstruir a su manera la tela, desechando los hilos rojos que les molestaron, en el proceso.
Muchos de los parches que fueron descartados por los animales, permanecieron unidos y así pudieron ser rescatados por la artista, que los enmarcó.
El trabajo de sustitución de las arañas, se produjo siempre por la noche, incluso telas en aparente estado de abandono fueron reconstruidas.
Y ya está, no es ni mas ni menos que esto que os cuento, un acto simple, delicado, sutilmente efímero e inútil.
Lo he visto en Trendbeheer.
Etiquetas: arte, materiales, simplicidad, street art, textil, todos
Uff, me he quedado boquiabierta con las esculturas del japonés Atsushi Fukunaga basadas en sonidos simbólicos propios del manga, que él ha materializado y convertido en pequeñas piezas en 3D.
Lo que hace este artista, es plasmar en sus Onomatopoeic Sculptures, los sonidos que se producen en distintas situaciones, como por ejemplo, el que hace un avión volando, el de unos lápices de colores al romperse, el de la electricidad, los chillidos de los ratones, el sonido de la lluvia...
Lo que más me agrada de la obra de este japonés es que ha elegido un formato casi diminuto para su trabajo, haciendo pequeñas y frágiles piezas que para mi gusto a mayor escala hubieran perdido todo su encanto.
Y es que a mí la obras pequeña me atrae sobremanera y cuidado que es dificil de encontrar. Me parece que condensar es complicado, a mí me pasa que escribo largo porque no se hacerlo corto, tengo que ponerme a ello.
Y voy a hacerlo ya, así que sin más, os dejo con las fotos, para que apreciéis vosotros mismos los encantos de estas esculturas, visualmente sonoras, que he conocido a través de Pink Tentacle.
Si os faltan sonidos por adivinar, en la web del autor podréis comprobar a cual representa cada escultura.
Etiquetas: arte, humor, materiales, objetos, todos, tradición
Hay muchas cosas de Madrid que empiezan a no gustarme y de las que no consigo aislarme simplemente poniendo la música a todo volumen cuando voy por la calle. Puede que sea por eso que la idea de Kim Laughton me ha parecido una solución medianamente aceptable para esos momentos en los que se hace insoportable lo que uno está viendo.
Se trata de un mini reproductor de fotos que se ha colocado dentro de una funda metálica en la que se mezcla la estética de una antigua caja de metal con la apariencia de un moderno reproductor mp3.
Para su funcionamiento, se ha quitado la luz de la pantalla LCD dejándola transparente, de manera que cuando se pone la caja en una fuente de luz y se aprieta el botón, se ve una colección de fotos, con motivos de cielos con nubes, que la diseñadora ha seleccionado para nosotros.
El prototipo se llama Box of Clouds y su creadora dice de él "para uso en días de cielos poco interesantes". Yo añado... casi todos...
Un proyecto similar, de la misma autora, se llama Tin y es otro visor de fotos, esta vez más pequeño, de una pulgada y media, insertado en una caja de latón antigua al que se ha añadido una mirilla. Para acceder al botón de encendido, simplemente un corte en la caja deja acceso al circuito.
Dentro de ella, piezas de relojes y alas de insecto se funden con las fotos proyectadas en la pantalla, produciendo un efecto de tres dimensiones cuando se mira dentro. Las imágenes 70 en total, donde se mezclan corazones, textos y elementos geométricos, cambian cada 5 segundos.
Pues lo dicho, si como a mí, ya no os basta con no escuchar, sino que tampoco queréis ver, podéis probar llevando una de estas poéticas cajitas de imágenes en el bolso, aunque ahora que lo pienso también podéis ver vídeos musicales e incluso pelis con algún modelo avanzado de reproductor mp3, eso sí, el envoltorio quizás no tenga tanto encanto como los de Kim.
Lo he visto en Ektopia.
Etiquetas: antigüedades, objetos, tecnología, todos
Cada vez veo más objetos raros pegados a las paredes, algunos me provocan una sonrisilla pero la mayoría me dejan completamente fría.
Ahora le ha llegado la hora a las míticas piezas de Lego, que se han instalado en los muros gracias al trabajo del artista ruso Jan Vormann.
Y tengo que reconocer que me ha hecho gracia su trabajo Dispatchwork, que consiste en reconstruir partes de muros deteriorados insertando piezas de plástico de múltiples colores y formas.
Me da la sensación al verlo, que apretando sobre ellos se va a abrir la puerta que da acceso a un mundo fantástico de dibujos animados pixelados, llenos de magia y de color... como veis, imaginación no me falta.
Bueno, dejando estos pensamientos a un lado, el efecto de paredes grises y humildes recompuestas con piezas de construcción tiene su gracia. Ojalá las piezas utilizadas sean recicladas de antiguos juegos...
Está claro que las posibilidades artísticas del Lego aún están por descubrir...
Lo he visto en Today and Tomorrow.
Etiquetas: arte, materiales, street art, superficies, todos
¿No os da la sensación de que en las grandes ciudades los coches tienen más derecho de ocupación de la vía pública que los propios ciudadanos?.
Me gustaría saber qué pasaría si un día me da por sacar un sofá y aparcarlo en zona azul y quedarme tranquilamente leyendo sentada en él, ¿podría estar las dos horas reglamentarias si pago la tarifa establecida para los coches?. Tengo la sensación de que enseguida me desalojarían.
