Hoy una entrada rápida, pero muy visual, eso sí, es que estoy haciendo la maleta, porque mañana empiezo mis vacaciones. Estoy intentando que me quepa todo pero como no soy muy buena con el tetris parece que las piezas no encajan bien y me falta sitio.


Como decía, muy visual es la obra del fotógrafo suizo Renate Buser, que también se dedica a la cosa del trampantojo ¿se estará poniendo de moda? el caso es que no es mala solución para tapar defectillos y fealdades, esta vez la temática es arquitectónica, por lo que a mí me gusta bastante más que la floral de Joshua Callaghan de la que hable el otro día.


Me admira ver como con sus simples intervenciones, edificios y paisajes anodinos, pasan a tener otra vida, con nuevas perspectivas y usos, con más belleza y complejidad e incluso con nuevos personajes. Que aprendan los publicitarios, bueno mejor que no lo hagan...


Buen trabajo el de este hombre, fino fino.


Os dejo las fotos, algunas impresionan por el efecto que consiguen, pero mejor si lo veis todo desde la página del autor así os será más fácil discernir, lo que es real y dónde empieza la intervención del autor, en algunos casos es verdaderamente difícil si no se ve el vídeo adjunto.


Qué buena idea y barata, para embellecer todos aquellos elementos arquitectónicos que no nos gustan. Se me esta ocurriendo hacer... je, je, je.


Mi intención es seguir conectada y dejar por aquí frecuentes comentarios de mis descubrimientos en Nueva York, tanto dentro como fuera de los museos, o de cualquier otra cosa que me llame la atención en el mundo virtual, durante este mes de agosto.


Hasta dentro de nada. Buen veranito.


Lo he conocido gracias a Wrongdistance.

Etiquetas: arquitectura, arte, exteriorismo, intervención, todos

Hoy algo de arquitectura, pero especial, puesto que es una casa que parece un libro abierto y cuyas habitaciones están ocultas bajo tierra. Se llama Casa de Retiro Espiritual y fue diseñada por el prestigioso arquitecto argentino Emilio Ambasz, hace ya algunos añitos, en 1975, yo la conocí en una exposición del MOMA.


La construcción, concebida como retiro espiritual, abarca más de 600 hectáreas situadas en Sierra Morena y está rodeada de verdes montañas salpicadas de encinas, de toros de lidia, de ganado vacuno y de caballos.


Lo que queda a la vista en esta construcción, en realidad son sólo dos muros blancos en angulo recto, por lo que parece un libro blanco puesto en pie. Cada muro está atravesado por una alta escalera que conducen a un impresionante mirador, de estilo árabe, encaramado a lo más alto, desde allí, las vistas deben ser magníficas, lo que hace que merezca la pena subir los aparentemente peligrosos peldaños de estas escaleras.


Las dependencias de la casa, quedan ocultas bajo tierra aunque posee grandes ventanales que dan a una especie de patio inglés escavado en el suelo.


El autor ha sabido construir una obra de gran simplicidad, tanta que sólo podemos ver dos muros, donde predominan marcadas lineas rectas y varias escaleras que parecen llevar a ninguna parte. Pero a esta simplicidad le ha añadido, para no resultar aburrido, elementos sinuosos y también suntuosamente ornamentados, propios de la arquitectura árabe y lo ha rodeado todo de una hermosa naturaleza.


Muchas cosas interesantes cuenta Peter Buchanan en el ensayo que hizo sobre esta construcción. Yo, como siempre, prefiero dejar fotos para que cada uno juzgue si le gusta o no.


Me agrada estéticamente, también el entorno bucólico que le rodea, además me parece que ha resistido bien el paso del tiempo y que no ha perdido su modernidad.


Otra cosa es que yo me quisiera refugiar en ella, mas de un par de días, y es que me parece demasiado apartada, demasiado perfecta, fría y sin rastro de estar habitada y con unas escaleras... demasiado peligrosas...


Las fotos son de Michele Alassio y las he sacado de la página del autor.


Luis, desde l3utterfish, me envía un post que escribió sobre la misma casa, tiempo atrás, ahí podéis ver más fotos y un vídeo ilustrativo de cómo es en realidad la construcción.

Cuando leáis el post no dejéis de ir a los comentarios, un vecino de la zona, saca a la luz, muchos de los puntos débiles de esta edificación aparentemente ideal, ecológica, sostenible... Su conclusión: "solo encuentro una solución para la obra de arte: PIQUETA y restauración del paisaje original". Recomiendo su lectura porque no tiene desperdicio.

Etiquetas: arquitectura, arte, evento, todos

El modesto neón blanco es el protagonista de muchos de los trabajos de Tim Vets, también los sonidos, puesto que además de ser artista plástico, es músico de profesión. Esto se traduce en obras que van desde los vídeos interactivos, a las instalaciones sonoras y objetos físicos que se mueven con la música.


Yo me quedo con sus instalaciones, entre ellas, mi favorita es la City LightsIII, por pura simplicidad y en la que un tubo de neón se desplaza de manera vertical, produciendo el efecto de una superficie de luz blanca. En la parte superior de la lámpara, unos altavoces registran los sonidos generados por el desplazamiento que son transformados, amplificados por un ordenador y reproducidos en la propia instalación...


Me gusta mucho la llamada State of reflection, en la que el autor ha dibujado figuras geométricas de neón, entrelazadas dentro de espacios arquitectónicos.


La compleja Deflektor consiste en la rotación de 4 paneles rectangulares, controlados por un programa, que al mismo tiempo proyecta 4 formas derivadas de estos mismos grupos de paneles, de este modo, sirven como superficie de proyección y proyector al mismo tiempo.


Otra instalación interesante es la Citylights IV y Citylights V en la que se ha construido una especie de estructura de cartón, con tubos de neón desplazándose por cables, entrando y saliendo de la pieza.


Pasamos a las fotos, que son mucho mas interesante que mis explicaciones.


He conocido al autor a través de Happy Famous Artists.

Etiquetas: arte, exteriorismo, iluminación, intervención, tecnología, todos

Hoy una entrada muy muy corta y con muy pocas imágenes (a ver si encuentro más), pero que me apetecía mucho hacer, nada más ver la serie de fotos Garde l’Est, realizadas por la artista chilena Francisca Benitez.

Y eso que me he equivocado de parte a parte al mirarlas por primera vez, porque pensé que estaba observando las instalaciones que la propia artista había realizado en París y que consistían en subir hatillos a los árboles, y me estaba pareciendo una obra muy simbólica.

Pero no se trata de nada de instalaciones, ni de simbolismos ni de metáforas, lo que muestran estas fotos es un trabajo de documentación en el que la autora se ha limitado a congelar en imágenes una realidad que pasa casi desapercibida para los transeuntes, pero que es un acto de supervivencia para los dueños de los objetos encaramados a los árboles, ya que son sus únicas pertenencias.