Ese planteamiento se lo ha debido hacer el artista Michael Rakowitz, un tipo muy ocurrente del que ya hablé hace tiempo al conocer ParaSITE, su propuesta de casas para vagabundos en las que se aprovechan las máquinas de aire acondicionado que expulsan el aire al exterior para hincharlas.
Con su proyecto (P) LOT cuestiona la legitimidad de ocupación de los espacio público e invita a los ciudadanos a aparcarse en las calles saltándose las normas viales mediante el engaño.
Contrariamente a la común utilización de las áreas de estacionamiento para coches, este artista propone el alquiler de estas mismas parcelas de tierra para instalar en ellas tiendas de campaña donde poder vivir.
Pero para que estas pasen algo desapercibidas se le ha ocurrido darles la apariencia de coches, con su correspondiente funda. Es decir ha creado una estructura de tubos, con forma de silueta de automóvil que ha recubierto con una tela a modo de funda y en cuyo interior hay sitio para estar cómodamente. Y el muy guasón ha elegido como funda dos modelos de lujo, el Lexus y el Porsche.
La idea es que previo pago de las tarifas de estacionamiento de los parquímetro, los ciudadanos puedan utilizar los aparcamientos para establecer campamentos temporales e incluso zonas de ocio, jardines, comedores temporales...
Podría ser una solución para que los sin techo monten sus tiendas de campaña en plena calle sin llamar la atención. Eso sí, mejor a horas en las que no están vigentes las tarifas de aparcamiento, por que si no, les va a salir más caro que vivir en una pensión.
Os recomiendo echar un ojo al resto de sus proyectos, yo me guardo unos cuantos para comentar otro día.
Lo he visto en Vvork.
Etiquetas: arte, crítica, humor, street art, todos
Luis, de l3utterfish, (tenéis que pasaros por su blog, yo no dejo de hacerlo ningún día) pensó en mi cuando vio las puertas de Michael Elmgreen y Ingar Dragset que se exponía en la galería Nicolai Wallner de Copenhague y me envió la información.
Y desde luego acertó, porque además de estas puertas imposibles, el resto de las piezas que he visto de esta pareja me encantan. Medio cubistas, medio surrealistas, muy oníricas y por supuesto con sentido del humor, ¿que más se puede pedir?.
Empezando por su serie de puertas, con difícil apertura, sus construcciones que levitan en el espacio de la galería, sus objetos desubicados como un cajero automático con bebé, el escenario para gogos recién fregado, la cinta de equipajes circular, la pila de fregar con una torre de platos que desafían a la gravedad, la barra de bar sin acceso al interior... merece la pena echar un ojo despacio a cada pieza.
Curiosamente uno de sus proyectos más interesantes también me fue descubierto por otra persona que pensó que me podría gustar, gracias Javier.
Este proyecto llamado Prada Marfa y que en Deputydog titulan "the worlds loneliest prada store", es exactamente eso, la tienda de Prada más solitaria del mundo ya que ha sido construida en el desierto de Texas en un tramo poco transitado de la autopista 90.
El material, zapatos y bolsos, contenido en su interior probablemente es mucho más caro que la construcción, que se conserva en tal estado desde 2005 sin que en ella nadie haya comprado nunca puesto se trata una pieza artística.
Debe ser de lo más chocante ir por un paisaje tan inhóspito y encontrarse de pronto una tienda de productos de ultralujo, la sensación que a mi me producen las fotos es casi estar mirando una valla publicitaria en 3 dimensiones que un despistado planificador de medios hubiera ubicado en este paraje por error.
Además, la combinación de colores que han conseguido es magnífica. Me gusta, me gusta.
Etiquetas: arquitectura, arte, humor, street art
La obra del australiano Robbie Rowlands me recuerda a esas tiras rojas que tenían los quesitos de bola Minibabybel. Tirando de ella te quedabas con dos partes de cera dentro de las que se escondía el tesoro del cremoso queso. A mi de encantaba hacerlo, también con la tira de los quesitos El Caserío. Qué tiempos...
Pues algo similar es lo que siento al ver la obra de este hombre, que me dan ganas de tirar hasta el final, de esa tira que el autor ha empezado a arrancar del suelo y las paredes para quedarme así con dos mitades separadas de la habitación.
Hay que ver que pensamientos tan poco profundos me inspira esta obra, pero qué queréis, no siempre resuena música de violines en mis oídos, cuando veo algo que me gusta...
Esta obra ha sido llevada a cabo en marzo de 2008, en un deposito de autobuses de Australia, antes de su demolición y en la misma muestra, llamada Grenda's Bus Depot Installation, han intervenido otros 6 artistas más.
Según el autor, lo que ha pretendido es mirar de cerca los objetos que nos rodean, cuestionando su naturaleza. Así que pela las superficies reconocibles para revelar lo que se esconde bajo la primera capa de nuestro mundo cotidiano.
Lo he visto y disfrutado en Wooster Collective, las fotos las he tomado prestadas del propio blog del proyecto.
Etiquetas: arte, evento, humor, materiales, ruina, suelos, todos
No os creáis que tengo una visión tan catastrofista del futuro de los libros como la que he reflejado en el post anterior, es decir, el de más abajo.
También puede llegar a a pasar lo que nos adelanta la diseñadora Kyle Bean en su proyecto The Future of Books.
Que no... que los libros no van a desparecer... por lo menos mientra haya personas a la que les emocione oler el ejemplar recién comprado, o puedan apreciar la belleza de un texto impreso en letra Bodoni..., o hasta que baje el precio de los audiolibros...
Pero, hay que reconocer, que el proyecto es poético.
He conocido a Kyle a través de It's Nice That.
Etiquetas: humor, materiales, objetos, todos, tradición
Esto no es una acción masiva de bookcrossing, ni mucho menos, se trata de una biblioteca rusa, destrozada y abandonada.
Bellas y patéticas imágenes que, como casi siempre que hablamos de destrucción, no habrían sido posible sin la acción del hombre.
Las fotos son impactantes y a mí me da la sensación de estar mirando un decorado donde todo ha sido colocado para conseguir una composición de espacio y color de gran dramatismo.
Que tengáis un cultural Día del Libro.
Visto en Ffffound, las fotos las he sacado de Live Journal.
Etiquetas: almacenaje, ruina, todos
Otra pieza imperfecta, esta vez un maravilloso ejemplar de cómoda de madera, trabajada con gran sensibilidad por el diseñador inglés Gareth Neal.
Se llama George 3 y a mí me parece increíble, la miro y veo un trabajo realizado con muchísimo esmero y cuidado.
Bajo una forma laminada y rectilínea de gran modernidad, se insinúan contornos barrocos y más sofisticados, formas un poquito más voluptuosas que se intuyen a través de sus láminas de madera.
Ya sería un mueble casi completo, pero es que además le ha dado un toque imperfecto, destruyendo parte de la superficie, que para mí lo hace más especial. Es como si las termitas estuvieran cebándose con él y apetece mirarlo con detenimiento para ver si siguen avanzando.
Con mismo estilo, pero esta vez sin imperfecciones, la mesa Anne, del mismo autor, también nos deja ver a través de sus formas rectas, otras más sofisticadas.
¿Estos muebles no parecen casi hechos de cartón laminado?. Creo que veo visiones.
Todo lo he conocido en el reportaje que Yazter ha dedicado a la Feria de Milán.
Etiquetas: mobiliario, objetos, todos
Un curioso ejercicio de composición espacial, a caballo entre la arquitectura y la escultura, es el que realizó el artista italiano Gianni Pettena, en el 2002.
Esta obra llamada Archipensieri y que el autor definió como un moderno Stonehenge, consiste en 5 piezas de metal que ocupan una superficie de 8x8x5 m y que están cuidadosamente estudiadas, para que dependiendo del punto de vista desde el que se mire, pueda tener una utilidad y un significado distinto.
¿Y a mí, que es lo que me sugiere?, pues así... sin pensar mucho... desde la abstracción de un bosque, hasta un moderno partenón, una iglesia al aire libre, un juego de farolas, unas ruinas, y por qué no, un cementerio...
Os invito a que busquéis vuestros propias similitudes, seguro que encontráis bastantes más.
Me gusta este espacio, donde además de estar en contacto con la naturaleza, cada uno se puede sentir transportado a un lugar diferente, simplemente con dejar volar la imaginación.
Lo he visto en Is Everywhere.
Etiquetas: arquitectura, arte, exteriorismo, simplicidad, todos
Es muy agradable tener una cara guapa cerca al abrir los ojos, pero... no siempre es posible, así que para todos los que sientan ese tipo de necesidad, el fotógrafo Jess Bonham ha creado una colección de fundas de almohada con atractivas caras dormidas.
La serie, llamada I dream of you está compuesta por 3 modelos de bellas durmientes y 1 con bello y han sido impresas a partir de fotos en blanco y negro con un tratamiento granulado.
Los personajes que habitan en estas almohadas, están tan plácidamente dormidos que dan ganas de no hacer ruido para que no despierten nunca.
Igual que los niños pequeños tienen su mascota, sin la que no pueden dormir, estas fundas podrían convertirse en el fetiche de algún adulto solitario. Felices sueños...
Se pueden comprar a través del mail del fotógrafo. Lo he visto en Omami.
Etiquetas: decoración, dormitorios, objetos, textil, todos
Pues parece que han vuelto los fríos del invierno así que me viene al pelo la imagen que he encontrado en 72dpi en la que se ve un árbol vestido con un jersey tricotado en vivos colores.
No es un anuncio de lanas sino la intervención artística de la escultora inglesa Carol Hummel que parece tener muy buena mano y gran paciencia con las agujas de ganchillo.
Tree Cozy se llama la escultura y ganó el premio Heights Public Art Competition, en 2005. Según explica su autora, el árbol simboliza lo masculino, que ella cubre por una manta de ganchillo, como símbolo femenino¿?.
Además de esta explicación, que se me escapa, a mi me provoca cierta sensación que confort y de nostalgia casera. La duda es si esto es bueno para el árbol, no se en verano... La pieza se muestra desde el 2005 hasta el 2008 frente al ayuntamiento de Cleveland Heights.
En el 2006 hizo lo mismo en Nueva Delhi dentro de la Phirangi Kala Wale Foreigner Show.
En Buddha Bound, otro árbol de India fue cubierto esta vez con cuerdas que representan los colores del aura que rodeaba la cabeza de Buda cuando alcanzó la iluminación.
Palm Cozy Nº 1 y Palm Cozy Nº 2 fueron encargados por coleccionistas privados para sus casas de Orlando.
Para Levels utilizó arboles artificiales, más bien esquemas de árboles, que tejió con franjas de colores cada uno de los cuales representa un nivel de altura del árbol.
Unas instalación que me gusta especialmente son su Confined Comforts donde un pequeño bosque de la universidad de Kent es cubierto con hilos de colores, también Palm Wrap donde hace lo mismo pero esta vez en Nueva Delhi y Space Wrap en Echo Hills Elementary School. En todas ellas, los arboles han sido unidos por miles de hilos, como si se tratara un gigantesco telar.