Copio la explicación: "Efectos personales de los inmigrantes afganos: Garde l’Est presenta la inolvidable imagen de hatillos anidando en los árboles parisinos. Los hatillos son los efectos personales de los inmigrantes afganos. En julio de 2005, dos meses antes de los alborotos de París, Benítez grabó sistemáticamente cada árbol de este espacio público próximo a la Gare de l’Est. Los troncos de los árboles conectan dos realidades paralelas, la de la sociedad francesa y la de los inmigrantes ilegales, anónimos y desplazados. Mientras viven en la ciudad, si bien al margen de ésta, a menudo son gente que espera: otro empleo esporádico, la reanudación de su viaje. Muy lejos de sus raíces, la suspensión física y mental de los inmigrantes, se manifiesta en sus pertenencias colgadas de los árboles". No hay mucho más que añadir.

Existe un vídeo, que tampoco he encontrado, algo escasa de material me ha quedado esta entrada...

Lo he visto en el catálogo, de la mas que interesante exposición, Post-it City, que tuvo lugar recientemente en Barcelona.

Etiquetas: arte, fotografía, todos, urbanismo

La instalación Rest, que los artistas Martijn Engelbregt y Miguel Brugman han crearon para un festival de arte de verano, está basada en la imagen de la típica zona de descanso al aire libre de un área de servicio.


Con los bancos y las mesas de madera para comer, han creado la estructura de una pirámide que funciona como un gran comedor al aire libre, donde se apilan gran número de familias comiendo unas encima de otras.


Lo que comen también es parte de la instalación ya que los artistas han elegido y cocinado un tipo de comida cuyos ingredientes principales son productos de la zona, que ofrecen a los intervinientes en la instalación.


Según cuentan los creadores, es una manera metafórica de simbolizar la comida que se estropea en el mundo¿¿¿¿???.


Pues nada, que me ha hecho gracia y quería compartirlo, espero de todo corazón que a nadie se le ocurra comer en una pirámide de este tipo en sus veraniegos viajes por carretera, no me parece muy segura, sobre todo para los que están en la parte superior.


Lo he visto en Designboom.

Etiquetas: arte, efímero, exteriorismo, humor, intervención, todos

Hoy no voy a meter nada de rollo, que últimamente estoy muy peleona, así que os dejo imágenes de arquitectura efímera hecha en Chile por el artista, poeta y arquitecto Ignacio Balcells también conocido como El poeta de la mar.


Esta obra arquitectónica, escrita con letra minúscula, humilde y efímera, llamada Torres de Agua-Corporación Amereida, fue levantada en Ritoque y poco hay que decir de ella que no se aprecie en las magníficas fotos de Felipe Fontecilla.

Espero que os guste tanto cómo a mí...

Etiquetas: arquitectura, arte, efímero, simplicidad, todos

Cuanto más veo a la intervención del artista JR en Cartagena y tengo que decir que me la estoy encontrando por todas partes, más me acuerdo de Jorge Rodríguez Gerada, vaya por dios.


No se si os habéis dado cuenta que estos días me ha dado por enfrentas obras para ver qué pasa y hoy le ha tocado al trabajo estos dos artistas, por razones obvias.


Que JR esta muy muy de moda es evidente, ya lo estuvo en Londres y antes en Belén, ahora llega a España por la puerta grande para empapelar todo Cartagena con las caras de ancianos habitantes. Esta intervención se llama Los Surcos de la Ciudad y ha sido concebida para el festival La Mar de Músicas.


Que suerte tiene JR, le han puesto toda la ciudad a sus disposición y no hay localización de gran visibilidad que no se le haya brindado, hay que decir que sus intervenciones son bastante reversibles, lo que es un punto a su favor.


No sé exactamente por qué la obra de este autor nunca me ha enganchado, creo que puede ser porque sus imágenes me parecen muy evidentes y pretenciosamente provocativas y sus asociaciones de ideas para mí gusto tienen mucho que ver con las que se le ocurrirían a un diseñador al que le hacen un encargo publicitario.


Su trabajo, eso sí, es vistosísimo no voy a decir que no, magníficamente grande y muy muy decorativo, que no sería malo si no fuera porque creo que él pretende todo lo contrario, ser subversivo y provocativo.


Como fotógrafo, no tengo nada que objetarle, bueno eso si fuera reportero gráfico y su obra me llegara en un suplemento con el café del domingo, pero como artista urbano su trabajo en las paredes me deja fría.


Además su calidad artística como retratista, se tiene que medir, cara a cara y en las mismas fechas, con la del fotógrafo Pierre Gonnord que también expone en La Mar de Arte, en su caso 12 impresionantes retratos pictóricos de personas de origen gitano.


Total, todo esto de los retratos, me ha conducido a otro artista urbano que sí me gusta de verdad, se llama Jorge Rodríguez Gerada y para mí su trabajo tiene una coherencia artística que no encuentro con frecuencia en las calles de por aquí y de por allá.


Me gustan sus impresionantes pero delicadas caras dibujadas con la tradicional técnica del carboncillo que él ha adaptado a grandes formatos. Ver cómo sus retratos van desapareciendo en los muros medianeros, me reconforta puesto que este proceso de desintegración es parte importante, por no decir la esencia, de una obra generosa y altruista condenada a desaparecer por decisión de su creador, que ha optado por un material tan volátil como el carboncillo.


Además y sin que sirva de precedente, en el caso de este artista tengo que reconocer que me gusta escucharle, también ver cómo trabaja, ya que no oculta su cara ni actúa en la clandestinidad, ya pasó el tiempo en que fue un activista de la subversión y la culture jammer.


Se toma su tiempo, primero elige a sus modelos entre los vecinos del barrio, gente que le atrae y cuyo único requisito es que esté vinculada de alguna manera al espacio donde va a habitar su obra. Después, dibuja sin prisa, subido en su andamio parecer no preocuparse mucho por el tiempo que va a tardar en terminar y que, sin haber concluido, ya haya empezado el proceso de desaparición del mismo.



Recomiendo echar un vistazo a sus vídeos, que ilustran de maravilla la manera de pensar y de crear de un artista seguro de sí mismo que de puro coherente, a mi se me antoja de lo más subversivo.





Hubo un tiempo tampoco tan lejano, en que el trabajo de Gerada se podía ver por Madrid, era una época en que el arte urbano no estaba tan de moda y en la que casi nadie sabía nada de los artistas que trabajaban en la calle. Ahora la cosa ha cambiado y los medios de comunicación nos obligan a familiarizarnos con algunos nombres, cuyo trabajo no siempre está a la altura de su fama, y que tienen copado un mercado artístico cada vez más globalizado.


Desearía... que a alguno de los que mandan en esto de la cosa urbana, se le encendiera la bombilla del entendimiento y obsequiara a los muros de nuestra ciudad y si no puede ser, a los de otra cercana, con algún proyecto como el de Cartagena, pero esta vez realizada por un artista en mayúscula como es Jorge que vive y trabaja por aquí.