El resto de su obra reciente, sigue muy vinculada al tejido y a los espacios exteriores, en muchas de ellas elabora alfombras de vivos colores, que coloca en espacios desiertos.
Las que no me gustan y me sorprende hayan sido creadas por la misma autora, son las Down Under(s) 1, 2, 3 y 4. Aquí los arboles han sido vestidos con ropa interior masculina y femenina.
Curiosa forma, la que esta artista ha ideado, para aportar un toque de color y de alegría a la naturaleza, de una manera que perdura en el tiempo.
Etiquetas: arte, humor, materiales, textil, todos, tradición
Como este mes hemos publicado un extenso artículo en Flylosophy sobre culture jamming, he aprendido muchas cosas sobre cómo "corregir" códigos y signos. El tema es apasionante.
Entre las acciones de subvertising que más me han llamado la atención, están las que practica los Space Hijackers que se reconocen como un grupo de “anarquitectos”, que secuestran espacios públicos para poner en evidencia la jerarquía que imponen los arquitectos, los planificadores y los propietarios de los espacios públicos.
Otro día hablaré más sobre ellos, pues se merecen un post largo que hoy no tengo tiempo de hacer.
A través de su página he llegado a una acción de guerrilla artística, ¡ojo! en este momento hay que especificar cuidadosamente para no confundir con una acción de guerrilla publicitaria, que tan de moda se han puesto.
¿Por qué digo esto?, pues porque, aunque el autor, Mark Daye es un estudiante de diseño que ha realizado este proyecto para su tesis, no se trata de una campaña de publicidad encubierta, ni siquiera para una ONG.
Para su iniciativa Homeless Sings in Toronto ha colocado falsas señales de trafico, imitando las que existen en la ciudad de Toronto y las utiliza como soporte para lanzar mensajes que llaman la atención sobre la vida de los vagabundos en la ciudad.
El objetivo según su autor es captar el interés de los ciudadanos a través del diseño gráfico, y para ello lo que hace es deconstruir las señales viales y volverlas a codificar con mensajes subversivos que hablan del, tristemente ignorado, colectivo urbano que forman los sin techo.
Con este cambio de los mensajes en las señales, quiere informar "de manera oficial" a a la gente, que va con la guardia baja y que lee las señales con respeto, pues les asigna un valor de autoridad. Y si esa voz oficial habla de cuestiones humanitarias... pues entonces hay que hacerles caso.
Con todas las señales llenas de mensajes como: "Quiet, Homeless Sleeping" "Please keep our streets clean 818 people have to sleep on them." "Approximalely 5052 homeless living in Toronto as of April 2006" "Please have change ready for homeless", "Homeless has nothing to do withlack of shelter", es difícil no tomar consciencia de una realidad por la que todos los días pasamos de puntillas para no ensuciarnos.
Etiquetas: arte, autobombo, exteriorismo, street art, todos
Esta foto, que me ha asaltado desde la página de Today and Tomorrow me ha hecho recordar lo mucho que me gustó la obra del coreano Do-Ho Suh, artista que conocí en el Musac de León hace un par de años.
Pasear por el pasillo de su apartamento de Nueva York, meticulosamente construido con seda transparente y observar los pequeños detalles que el artista fue cosiendo en su interior me hizo sentir casi inmersa en una ensoñación...
Os dejo con las imágenes, porque tampoco tengo mucho que decir, simplemente que me siento ligera, casi flotando cuando las miro, lo que ya es algo, teniendo en cuenta lo densa que me pongo a veces.
Podéis encontrar mucha más información en la página de la galería Lehmann Maupin, de donde he sacado las fotos, en Designboom y en la del Musac.
Etiquetas: arquitectura, arte, materiales, paredes, superficies, textil, todos
Un poético proyecto que me ha llamado la atención por su simplicidad y su ingenio, además de por su belleza.
Se trata de un pabellón de cartón del que surgen poesías, ¿suena bien no?. Sí, su autor/a Jiyeon Song ha concebido una obra, entre la escultura, la arquitectura y el diseño tipográfico, llamada One Day Poem Pavilion.
Se trata de un pequeño y acogedor espacio, construido en común cartón marrón, al que se le han practicado una compleja serie de perforaciones, las cuales permiten que la luz atraviese su superficie proyectando en la sombra, dibujos tipográficos que componen textos poéticos.
Así de simple, un rudimentario mecanismo que sólo depende de la luz solar para funcionar. Según cómo incida la luz sobre el troquel los textos que se verán serán unos u otros. De esta manera, mientras la tierra se desplace alrededor del sol, el ciclo poético seguirá. Por ahora tengo la cierta seguridad de que no va a fallar.
Las perforaciones están pensadas para que cada mensaje que proyectan, tengan que ver con la estación del año en que se va a ver. Está dedicado a la nueva vida, en el solsticio de verano y es una reflexión sobre el paso del tiempo, en el invierno.
Los textos de luz son Sijos, cortas poesías coreanas que hablan sobre la naturaleza y la vida. Los elegidos para este pabellón tratan de cómo muchas cosas sólo pueden hacerse en un determinado momento de la vida, como amar, perdonar, dar, ayudar, etc...
Los poemas se pueden leer de la 8 de la mañana hasta las 4 de la tarde. Cada estrofa constan de 5 líneas que van apareciendo lentamente. Y este retardo en el mensaje, es una invitación a parar y reflexionar a la sombra del pabellón.