¿O es qué hay que esperar que lo reclamen de fuera para después hacerlo volver por la puerta grande, como le está pasando a unos cuantos?.


Si sirve para convencer a los que mandan, diré que ha sido mencionado por "la influyente" Francesca Gavin en un artículo para The Guardian en el que hace una selección de los 5 artistas más interesantes que no necesitan recurrir al spray ni a los estereotipos, para realizar trabajos creativos y subversivos. El resto de los seleccionado... mi admirado Cayetano Ferrer... los algo menos admirados Truth... y los nada CutUp collective y Zezao...

Etiquetas: arte, efímero, exteriorismo, street art, todos

Qué imágenes más refrescantes para el verano, me da una alegría y ganas de echarme a la calle a hacer cosas similares en Madrid, pero me parece imposible dada la idiosincrácia de nuestras instituciones...


Y no es que la idea que ha tenido Oliver Bishop Young sea nueva ni revolucionara, el maestro de la utilización de los espacios públicos al límite de la legalidad, Santiago Cirugeda, ya nos había dado la receta para hacerlo en nuestras ciudades, en su línea habitual de trabajos peleones y solidarios que personalmente admiro.


La utilización que ha hecho Oliver de contenedores de escombros en Londres es bastante espectacular ya que ha sabido condensar en este mínimo espacio, distintos usos que tienen que ver sobre todo con la diversión, el descanso y la naturaleza, en los espacios públicos.


Y no se corta planteando una piscina pública dentro de un contenedor estandar, con escalerilla y todo, o un parque con césped, arboles e incluso bancos, o un jardín de flores, una pista de skate, un terreno para acampar e incluso una mini sala de estar con radiador butacas y espejos...


Y lo ha llevado a cabo utilizando en muchos casos objetos reciclados, demostrando que los pequeños espacios no tienen por qué limitar la imaginación.


El segundo proyecto de este estudiante aventajado. que también está relacionado con contenedores, es la creación de una web en la que la gente puede documentar e informar de las cosa que se encuentran abandonadas en ellos, para que los que estén interesados puedan ir a recogerlas.


Para ello, pone en el contenedor, un espejo con el que comprobar lo que se encuentra dentro, una pizarra en la que apuntar lo que se encuentra disponible y una escalera para poder acceder al interior.


Refrescantes ideas que hacen apetecible la utilización de los espacios públicos, porque... ¿a quién no le gustaría, con el calor que tenemos estos días, tener la oportunidad de pegarse un remojón en uno de los muchos contenedores que invaden nuestras calles?...


Pero con todo, dejadme que yo prefiera, las más discretas recetas subversivas de Santiago, qué le vamos a hacer...


Me lo contó Mike, muchas gracias por acordarte de mí, yo lo había visto en Today and Tomorrow. Las fotos las he sacado de Dezeen.


Seguro que, por su vistosidad, no soy la única en reseñar mañana esta intervención.

Etiquetas: efímero, intervención, jardín, materiales, todos, urbanismo

La instalación que me ha sorprendido se llama Die for You y ha sido concebida por la artista Charlotte Gyllenhammar hace ya unos cuantos añitos, 15 para ser más exactos.


Lo que hizo la tal Charlotte, fue colocar un enorme roble de 120 años 1,6 toneladas de peso y 12 metros de alto, suspendido boca abajo en una concurrida calle de Estocolmo.


El resultado es impresionante, ver ese árbol seco con raíces y todo, flotando sobre las cabezas de los peatones llama la atención, pero lo que me ha dejado verdaderamente boquiabierta ha sido ver el making of de la instalación.


Y es que el proceso mucho tiene que ver con el nombre que la artista ha dado a la instalación, puesto que el árbol verdaderamente ha muerto para esta creación "artística".


Según se puede apreciar en las fotos, fue desplantado de su lugar de origen cuando aún estaba vivo, transportado por un río, dejado secar, cercenado y subido a lo alto de la calle.


Alucino con la sangre fría que ha demostrado la creadora dejando morir sin pestañear a un ser vivo de 120 años y además lo ha expuesto boca abajo para el "disfrute artístico" de los paseantes.


Si lo que quería era ser epatante, misión cumplida si lo que quería era demostrar algo, yo desde luego no lo he entendido, eso sí impactar me ha impactado, pero una barbaridad...

Visto en Today and Tomorrow.

Etiquetas: arte, destrucción, efímero, todos

Algunas lámparas e instalaciones con luz que me gustan, por su sencillez y sentido del humor son las que ha realizado el diseñador iraní Ali Siahvoshi.


Ya he hablado aquí de Hungry, sus decorativas lámparas realizadas con cubiertos, ahora me gustaría dejar las fotos de sus instalaciones con perchas, increíbles por su vistosidad y sencillez.


Cascading Hanger, Rewiring o Untitled son magníficos ejemplo de la espectacularidad que se puede conseguir con mucha imaginación y objetos cotidianos y reciclados.


También merece echar un vistazo a su lámpara Flying Robert, creada a partir de paraguas blancos dados la vuelta, su Table Lamp en la que la base de la mesa está creada con la típica lámpara de tulipa blanca o la Gate Valve construida con piezas de fontanería.


Siahvoshi es un artista iluminado objetos cotidianos, no hay duda de ello.

Lo he visto en Inhabitat.

Etiquetas: decoración, iluminación, objetos, reciclaje, todos

Hoy un poquito de arte publico de camuflaje, obra de Joshua Callaghan, artista que también flirtea con la calle y que aún no ha sido fichado en Eko System y Wooster Collective. Digo esto porque tengo por norma, rota alguna vez, no comentar nada que haya salido recientemente en estas dos publicaciones, tienen tanta difusión que no me gusta ser repetitiva.


Bueno pues la obra de este artista consiste en camuflar mobiliario urbano, pero del más feo que existe y que son esos armarios donde se guarda, yo qué se qué y que, y que se reproducen como setas en medio de las calles.


Lo que él hace es tomar fotos del entorno en el que está situado el armario, caseta o como se llame, elige una para cada uno de los lados y vinila con ellas el objeto seleccionado. Se supone que si te situaras en el punto de vista desde el que se disparó la foto, el mamotreto pasaría totalmente desapercibido.


Para sus intervenciones, ha elegido sobre todo paisajes con gran profusión de vegetación, muy playeros y que se reconocen como típicamente californianos.


Ha realizado sus juegos ópticos en ubicaciones como Playa Vista, en el Renessance Hotel de Hollywood, en el Kirk Douglas Theater y en Culver City, todas ellas en California, todas ellas bastante horteras.


Este artista también expone en galerías y como digo siempre, es fácil que lo que en la calle parezca bueno, en interiores desmerezca. Aquí creo que tenemos un claro ejemplo.


El arte urbano de este artista tiene grandes coincidencias con un trabajo que me encanta y que para mí tiene una calidad artística muy superior a la de Joshua, se trata de las maravillosas intervenciones de Cayetano Ferrer de las que ya he hablado en este blog, no hay color....

Etiquetas: arte, efímero, exteriorismo, flores, humor, intervención, street art, todos

Estuve buscando a Mark Jenkins por todo Barcelona pero sólo di con dos de sus obras, por lo que he tenido que ir a su web a ver qué demonios había dejado en las calles, dentro de la muestra Interferencias 08.


De las dos piezas que puede encontrar, una estaba vigilada por un chico que trataba de explicar al que se paraba delante de un tipo melenudo, pegado a un muro, con la cabeza girada, cual Niña de El Exorcista, de qué iba el tema. El ángel custodio, me dijo que iba a estar allí hasta la 23.00 y que temía que después, alguien se llevaría la obra a su casa.


Y tenía razón porque la segunda pieza, que esta vez estaba sin protección, duró nada en su ubicación, delante de mis narices un tipo se la echó al hombro y marchó con ella, como quién no quiere la cosa. ¿Sería el propio Mark que no quería que se mojara su personaje? es que estaba empezando a llover. Yo instintivamente salí andando detrás de él pero lo perdí en la primera esquina.



Lo que he visto en vivo y en la web sobre este trabajo, es un poco más de lo mismo... nada que no haya hecho en otras ocasiones y que no hayan repetido sus imitadores/seguidores... que llegarán a ser legión...



Me dio pena no ver nada de los interesantes Living Lenses, también incluidos en la muestra, cuyo trabajo, tiene que ver más con el espectáculo de improvisación y el happening, en el que actores reales interaccionan con el espacio.



Con una apariencia "bastante similar" a la de estas intervenciones en Barcelona Reality Hacking No. 250, se desarrolló en 2007, en un workshop sobre arte en espacios públicos, impartido en la Geneva University of Art and Design y en la que se situó a un bailarín de arte contemporáneo, inmóvil en distintas ubicaciones extrañas, adoptando posturas imposibles.



Los estudiantes del taller, mientras el bailarín posaba, observaron y anotaron las reacciones sorprendidas de los viandantes al toparse con este personaje, colocado en las mas extrañas ubicaciones y posturas, como si de una escultura de Mark Jenkins se tratara, aunque esta vez de carne y hueso.


También el fotógrafo Denis Darzacq realiza un trabajo cuyo resultado final tiene grandes similitudes con las anteriores propuestas artistas y es que aunque cada una de ellas se ha realizado en un campo diferente, escultura, performance o danza, al final de tan efímera que es la obra, sólo nos acaban llegando imágenes congeladas, en las que casi todo se entremezcla y confunde.



Por estas coincidencias formales y por otras muchas cosas que vengo observando, tengo que reiterar, que el arte urbano que se está viendo en nuestras ciudades, me está empezando a resultar algo repetitivo y cansino, y me parece hasta comprensible, pues una vez encontrada la fórmula exitosa por la que el artista es reconocido, a ver quién es el guapo que se distancia de ella para arriesgarse con nuevos retos...



Habrá que esperar un poco a que todo se tranquilice y el tiempo ponga a cada uno en su sitio, para mí que muchos de los que ahora gozan de mayor éxito mediático, acabarán esfumándose como por arte de magia o se verán reducidos a eventos publicitarios patrocinados.



Otros, con más suerte o talento se refugiarán en espacio cerrados, pero desde luego van a tener que cuidar mucho su lenguaje plástico, educarlo y pulirlo, ya que no es lo mismo encontrar obra en la calle, que se observa con un gesto más benévolo, ya que se entiende como regalo generoso del artista, que agradar al público que visita y compra en galerías, el cual suele tener el gusto más educado y no es precisamente complaciente. Eso por no hablar de lo peligrosas que son las distancias cortas para detectar los defectos de forma y fondo...




Tiempo al tiempo...



Uff, me ha salido un post de lo más disperso, lo siento, mañana mejor.

Etiquetas: efímero, evento, exteriorismo, fotografía, humor, street art, todos

Como viene siendo habitual, ya vamos por el tercero, el sábado 19 de julio tenemos desayuno público en la Plaza de la Luna (Soledad Torres Acosta) a las 11 de la mañana.

Sólo se requiere... aunque tampoco es absolutamente necesario... algo con qué comer, algo de comer y un poco de resistencia al calor.

Ahí estaremos unos cuantos...

Etiquetas: evento, exteriorismo, humor

Anoche asistí al espectáculo más grande del mundo, fui al circo y vi magia musical, sí, el mago fue Tom Waits, que con su garganta herida, su desamparada y cruda poesía, su trabajado piano y sus infernales acordes, fue capaz de ponerme en estado de levitación, sin truco ninguno.


Tengo que decir que para este acontecimiento, esperado durante años, ya llegaba preparada, había estado concentrada en él durante semanas, me había escuchado todos sus discos y había hecho introspección con ellos, así que ya llevaba de casa los sentimientos a flor de piel de gallina.


Ya con la segunda canción empecé a notar que jugueteaba con mi estómago, sentí una especie de sensación de vértigo y creí que me iba a doler, pero para nada, no se cómo lo hizo, el truco del artista no se puede revelar, que cuando me di cuenta, había abierto la jaula donde guardo las mariposas que me habitan el estómago y que baten sus alas en momentos de gran emoción y las había dejado en libertad.


Con el ritmo desquiciado de su música, este Flautista de Hamelin, de mariposas, se las llevó todas consigo, creo que las del que estaba sentado a mi lado también se fueron y las de muchos otros.


Él se las guardó en su ajado sombrero de hongo y en un momento dado, creo que cuando cantó You´re innocent when you dream las esparció por la sala, después le acompañaron en su recorrido musical por el infierno y otros sitios tristes y decrépitos de la creación, dejándome a mí un hueco en el estómago.


Seguro que a estas horas las está domesticando para que actúen en su circo de pulgas o es posible que las haya pinchado con alfileres en su colección particular.


He leído que para alguno, el concierto no fue perfecto, que el sonido fue deficiente, que no hubo total comunión con el público y lo único que yo puedo decir es que a mí me dejó sin fuerzas, sin palabras y sin mariposas con lo que me había costado guardarlas para que me hicieran cosquillas...


Y bueno, como no quiero que esto se convierta en un blog donde cuento mis historietas personales, voy a ilustrar todo este rollo sensiblero con la obra de dos fotógrafos que de alguna manera me han hecho pensar en la música de Tom.


Puede ser entre otras cosas porque sus trabajos de rara delicadeza y universos oníricos, son muy apropiados para portadas de disco o porque me transportan a mundos artificiales, habitados por seres extraños y crueles, tendentes al blanco y negro, como la música de Waits.


Los artistas son Robert & Shana ParkeHarrison y es mejor que veáis las fotos en su web.

Etiquetas: arte, crítica, evento, fotografía, todos

El artista Kevin van Braak esta empeñado en recrear espacios artificiales donde poder disfrutar de su particular visión de la naturaleza, que tiene más que ver con lo artificial y prefabricado que con la visión bucólica que todos tenemos de los espacios verdes.