En este esquema podéis ver la secuencia de tiempo en la que van apareciendo los textos, porque la artista ha planificado hasta el mínimo detalle. Supongo que habrá tenido en cuenta también los efectos de la lluvia sobre el cartón.
En cualquier caso es un poético espacio donde descansar de las prisas diarias y de paso meditar sobre las verdades de la vida. Increíble.
Lo he visto en It´s Nice That.
Etiquetas: arquitectura, arte, exteriorismo, simplicidad, todos
No hablo mucho de fotografía, pero el trabajo de Clay Ketter merece una mención en este rincón, porque también surge de la devastación y la ruina, temas cada vez más comunes por aquí.
Este autor, investiga en técnicas de construcción, realizando una fotografía que bajo una apariencia algo minimalista esconde una complejidad que no se consigue con el retoque fotográfico.
Su último trabajo, que se expone en la galería Bartha Contemporary de Londres, me ha impactado. Reunidas bajo el título Gulf Coast Slabs esta colección de fotografías tratan de documentar la desolación arquitectónica que vivió la Costa del Golfo de Mississippi durante el huracán Katrina.
Se centró para ello en los barrios sobre los que más duramente había incidido el huracán. Allí pudo encontrar edificios, en los que la destrucción había sido tan completa que nada quedaba en pie y sólo se conservaban restos de los distintos pavimentos de la casa, que trágicamente perfilaban lo que alguna vez fueron hogares felices.
Con su cámara y ayudado por una grúa, que le permitió tomar fotos desde arriba, retrata esquemas de desolación, trazados con baldosas, linóleos y madera, a los que se superponen restos de vigas y techo caído. Si se observan la imágenes de cerca, según cuentan, se pueden adivinar esparcidos al azar, objetos domésticos que han quedado unidos al pavimento.
Además cuando estas fotos fueron tomadas, las malas hiervas ya habían empezado a reivindicar su espacio dentro del plano, en un metafórico intento de recuperar un terreno que en otro tiempo le fue arrebatado a la naturaleza.
Estas fotos, me transmiten una sensación de limpieza y suavidad que me confunden y no puedo evitar pesar, que lo que estoy mirando no son dramáticas y abruptas ruinas, sino terrenos que el agua ha ido purificando y desbastando hasta dejar las tres dimensiones de la catástrofe, convertidas en dos. Uff... que profundo me ha quedado esto... perdón.
Cool Hunting me lo ha enseñado y las fotos las he cogido prestadas del catálogo de la galería Bartha Contemporary.
Etiquetas: arquitectura, arte, exteriorismo, ruina, suelos, superficies, todos
No hay objeto por insignificante que sea, que no pueda ser revisado y convertido en obra artística o pseudoartística, hasta en un simple cazo o cazuela hay ocultas e insospechadas cualidades a explorar.
Pues sí, y si no os lo creéis sólo tenéis que ver lo que los chicos de Polka han conseguido transformando piezas del mas modesto menaje del hogar.
Lo han realizado en colaboración de la empresa Riess, fabricante de baterías de cocina, y presentado en la Vienna Design Week 2007 se llama Polkja Pot Project.
Si la filosofía de la empresa es descubrir la belleza en lo banal, lo extraordinario fuera de lo ordinario, parece que en este proyecto, han puesto mucho empeño.
A mí personalmente no es que me apasione, pero bueno es curioso y me apetecía dejarlo por aquí por si a alguien le inspira.
Imposible cocinar con estas piezas pero ¿a quién le importa cuando se trata de un ejercicio de estilo?
Mientras algunos se empeña en esconder las miserias y los fallos del sistemas, otros pocos piensan, que para enfrentarse a la realidad lo mejor es evidenciarla, ponerla delante de las narices, hasta que no haya más remedios que asumirla.
Eso es lo que han hecho los componentes del colectivo Object Orange, formado por 4 artistas locales, que usan el anonimato, por cuestiones legales, y que centran sus acciones en la zona de Detroit, Michigan.
Unidos en una cruzada artística, su intención es llamar la atención sobre los edificios en ruina y la decadencia de su área urbana.
Para ello han hecho acopio de grandes cantidades de pintura del más llamativo color naranja, concretamente el Tiggerific Orange, patentado por la Disney y armados con brochas y botes han organizando patrullas urbanas nocturnas de unas 15 personas y se dedican a pintar de arriba abajo cada una de las ruinas que encuentran a su paso, por las afueras de la ciudad.
En los extrarradios de Detroit hay más de 7000 edificios abandonados, menos de 2000 estan a la espera de ser demolidos, dejando una larga lista en un limbo administrativo que los ha convertido en antros de drogas, prostitución y delincuencia en general.
La administración niega que estas acciones tengan valor artístico, les tacha de vándalos y les persigue, pero sea como sea, de las 11 casas que han pintado, 4 han sido inmediatamente demolidas, cosa que según la administración es pura casualidad y según los artistas es resultado de su iniciativa.
El caso es que, consigan lo que consigan, el efecto de ver esas solitarias y ruinosas casas pintadas de "naranja Disney" es de lo mas impactante, no tenéis mas que mirar las fotos.
Lo he descubierto como no en Gerrilla Innovation y ampliado en Good Magazine a los que también he cogido prestadas fotos. El resto son de Flickr.
Etiquetas: arquitectura, crítica, ruina, street art, todos
No suelo hablar sobre escaparatismo y diseño interior de tiendas. El tema me interesa pero lo que encuentro no acaba de gustarme, todo me parece sospechosamente parecido. Lo mismo me ocurre con bares, restaurantes, hoteles y edificios públicos en general, los veo cortados por el mismo patrón.