En realidad con piezas como CampingFlat y Caravan lo que está tratando, es de hacer una crítica en clave de humor sobre lo absurdo de una sociedad donde todos los esfuerzos se encaminan en conseguir las cosas lo más rápido y comprimidas posible.


En CampingFlat el artista nos propone zonas de acampada prefabricadas, distribuidas en cuatro pisos, montados en una torreta fabricada con andamios. Todo lo necesario está presente en esta recreación: tiendas de campaña, hogueras y animales, pero todo falso: el césped es artificial, la fogata está hecha de plástico, los animales son de peluche y los sonidos de aves están grabados


En Caravan, un espacio de naturaleza artificial, todo ha sido comprimido entre las cuatro paredes de una caravana, que en un cortísimo tiempo se despliega y nos vuelve a mostrar ese mismo miniuniverso irreal compuesto por animales, fogatas y vegetación falsa.


En estos espacios pues, los peligro a los que se ven expuestos los campistas se reduce al mínimo, aunque también la aventura de la acampada. La cuestión es, si esta ficción pueda realmente cubrir nuestras necesidades o simplemente nos da una satisfacción a corto plazo.




Y si queremos esos espacios verdes pero dentro de construcciones grandiosas, el autor nos ofrece un castillo, también prefabricado, y adaptado al estilo siglo XXI. La instalación se llama Castle y está realizada en chapa metálica y con el mismo tipo de flora y fauna plastificada.



Humor no le falta a este artista, encantado de aportar soluciones de espacios verdes, que no sean demasiado naturales para que así no resulten agresivos con nuestro estilo de vida poco natural, donde todo tiene que estar cuidado, controlado, acotado y fuera de peligro.


Lo he visto en Designklub.

Etiquetas: arte, exteriorismo, flores, humor, todos

Simone Decker es un artista polifacético que lo mismo trabaja con fotografías que hace instalaciones. Por eso hay veces que dudo si en realidad las instalaciones son tal o simplemente fotos retocadas.


Eso justo es lo que me pasa con su pieza que más me gusta, se llama So weiß, weißer geht's nicht y el resultado son 7 fotografías de edificaciones que no sabría decir si han sido hechas mediante retoques fotográficos o si para conseguirlas tuvo que intervenir los edificios que aparecen en las fotos.


Yo espero que sea la segunda opción porque entonces el efecto conseguido me parece impresionante. Yo voy a elucubrar... y digo... que a base de focos, ha eliminado todos los detalles de 7 edificios, dejándolos reducidos a potentísimas siluetas de luz blanca que se recortan en el paisaje de la noche.





Las miro y las remiro y tengo dudas porque no veo los focos por ningún lado o el potente haz de luz proyectado en los edificios, pero por otro lado el efecto de destello y cómo se refleja la luz alrededor, está tan bien conseguido... Mejor dejo las fotos para que cada uno opine.


Tiene mucha más obra pero entre toda, yo me quedo por las divertidas Chewing in Venice ¿instalación o retoque fotográfico? y Curtain Wall. Como no tengo muchas ganas de escribir, mejor lo ilustro con fotos, que hablan por sí solas.






Lo he conocido por i heart photograph.

Etiquetas: arquitectura, arte

Fernando Traverso es un artista argentino para el que las bicicletas tienen un simbolismo especial, quizás porque le recuerdan otros tiempos peores, en los que era el único medio de transporte que tenía. Así que ha hecho de ellas su personal icono y con el que intervenir su ciudad, Rosario, dejando su presencia, un poco fantasmal, por aquí y por allá.


Copio lo que dijo el periodista Juan Carlos Romero sobre su proyecto 350, intervención urbana.


"Caminar por la calle en Rosario y ver una bicicleta recostada contra una pared no tendría nada de extraño. Pero al acercarnos vemos la silueta negra de una bicicleta que alguna vez estuvo en ese preciso lugar, en algún otro o quizá en ninguno. Son muchas bicicletas, son muchas sombras de bicicletas, son la memoria de un acontecimiento, para ser precisos son la memoria de un secuestro, de una desaparición.


La silueta de la bicicleta es la metáfora de la ausencia. Como dice el Tao no solo es el contorno sino también el vacío que deja lo que hace que la realidad tenga un ultimo sentido.


Fernando Traverso al imprimir estas bicicletas intervino la cuidad con una incontable cantidad de grabados estarcidos que transformaron el espacio urbano en un recinto de la memoria, de una memoria frágil a la cual hay que estar golpeando siempre, para que el olvido no se convierta en el ultimo triunfo del represor..."


Por si no ha quedado claro, Fernando Traverso ha creado plantillas de bicicletas que ha ido dejando en toda la ciudad de Rosario. Muchas de las ubicaciones elegidas, tienen recuerdos de personas desaparecidas durante la dictadura.


En total se dibujaron, con plantillas, 350 bicis, en una acción que se prolongó de marzo de 2001 a marzo de 2004.


Una vez popularizado su proyecto con las bicicletas, en el 2004 llevó a acabo su acción No hagan bandera, en la que esas mismas plantillas, que le sirvieron para plasmar sus siluetas en la calle, fueron reutilizadas para estampar telas con algún tipo de valor sentimental, que la gente le proporcionó y que el les devolvió convertidas en banderas, en total 407.


El proyecto se completó con las fotos que le devolvieron los dueños de dichas telas reconvertidas en banderas, donde se retrataba su ubicación definitiva.


Ademas de las bicicletas dibujadas, para su proyecto 30 años, utilizó bicicletas reales a las que colocó un número igual al que pone el ayuntamiento cuando las encuentra abandonadas en la calle.


Lo hizo en el 2006, en la Plaza San Martín, tristemente celebre durante la dictadura, para recordar el aniversario de los 30 año del golpe de estado y convocó a multitud de jóvenes que llegaron con sus bicis para que el artista se las numerara como si estuvieran abandonadas.


Para su último proyecto La carta dibujó sobres a tamaño real y los dejó en lugares que para él tienen un simbolismo especial.


En el umbral de la puerta de un amigo;
En el asfalto, cerca de una carpa de desocupados;
Frente a la casa de un torturador;
En la playa de una estación de servicio abandonada;
Frente al viejo cine abandonado en Camilo Aldao provincia de Córdoba;
En las casas de mis amigos exiliados en Europa;
Frente a las rejas del Fuerte de San Cristóbal de Pamplona;
En la puerta de la CGT de los Anarquistas de Madrid;
Frente a las casas del Barrio de Inmigrantes “Prosfigika” de Atenas;
En la ronda de las Madres, en la Plaza 25 de Mayo de Rosario;
Frente al Centro Clandestino de Desaparición y Tortura “El Pozo” de Rosario;
En diferentes marchas populares…


"Esta vez la propuesta son las palabras; las que queremos decir".


No tengo mucho más que decir, simplemente que esta es la obra de un artista comprometido, que sufrió en sus carnes dramáticos acontecimientos y que intenta, por medio de su arte, que no se olviden. Conmovedor...