Para que me entendáis, me meto en la tienda de una gran cadena o franquicia, y pierdo la referencia de dónde me encuentro, si no me hablaran, no discerniría si estoy en Madrid, Tokio, Nueva York o Cáceres. Misma decoración, misma música, misma iluminación, mismo olor, mismo tipo de gente....
Y si lo extrapolamos, las grandes avenidas comerciales de las ciudades desarrolladas, donde este tipo de superficies proliferan, también me parecen estandarizadas, no veo en ellas rasgos locales que las convierta en especiales.
No es que las marcas presten poca atención al tema de la decoración, claro que lo hacen, todos los locales están cuidados, son modernos y en la mayoría de los casos su estética es más lujosas de lo que corresponde al tipo de productos que venden.
Pero para mi gusto les falta algo, eso que sólo encuentro en la tiendecitas de jóvenes diseñadores y artistas, esas que conforman el paisaje de los barrios alternativos de Berlín, Londres, París, Buenos Aires, cada vez menos de Nueva York, y que casi no existen en Madrid.
Lo que me enamora de esas tiendas es el mimo, el cariño, el cuidado y esmero con que se decoran, siempre haciendo de la necesidad virtud, con una clara intención de expresar la personalidad y estética de lo que se vende en ellas. Sobre todo, me admira su capacidad de variar constantemente de apariencia, para invitar a los compradores a entrar una y otra vez con la ilusión de encontrar nuevos productos.
Pues sí, de eso es de lo que adolecen las tiendas prestigiosas, les falta vida, movimiento, capacidad para evolucionar y adaptarse e inmediatez. Gastan montones de dinero en decoración, pero una vez hecha la inversión se quedan parados hasta que la amortizan y solo entonces se plantean cambiarla. En este proceso, pueden transcurrir años, con lo que corren el riesgo de que todo acabe siendo rancio y obsoleto.
No quiero generalizar, hay excepciones, incluso algunas marcas de lujo tienen por costumbre contar con prestigiosos decoradores e incluso artistas, para que les personalicen sus tiendas flagship (buque insignia), pero estas son una minoría, y lo suelen hacer a golpe de talonario y con intenciones de generar noticias en prensa.
Todo esto lo cuento porque el otro día me topé en The Cool Hunter, con la tienda de una prestigiosa marca de cosméticos, Aésop, que me encantó y que para mí sobresale por encima de la mediocridad que impera es este mundillo estandarizado.
Esta marca, especializada en cosmética de lujo, elaborada artesanalmente con esencias botánicas naturales, cuenta con 20 tiendas repartidas por todo el mundo. La decoración de cada una es distinta, y han sido concebidas y diseñadas individualmente para reflejas las particularidades de su ubicación.
La que me ocupa hoy es la que se acaba de inaugurar en Melbourne y que ha sido forrada de cartón industrial por el estudio de arquitectura local March Studios.
Las propias cajas de embalaje de los productos, combinadas con planchas de cartón, son los elementos en los que se sustenta toda la decoración de esta impresionante tienda y le confiere una imagen muy en la línea de los productos que se venden en ella.
Cientos de cajas están perfectamente ordenadas y apiladas en las paredes, algunas sobresalen y sirven de elemento expositivo para algunos de los productos. El resto se colocan, ordenadamente-desordenados, sobre gruesas planchas de cartón corrugado, que conforman un sólido bloque de lo más arquitectónico.
Y eso es todo, barato pero impactante. Así, cuando consideren que ha llegado el momento de revisar la decoración, no tendrán demasiados problemas para hacerlo, bastará que reciclen todo el material y a inventar algo nuevo, aunque el listón lo han dejado muy muy alto.
Las posibilidades del cartón siguen sorprendiéndome.
Las fotos se las he cogido prestadas a The Cool Hunter.
Etiquetas: almacenaje, decoración, materiales, reciclaje, todos
Me ha llamado enormemente la atención algunas de las obras del artista holandés Ward van Gemert .
Su proceso de creación consiste en comprar muebles en Marktplaats, subsidiaria de Ebay en Holanda, los cuales descompone en piezas, a las que asigna posiciones que le parecen más interesantes y una vez llegado al resultado que le interesa, las vuelva a vender como objetos artísticos, en la misma tienda virtual. Lo que no se es si ha llegado a vender alguna.
Eso es lo que ha hecho con la serie de sillas Exploded Chairs. Los objetos originales, han sido deconstruidos (cuidado lo que se usa y abusa de esa palabra), desarmados y vueltos a montar quedándose sólo con las piezas imprescindibles para marcar la forma y dejando simple vacío en el resto de la estructura.
Algo parecido ha hecho con su Stretched Table en la que tomando una simple mesa de madera, le ha dado el doble de tamaño haciendo alargamientos con resina transparente. O con la Bijzettafel, esta vez basándose enj una fea mesa de plástico.
Proyectos como la silla Caféstoel, la Stoel o el precioso mueble con ruedas Kast, son variaciones sobre el mismo tema.
Yo me quedaba con una de las lámparas que me parecen casi mágicas.
Lo he visto en 24oranges. y en PYTR75.
Etiquetas: arte, decoración, humor, materiales, objetos, reciclaje, todos
La obra de la artista neoyorquina Phoebe Washburn es fruto del más puro reciclaje, no hay que ser muy observador para darse cuenta.