Hay otro proyecto que tiene como protagonista a la bicicleta, éste se está desarrollando anónimamente por más de 45 ciudades del mundo y se llama Ghost Bikes.


Los Ghost Bikes son pequeños monumentos conmemorativos, que marcan el lugar donde algún ciclista ha muerto. Los puede hacer cualquiera, con bicicletas de deshecho pintadas de color blanco y candadas cerca del sitio del accidente, se acompañan de una pequeña placa donde se indican los datos del accidente.

Etiquetas: arte, efímero, paredes, street art, todos

Más cosas raras que he encontrado en los recintos del arte, esta vez en la Gagosian Gallery. Se trata de la obra de Robert Therrien cuyo mérito, o poco mérito, cada uno que piense lo que quiera, consiste en sobredimensionar objetos vulgares y corrientes y colocarlos en una sala de exposiciones. Sillas, mesas, platos y utensilios de cocina son los objetos elegidos por el artista para su obra gigante.


Yo, sin haber leído nada sobre este trabajo, quiero a creer que el tal Therrien es un artista con mucho sentido del humor, que lo que está tratando, es de poner en evidencia el hecho de que cualquier objeto es susceptible de estar en un museo, bastando simplemente con darle un tamaño exagerado a la cosa en cuestión para conseguirlo.


Vaya, creo que de ésto he hablado antes, aunque en ese caso me estaba refiriendo al arte urbano...


Bueno como siempre os dejo con las fotos...


Lo he visto en Pan Dan.

Etiquetas: arte, humor, objetos, todos

Os quiero mostrar la obra de la artistas Sarah Sze, que tiene mucho arte para organizar y clasificar objetos variopintos, de tal manera, que el resultado está lleno de un caos organizado que a mi me resulta hasta relajante, en algunas de sus piezas.



Debe ser porque en ellas, los objetos están suspendido en el aire, flotando en un lugar ingrávido dónde lo único que pesa es el propio espectador, que aún así, estoy segura se siente más ligero cuando las mira.



En otras de sus piezas parece que se ha dejado llevar y no ha querido dominar el desorden. Éstas son más difíciles de ver, en fotos.



Pero por lo general, me sorprende la sutilidad que ha conseguido con tan variados y anodinos materiales, muchos de ellos, seguro conseguidos de deshecho, otros relacionados con las construcción y todos entretejidos con plantas e hilos.



Como Sarah es una artista muy prolífica, os recomiendo un paseillo por su web. De todos modos si pincháis en las fotos que os adjunto, llegaréis al proyecto del que forman parte.



La he conocido por Pytr75.

Etiquetas: arte, destrucción, objetos, reciclaje, todos

Por defenestración se entiende el acto de arrojar algo o a alguien por una ventana. Y eso es lo que ha hecho literalmente el artista Brian Goggin, muy interesado en sacar el arte de las galerías, como demuestra en su instalación Defenestration. Para ello ha arrojado un montón de muebles viejos e inservibles, por las ventana de un edificio abandonado, parando su caída para dejarlos como congelados en posiciones imposibles.

Algunos se han detenido en los alféizares, otros han continuado su descenso por la fachada y la sensación que da es que los propios muebles, dadas las condiciones del edificio, hubieran decidido salir en estampida de él, reptando por la fachada, como si de insectos vivos se tratara.


La visión es de lo más llamativa, porque el artista no se ha limitado a coger los muebles y descolgarlos, sino que ha dotado de movimiento a todas las piezas, relojes de pared contorsionados, patas de sillas en posición de marcha, sofás curvados en su caída, mesas unidas por el vértigo, armarios a medio caer, bañeras que se esfuerzan para no precipitarse, frigoríficos con las puertas abiertas de puro miedo, lamparas retorcidas por el terror y así un catálogo de hasta 23 posturas...


Con esta intervención, situada en la esquina de la Sexta con la Calle Howard de San Francisco, en un edificio abandonado de cuatro pisos, el artista ha querido poner en evidencia, la precaria situación del barrio, que soporta aún el estigma de decadencia de Skid Row.


El mobiliario utilizado, es también de la calle, ha sido recogido en los contenedores de basura, y esa es parte de la gracia de la pieza, que invita a reflexionar sobre los sitios precarios donde algunas personas viven y las circunstancias que les llevan a utilizar lo que otros desechan.


La pieza es de 1997 y ha llegado hasta nuestros días intacta.


Desde luego, si la obra se encontrara en otro tipo de edificio y otro barrio, no pasaría de ser una pieza con pretensiones estéticas, pero la ubicación y el haber sido montada por mas de 100 voluntarios del barrio, hace que la cosa trascienda un poco más.


En otras obras del autor, como Photogenesis, Metered Growth, Desire for the other, Samson, Herd Morality, Climbing Frenzy, los objetos también han sido dotados de vida propia.








Muy poética su última pieza, Language of the Birds, en la que 23 libros iluminados están suspendidos en el aire, como si una bandadas de palomas blancas volara por encima de las calles de San Francisco.



Lo he visto en Yatzer las fotos las he sacado de Flickr.

Etiquetas: arquitectura, arte, decoración, humor, mobiliario, street art, todos

El ayuntamiento de Londres se ha gastado bastante dinerito en promocionar su London Festival of Architecture con acciones como la llamada London’s Largest Living Room en la que los diseñadores de Studio Weave han recreado una enorme sala de estar en el patio central de Somerset House.


Y desde luego grande es un rato, todas la piezas del mobiliario utilizado en este salón al aire libre están sobredimensionadas y el efecto se acrecienta al haber elegido una tipología de muebles, más propio de una cursi y antigua casa de muñecas que de un salón real del siglo XXI.


Las gigantes mesas, sillones, lámparas, y estanterías, ha sido realizados con planchas de madera a la que se han dado barrocas formas planas, como si fueran enormes recortables.


El motivo decorativo de todos ellos ha sido creado por la diseñadora de moda Eley Kishimoto que no se ha cortado nada y ha realizado un ñoño dibujo en tonos rosas. Además el suelo ha sido cubierto por una cuadriculada y policromada alfombra que delimita el espacio de la intervención.


No se si los autores querían conseguir un efecto tan hortera, a lo mejor han pensado que con ésto incrementaban la sensación de hogar y de comodidad, aunque este concepto hogareño no sea el propio de nuestros tiempos, dónde por ahora no acabamos de salir del minimalismo de los grandes almacenes y el estilo zen de las tiendas pretenciosamente modernas.


En cualquier caso, la intervención no pasa desapercibida y eso también es importante en estos casos... además me gusta la idea de embellecer los espacios públicos y hacerlos usables, aunque en este caso se les haya ido un poco la mano.


El proyecto se complementa con Vistas Street Furniture pequeñas instalaciones donde estos mismos muebles han sido depositados en espacios públicos de Londres. Estas piezas de mobiliario guardan información sobre el Festival, incluyendo mapas locales, e información sobre los eventos.