¿Qué más puedo decir?. Pues que lo he visto en Dailyserving. Las fotos las he tomado prestadas de Zach Feuer Gallery.
¿Se nota que hoy ando un poco vaga?.
Etiquetas: arte, materiales, reciclaje, todos
Me encanta la intervención paisajística que han realizado en la margen del río Tanghe a su paso por la ciudad china de Qinhuangdao.
Me reconcilia "algo" con la nueva arquitectura que se practica en ese país, a la que no tengo en muy alta estima, primero por haber visto con mis propios ojos verdaderas aberraciones cometidas en pro del progreso y después por estar sobresaturada de información, sobre las maravillas arquitectónicas que se están "perpetrando", con la excusa de los inminentes Juegos Olímpicos de Pekín.
Bueno, el caso es que en el Tanghe River Park lo han hecho bien, y sin grandes ostentaciones han conseguido un resultado espectacular, lo que le ha valido un premio de honor de la American Society of Landscape Architects, por una vez coincido con la opinión de un jurado.
Para invitar al uso y disfrute, por parte de los habitantes del pueblo, del maravilloso parque que bordea las margenes del río, lo que han hecho es instalar un banco corrido de llamativo color rojo que se extiende serpenteante a lo largo de medio kilómetro paralelamente al cauce del río.
La bancada es de metal y lleva acoplado un sistema de iluminación y unos huecos por los que la vegetación surge a lo largo de la pieza, también se ha instalado un pasillo de madera, acoplado al banco, que facilita el paseo. El conjunto se complementa con 4 pequeños espacios techados para resguardarse de las inclemencias del tiempo.
La vegetación del parque es de lo más variado, por lo general especies autóctonas, y se combinan con gran acierto, arboles, con flores y con altas hierbas. Aparentemente, parecen haber crecido allí de forma espontánea, pero en realidad fueron elegidas cuidadosamente.
Así, lo que antes era prácticamente un basurero es hoy un agradable sitio de esparcimiento, para los habitantes de la urbe, que pueden disfrutar de un día de playa fluvial. Además, el buen diseño de su iluminación ha conseguido que por la noche se pueda seguir utilizando para pasear.
Esta instalación posee pues la gran virtud de haber urbanizado la zona, sin causar grandes daños en el ecosistema y sin haber mermado su valor ecológico. Algo recuerda a la obra de Goldsworthy.
Y hay que ver qué bien combina el rojo, con el verde de la vegetación y toque azul de las aguas del río. Por esta vez, tengo que reconocer que me gusta. Las puestas de sol parecen bellísimas.
Lo he visto en Yatzer.
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Otro artista que expone obra destruida en espacios creados para el arte. Se llama Felix Schramm y es alemán, no parece que tenga web.
Sus piezas son como collages cubistas en tres dimensiones, donde el blanco sucio, los grises, naranjas y azules, han sido aplicados a planos irregulares, construidos con materiales de baja calidad, llenos de grietas, roturas e irregularidades, que penetran y dañan el espacio arquitectónico frío lujosos y perfecto de la galería.
Lo que más me gusta es la sensación de peligro y fragilidad que transmite y también la importancia que el color y la pintura tienen es su arqui-escultura. Lo que menos el regusto final de que todo es pura ficción, con lo que pierde parte de su sentido reivindicativo.
Lo he conocido por James Wagner y las fotos las he tomado prestadas de la galería Andreas Grimm.
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Mirad lo que hace la traviesa diseñadora Julie Krakowski con el lino. Pues nada más y nada menos que quemarlo y mancharlo, para convertirlo en piezas de lencería para el hogar, que a mí me encantan.
Otra vez estoy hablando de piezas imperfectas, deterioradas y aparentemente sucias, pero que a pesar de todo, están dotadas de una apariencia sofisticada y bella.
Estas marcas y quemaduras, producidas por pequeños accidentes de la vida cotidiana, son recreadas y reinterpretadas por la artista que las mezcla con bordados, hilo dorado, lentejuelas y cuentas, hasta convertirlas en originales motivos decorativos.
De todos sus trabajos, me quedo con Coffee and Cigarettes 1, porque a pesar de la complejidad me resulta sutil sin cansar, en el resto de sus trabajos, creo que se le va la mano.
Y es que hasta para para llegar a ser sutilmente imperfecto hay que lograr cierta perfección.
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Un poquito de cerámica de esa que a mi me gusta, la que está entre lo que se puede usar y la pieza de arte, aunque en este caso, más cercana a lo segundo.
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Quería hablar de un proyecto de arte urbano del artista macedonio Igor Tosevski. Se llama Free Territories y se ha venido desarrollando desde el 2004 hasta la actualidad en Skopie la capital de Macedonia, ¿se puede llamar así?.
Me parece muy apropiado mencionarlo en estos momentos en los que los nombres de los lugares se han vuelto tan importantes porque los territorios de este artista no lo tienen, aparentemente son sólo pequeños espacios urbanos acotados dentro de poliedros de bordes amarillos.
Pero nada más lejos de la realidad, estos contornos, según el artista, son mágicos y delimitan un minilugar para la creación, que ha sido negociado por él y los propios transeuntes con la intención de convertirlos una especie de tierra de nadie para uso artístico, dentro de la ciudad.
Una vez que el usuario se situa dentro, cualquier gesto, palabra, incluso la propia sombra, se convierte en puro arte conceptual. Todo acto u objeto que esté comprendido en su interior, automáticamente es entendido como manifestación artística y cada transeúnte es potencial artista, un poeta o de un activista creativo.