Lo he visto en Dezeen de donde he sacado las fotos.

Etiquetas: arquitectura, decoración, efímero, evento, humor

Como dije, voy a continuar hablando de la obra de la artistas checoslovaca Magdalena Jetelová, ya que el resto de sus intervenciones también merecen ser admiradas. Destilan sensibilidad y un sentido estético de lo más fino, esto suena algo ñoño, pero en realidad, su trabajo no lo es en absoluto.


Me quedo con sus intervenciones de luz, en las que con la misma soltura maneja grandes superficies, salas pequeñas, o espacios exteriores inmensos, que ella embellece con sus líneas de luz y sus mensajes poético/reivindicativos.


Me gusta el proyecto Iceland donde la artista, mediante un rayo láser, traza la frontera geológica entre Europa y América a lo largo de unos 350 kilómetros que transcurren por el crudo paisaje de lava, grietas, vapor caliente de géiseres, de Islandia.


El mismo tipo de luz fue utilizadas en 1996 para su proyecto Crossing King's Cross en el que los haces de luz, recreaban el trayecto de las vías de un tren fantasma que cruzaba paisajes desolados que pronto iban a ser convertidos en zona de alta densidad industrial.


Otra intervención es la llamada Atlantic Wall, en la que bunkers que la Wehrmacht sirvieron a la artista como pantalla, para la proyección láser de textos del libro The archeology of the bunker.


También ha dejado sus mensajes de luz en el interior de edificios, como el Palacio Belvedere de Praga, la iglesia St. Nicolai de Alfeld o el Kunsthalle de Recklinghausen...



En dos proyecto Marking by smoke desarrollados en Praga, la luz es sustituida por el humo. Un cartucho rojo de humo se quema dentro de las casas y sale a través de las aberturas en el techo quedando marcada la zona. Esto hace alusión al mapa político de Checoslovaquia en los libros de texto de la década de los 60, en la que se utilizó el rojo para marcar la propagación del conglomerado rojo.


Uff, qué pesado se hace explicar proyectos tan etéreos y que densos son de leer, así que, como siempre digo... mejor ver las fotos, que he sacado del la página de la autora.

Etiquetas: arte, efímero, iluminación, intervención, paredes, todos, urbanismo

Los edificios que albergan museos y galerías están empezando a sufrir de lo lindo, no lo digo en broma. La culpa es de los artistas, que ya no se limitan a depositar la obra entre sus cuatro paredes sino que se empeñan en variar, en algunos casos drásticamente, la configuración de sus instalaciones o en darles extraños usos, para los que nunca fueron concebidos.


Tampoco quiero extenderme mucho pero, últimamente me he encontrado con cosas verdaderamente raras, tras los muros de los templos del arte. El último caso, recientito, nos lo brinda la Tate Britain londinense, que ha permitido que el artista de moda, Martin Creed, haya instalado una pista de atletismo en sus pasillos, por la que cada 30 segundos cruzará un corredor. Así será todos los días, durante 4 meses. La pieza se llama Work No. 850.

Al artista, le gusta correr, lo considera la antítesis de la muerte y al director del museo, no le ha parecido muy mal que la marca Puma patrocine esta performance velocística en su interior. Mientras, a los visitantes del museo les está prohibido correr, para no interrumpir así la carrera de los atletas.


Otro ejemplo de actividad impropia dentro de una galería se pudo ver el pasado mes de marzo en la Aram Gallery de Londres que, por obra y gracia del diseñador/artista Martino Gamper, se transformó en un restaurante. La pieza se llamó Total Trattoria.


En dicha sala/trattoria, todo el mobiliario y los utensilios fueron diseñados por Martino y cada noche se sirvió la cena a 30 invitados que degustaron los manjares y se llevaron el mantel usado como pieza artística.


En el Palais de Tokyo de París han rizado el rizo un poco más al construir en la azotea del edificio el "Hôtel Everland" que permanecerá abierto hasta diciembre de 2008. Es el proyecto artístico de los suizos Sabina Lang y Daniel Baumann que han llevado a cabo una especie de construcción parásita en la azotea del palacio de exposiciones, a la manera de las que nos propone Santiago Cirugeda, que simula un hotel de una única habitación que puede ser contratada por los visitantes para pasar la noche en ella.


En él todo es real y funciona como en cualquier otro establecimiento hotelero, incluso es atendido por el personal altamente cualificado del Hotel Sezz de París. El precio entre 333 y 444 euros noche.


"Hotel Everland" es una obra cuyo principio es poner al visitante en la situación real de utilizar una habitación de hotel. La ilusión de ser perfecto, la realidad de la explotación de un hotel debe ser respetada, sin olvidar que el Palais de Tokio es un lugar de celebración de exposiciones. Es una obra de arte y no un hotel comercial y lo que podría parecer una ambigüedad es el fundamento mismo de la obra de artistas que desea que el visitante se convierte en una parte integral de la obra."


A otros artistas, les ha dado por destruir partes de los edificios en los que exponen y el caso es que los galeristas se lo permiten, uno de los más famosos casos fue el de Doris Salcedo que construyó su impresionante Grieta en la Tate Modern, para lo que hubo que romper el suelo de la Sala de Turbinas.


Otro ejemplo de destrucción, es el cráter de Urs Fischer. Este artista, hizo desaparecer casi por completo el suelo de la galería Gavin Brown, dejándolo convertido en un agujero de tierra rojiza de unos 11 x 9 metros y 2,5 de profundidad.


Y todo esto me lleva a lo que de verdad quería mostrar, una pieza de la artista Magdalena Jetelová con la que me he topado hace poco, aunque en realidad fue realizada en el 1992 y se presentó en el Irish Museum of Modern Art de Dublín, en el Mak de Viena y en la National Gallery of Contemporary Art de Varsovia. En 1994, en el Martin-Gropius-Bau de Berlín.


La pieza se llamó Domestication of a Pyramid y consistió en simular que una pirámide había penetrado en el interior de un museo. Para ello, fue rellenado partes de las salas, con arena rojiza, de manera que se formaron planos inclinados que daban la sensación de que una pirámide había invadido el espacio, reventando la superficie y anegando todo lo que encontró a su paso.


El efecto es increíble, me ha sorprendido darme cuenta, que la pirámide, que quería domesticar la artista, a pesar de que excede con mucho el tamaño del museo que lo acoge, en realidad sólo existe en nuestra imaginación.


Lo único de verdad, eran unos pocos planos inclinado, que la artistas colocó estratégicamente, para que nos pareciera que la pirámide completa estába ahí y que además podíamos visitarla desde dentro del edificio, aunque éste fuera mucho más pequeño que nuestra pirámide imaginaria.


Uff menudo lío tratar de explicarlo, recomiendo ver las fotos que se entiende mucho mejor.


El resto de la obra de esta artista, que a mí me parece muy especial, la comento creo que mañana, ya que merece un post monográfico, no éste, que ya anda muy embarullado.