Estos Free Territories son centros de libertad de creación, enclaves de expresión social. Por lo tanto no existen limitaciones o restricciones de ningún tipo.
Una versión puesta al día de los pensamientos de Duchamp o Ives Kleim.
Preciosa idea la de este artista, me recuerda a ese juego al que jugaba en el patio del colegio y que consistía en "matar" con el balón a los del otro equipo, hasta que estos llegaban a una zona marcada como "casa" donde no les podías hacer nada.
Pensándolo bien, no se cómo me sentiría en uno de esto territorios, seguro que me podía la presión y me quedaba parada sin poder actuar. Aunque tampoco importaría mucho porque por el simple hecho de respirar ya estaría haciendo arte, arte vivo.
Si pudiera, invitaría amablemente a unos cuantos, que andan cerca estos días, para que hicieran sus "performances políticas" en estos territorios, por lo menos estaría segura de que lo que estoy viendo es una representación.
Lo he visto en Moon River.
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¿Qué me decís de este refugio urbano? verdaderamente tiene muy buenas vistas.
Es obra del artista Leonard van Munster que lo construyó en el 2004 en la azotea del museo Stedelijk de Amsterdam, un edificio de 45 metros de altura, y lo encaramó a un frágil árbol de 9 metros.
Under Heaven, que así se llamó la instalación, estaba inscrita dentro de una muestra de diseño gráfico, por eso las tablas que el artista reutilizó para la construcción de la casita en el árbol, conserva los elementos gráficos originales.
Desde luego la instalación impresiona. Que una modesta y frágil construcción de madera, se alce altanera y desafíe provocativamente la robustez de las construcciones que le rodean, me parece una manera sutil de decir que lo pequeño, lo frágil, puede ser fuerte y resistente, pese a su tamaño.
Como no tengo vértigo, lo que hubiera disfrutado observando desde esa atalaya.
Lo he visto en Vvork.
Etiquetas: arquitectura, humor, materiales, todos, tradición
Un pequeño divertimento, la lámpara del diseñador de Singapur &Larry llamada Anything but Red.
Aparentemente es una lámpara con tulipa, de lo más clásico, pero su largo pie está formado por rollos adhesivos apilados, de todas las clases y colores, bueno, de todos no, falta el rojo.
Tampoco es que tenga muchas cosas más que decir sobre ella, pero me ha hecho gracia y eso ya es algo, así que simplemente la dejo por aquí para que la veáis.
Si queréis saber lo que cuenta el autor sobre ella os diré que se ha inspirado en el lamento de los diseñadores y artistas por la sofocante atmósfera creativa que se vive en Singapur. La pregunta que se hace es ¿Cómo se puede ser creativo cuando hay tanta burocracia en Singapur?.
Pues vale.
Espero que la cinta adhesiva no se la hayan comprado a los chinos porque con el calor de la bombilla no quiero ni pensar cómo quedaría la cosa al primer uso.
La he visto en Crib Fashion.
Etiquetas: decoración, humor, iluminación, objetos, todos
En mi búsqueda de la cosa imperfecta, del material reutilizado y del objeto que tiene aspecto de haber sufridos alguna que otra batalla, no puedo dejar de hablar de los muebles de madera, que elabora de forma artesanal, la empresa holandesa Piet Hein Eek.
Están especializados en trabajar la maderas de deshecho, que ellos seleccionan y tratan cuidadosamente para que no pierda la calidad, los colores y las texturas originales. Consiguen que materiales sin valor, deshechos de la industria, inservibles para otros, adquieran una apariencia que se podría considerar, artesanalmente sofisticada.
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En estos días, en muchos, muchos, muchos blog, se está hablando de unas pequeñas esculturas animadas que han aparecido en los respiraderos del metro de New York.
Nos llegó la noticia por el blog de referencia, en todo esto del arte urbano, Wooster Collective, que nos desveló que han sido realizadas por Joshua Allen Harris, artista del que yo nunca había odio hablar, lo cual, tampoco significa nada.
Estas criaturas, han sido fabricadas con bolsas de plástico de todo tipo, unidas y trabajadas para darles formas de animales y de muñecos. Después se han atado a las rejillas de ventilación del metro, de manera que cada vez que pasa un tren y desprende aire, las bolsas se llenan, se mueven y parece que los animales cobran vida.
La idea es muy buena y la resolución también, son divertidas mientras el aire está dentro de sus cuerpos de plástico, otra cosa es cuando permanecen vacías, es decir cuando no funciona el metro, porque en ese momento me parecen bolsas tiradas en la calle. Y no puedo evitar pensar, que el artista ha dejado un montón de plástico antiestético, que seguramente nadie más que los del servicio de limpieza van a recoger y reciclar.
Junto a otros 23 compañeros que se graduaron con ella, organizador del 11 al 29 del pasado febrero "La Toma" de la ciudad, para mostrar a los ciudadanos los resultados de sus estudios de Bellas Artes, situando para ello sus trabajos fin de carrera, en entornos públicos y privados.
Los pequeños seres verdes que ha creado Lissy, también están vivos, pero esta vez de verdad, ya que han sido elaborados con plantas naturales, cuyas hojas ha ido tejiendo con alambre hasta hacerlas parecer hombrecillos de hojas.
Esta intervención verde, que he visto en Vox Intimus parece algo más ecológica que la de Nueva York, sobre todo porque si abandonó a las criaturitas a su suerte en plena calle, seguro que muchos voluntarios estaban deseando adoptarlas y cuidarlas.
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