Dejo por aquí un artículo que me ha enviado Info. Se llama El mundo al revés: arte urbano en las galerías y cuadros en la calle ha sido publicado en la web del MURAC y trata, como os podéis imaginar, de confusión, arte urbano y museos. Un poco más de leña al fuego...

Etiquetas: arquitectura, arte, destrucción, efímero, evento, humor, todos

Llevo bastantes meses empezando esta entrada y dejándola aparcada por no saber bien qué enfoque darle, ni tener una opinión clara al respecto. Tanto tiempo ha pasado, que creo que ya llego tarde, pero bueno, como es ahora cuando me asaltan dudas existenciales en cuanto a la evolución del arte urbano, pues es buen momento para meterle mano. Empiezo a escribir y a ver por dónde me llevan mis propias pulsaciones en el teclado.


Quería contaros lo de Splasher, ese colectivo neoyorquino de "vándalos callejeros", con ideas de corte marxistas, cuyo trabajo consiste en rociar de pintura, las obras de artistas urbanos cotizados.


Así como suena, obra conocida con la que se topan en las calles, churretón de pintura que se lleva. Se podría decir, que la misma aversión que siente Zevs por los logos de grandes marcas comerciales, la tienen los chicos de Splasher hacia la obra de los artistas urbanos más de moda. En ambos casos, el objeto de su odio se transforma en churretosas y dramáticas imagen.


Desde el 2006, actúan en las calles de Soho y Williamsburg y se han cobrado más de 100 víctimas. No persiguen a todos los artistas de la calle, para nada, tienen bien definido su target, artistas cuyo trabajo se paga caro en los circuitos comerciales; recordemos que en Nueva York el graffiti lleva algunas décadas siendo un verdadero negocio.


Artistas como Banksy, Obey, Momo, Frank Shepard Fairey han visto dañada su obra, Faile o Swoon no se han quedado de brazos cruzados ante los ataques entablando una batalla que a mí me ha hecho pensar, en un momento de debilidad mental, que todo pudiera ser una acción de guerrilla, planeada por algún artistas urbano para darse notoriedad o por estar mosqueado con el éxito de los demás.


Cada obra que atacan, es adornada con uno de sus manifiestos, titulados: "Avant-garde: advance scouts for capital" o “Art: The Excrement of Action" en los que arremeten contra la hipocresía del arte de la calle.


Plantean dudas sobre la validez y la situación del arte en la calle, alegando que si la obra que se deja en ella es considerada provisional y colectiva por sus autores, entonces deberían admitir que otros artistas actúen sobre ella.


Al final del manifiesto, una advertencia " intentar quitar esos manifiestos de la pared puede provocar daños físicos, al haber sido mezclada la pasta de papel con cristales.


Grupos tipo Splasher podrían ser considerados por sus defensores, los modernos dadaistas o situacionistas, que gritan para reivindicar que el arte urbano es mercantilista, que está ayudando a la gentrificación de los barrios marginales de Nueva York y que los artistas urbanos más cotizados, son niños bien de la burguesía blanca.


En el artículo de The Guardian, The Splasher: art or vandalism? la autora concluye que las acciones de Splasher desfigura el trabajo de otros, pero dando tiempo a que la obra sea vista por unos pocos, que opinarán sobre ella y eso le parece algo válido ya que la obra en la calle no puede ser estática, sino que tiene que evolucionar. Pone el ejemplo de cómo Banksy creo un mural callejero de la Mona Lisa vestida como el Ché y al día siguiente, alguien cambió la cara de la Mona Lisa por la de Bin Laden, con lo que consiguió un resultado bastante más relevante que el de la obra original. Según ella: "El arte urbano es algo que progresa, en lugar de algo para vender en Sotheby's. Tal vez los Splasher tienen su punto ...".


Copio un fragmento del artículo Street Art is Dead, publicado por Adbuster. "Todo el arte está sujeto al mismas ciclo evolutivo. Es creado, absorbido en la conciencia colectiva y, a continuación, codiciado.
No es suficiente que exista, debe ser de la propiedad de alguien. El arte de la calle surgió como resistencia a este hecho. Fue como decir "fuck you" a los pequeños galeristas y a su fastidioso 50% de comisión. Un rechazo a la explotación de la naturaleza coleccionista. Fue una "democrática rebelión", arte para todos. Pero entonces empezamos a comprarlo y ahora nosotros, como cultura que demanda la propiedad e insiste en que el arte se cuelga en las paredes de color blanco brillante, hemos sido los "salpicados".


En las calles algunos se quejan de su manera de actuar, mientras que otros les demuestran su admiración al atreverse a vandalizar el vandalismo. Los más visionarios, ya se imaginan, la obra de este colectivo en las galerías de arte, codeándose y compitiendo en precios con los mismos a los que atacan.


En la línea de pensamientos de Splasher, el grupo Street Art Blows, invita a los artistas a guardarse su arte para ellos mismos.


Como apunte personal, diré que no me gusta la idea de que para reivindicar haya que destruir el trabajo de otros, aunque si alegasen que no están destruyendo sino modificando y mejorando una obra, volvería a no tener argumentos. Total que sigo tan liada como al principio.


Ahí dejo un montón de información más, que cada uno saque sus propias conclusiones porque yo me bajo aquí.


FlowerFaceKillah on the Splasher
GowanusLounge on the Splasher, y a followup post
Curbed on the Splasher
Streetsy pix of the splasher
I'm Not Saying on the Splasher, y la gallería de Splasher.
Splasher Strikes Again Across Williamsburg
Crappy wheatpasted edicts in Williamsburg: The excrement of lazy action
Informe New York. Judith Supine (¿y The Splasher?) en Bleecker St.

Etiquetas: arte, destrucción, efímero, humor, paredes, street art, todos

Hace tiempo hablé con gran admiración del trabajo del artista urbano Helmut Smits y dejé para otro momento repasar sus incursiones en el campo del diseño. Bueno, pues ese momento ha llegado.


Ingenio no le falta y sentido del humor tampoco, también en sus piezas de diseño, era de imaginar conociendo sus intervenciones, me da verdadera envidia porque viendo sus muebles y lámparas sólo puedo pensar que han sido hechas con una facilidad pasmosa.


Tienen una apariencia tan fresca, que parecen ideadas con el mínimo esfuerzo. Como si de un juego se tratara, se agrupan algunas cosas de por aquí y de por allí y ya ha surgido, por ejemplo, una divertida y barata lámpara, hecha de envases de plástico... y además esta reciclando y reutilizando.


Para comprobar lo que estoy diciendo, sólo tenéis que pasaros por su web, de paso no olvidéis deteneros en sus esculturas y sobre todo en sus intervenciones, desde luego son de lo mejorcito.


Hay que ver,... unos tanto talento... y otros tan poco....


Lo he visto, je, je, en Flores en el Ático.

Etiquetas: arte, decoración, humor, mobiliario, objetos, todos