Hay que ver como anda de revolucionado la escena del arte urbano, lo digo porque ni los mismos artistas se ponen de acuerdo en si es licito vender su obra en museos y galerías y porque tampoco hay consenso sobre qué pasa cuando la obra se deja en la calle, ¿se pierden los derechos y cualquiera puede intervenirla? o ¿hay un código no escrito por el que se debe respetar la autoría y la integridad física de la obra?.


Y estas complicadas cuestiones me han venido a la cabeza leyendo el relato que hacen en MuRAC sobre el encontronazo que tuvieron con Suso33 durante la celebración del evento La ciudad inventada que tuvo lugar el pasado 4 y 5 de julio en la ciudad de Logroño.

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Me contó David Estal la idea que habían tenido en Valencia un grupo interdisciplinar de arquitectos, diseñadores, agrónomos, preocupados por la salud medioambiental de su ciudad.



El proyecto, que empezó a desarrollarse hace dos años, se llamó Vía Verde Valencia y en palabras de David, consistía en "conectar con recorridos verdes las distintas plazas, parques y jardines de la ciudad y su entorno inmediato (huerta, albufera, etc...) hasta crear una red verde. Se trataba de una actitud o estrategia para mejorar la ciudad en favor de los ciudadanos y turistas a nivel estético, social y ambiental". Una especie de "marca de ciudad, como el Guggenheim, pero pensando en el espacio público".


El proyecto, tenía similitudes con la iniciativa del Anillo Verde de Vitoria, que en los años 90 surgió para tratar de dar una solución integral a los problemas de la periferia urbana de Vitoria-Gasteiz y al estado de degradación general que la zona a tratar.



El de Valencia incluía actuaciones a distintas escalas, desde la sección de una calle o el trabajo en un cruce para fortalecer al peatón, hasta intervenciones verdes por azoteas, medianeras, etc...



Este proyecto fue uno de los puntos fuertes de la campaña electoral del PSPV que lo adoptó, en las pasadas elecciones. Su intención era conectar las zonas verdes de la ciudad por medios de antiguos caminos históricos, confiriéndoles un estatus preferente, como vías seguras, donde los peatones tendrían siempre preferencia a los vehículos.




Además sería una zona donde plantar arboles singulares y se habló incluso de recuperar antiguas costumbres como la "sentada a la fresca" en zonas con aceras más anchas, vías peatonales y zonas de juegos.


Al no ganar las elecciones este partido, era lógico pensar que el proyecto acabaría durmiendo el sueño eterno, pero el entusiasmo de los verdaderos creadores e impulsores de la idea, David y sus compañeros, no ha decaído ni un ápice y son ellos los que están trabajando a día de hoy, para que la iniciativa vaya adelante.


Para dar a conocer el proyecto, están sacando la vía a pasear por los barrios, recorriendo con los vecinos los posibles caminos, planteando infografías donde se muestran las mejoras que se pretenden y haciendo exposiciones públicas en estos barrios. Una tarea exhaustiva para los pocos que son y el casi nulo apoyo económico e institucional con el que cuentan.


Para tener una información más completa de todo el proyecto, en el blog Via Verde VLC se pueden ver los planos de la zona a tratar, fotografías del estado actual e infografías del futuro que ellos proponen. Supongo que además, si alguien quiere colaborar, será el mejor modo para ponerse en contacto con ellos.


En estos momentos un plan de acción territorial de la huerta, llamado PATH ha sido presentado por el gobierno de la Generalitat, con la intención, algo tardía, de preservar la huerta y evitar su ya evidente deterioro, hasta casi su desaparición total, engullido por la voracidad urbanística.


Para elaborar este plan institucional, curiosamente, no se ha contado para nada con los que ya llevan tiempo trabajando en el tema y que se supone algo deben saben, no han querido pues adherirse a la iniciativa juvenil, de esta manera, como casi siempre pasa con la burocracia, los esfuerzos se multiplican innecesariamente.


Esperemos que, sea como sea y por parte de quién sea, el proyecto salga adelante, es necesario y urgente, aunque sería bonito que se reconociera el esfuerzo de quien verdaderamente lleva trabajando en ello tiempo, cuidándolo, mimándolo y difundiéndolo. ¿o no?.



Hoy las imágenes no son muy vistosas ni espectaculares, pero tienen gran valor porque con recursos básicos reflejan a la perfección lo que se está tratando de conseguir con este proyecto. Merece la pena echar un vistazo al antes y después y no os dejéis llevar por las apariencias, aunque parezca poca cosa, poner algo verde una ciudad, es una labor complicadísima.

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Un interesante estudio de arquitectura que me ha llamado la atención, como ya os podéis imaginar, no por sus impresionantes y multimillonarios proyectos, sino por que sus obras son menores y a mí me parece que están llenas de originalidad, alegría y estética de lo más moderna.

Etiquetas: arquitectura, decoración, efímero, materiales, todos

Hoy por fin hablo de porcelana, que ganas tenía, pero es que hacía mucho que no encontraba algo verdaderamente interesante, teniendo en cuenta que a mí, lo que de verdad me gusta, es cuando cae en manos de gente maligna que se vale de un material y lenguaje tradicional para darle una vuelta de tuerca y hacer de él algo mucho más subversivo.


Pues si hay una porcelana verdaderamente provocativa, esa es la que sale de las manos de la artista danesa Louise Hindsgavl, provocativa la verdad no es la palabra exacta, se queda muy corta, mejor definirla como obscena y alguno podría pensar en ella como blasfema.


Su temática favorita, gira en torno a la pornografía, que practican en todas sus modalidades los personajes, mitad hombre, el cuerpo, mitad animal, la cabeza, que habitan en sus piezas. También se pueden encontrar escenas de violencia, mutilación, sadismo, contadas con gran sentido del humor.


Y todo esto, lo representa la artista en vistosos centros de mesa, de blanca y brillante porcelana, que a simple vista parece inofensiva, pero que al observarla un segundo, nos saca de nuestro error de un bofetón.


Las escenas, totalmente irreverentes, hacen pensar en orgías, bacanales, carnavales, y están tan bien representadas que dan ganas de observarlas de cerca, lo que nos convierte en unos auténticos voayers, pero voayers de personajes de porcelana, que tiene más gracia.


Las imágenes hablan por si mismas, las palabras, prácticamente sobran.

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Experimentadesign es una bienal de arte urbano, que este año se celebra en Amsterdam, el anterior fue en Lisboa. En ella invita a arquitectos, diseñadores y artistas, a intervenir los espacios públicos, para hacer de ellos un teatro de convivencia, un lugar de encuentro donde los ciudadanos interactúen con el arte en la calle.


Dentro de este evento, cabe destacar el Urban Play, una exposición que ofrece una visión global de las intervenciones urbanas realizadas fuera de los canales formales de las instituciones, donde la expresión creativa de algunos ciudadanos se convierte en algo tangible transformando así las ciudades.


19 has sido los elegidos este año para este Urban Play, entre ellos Arno Piroud, CutUp Collective, The Graffiti Research Lab, Ji Lee, Mark Jenkins, OSA, Rebar, Spy, Truthtag...


Algunas intervenciones no las he podido conocer, puesto que no han sido publicadas en la web del evento, pero rastreando he dado con varias de lo más interesante y que quiero dejar aquí.


Una de ellas es la que ha ideado Stefan Sagmeister, que realizó un dibujo con casi 300.000 monedas de céntimo de euro en una plaza de 20 x 42 m2. Con ella creo dibujos tipográficos y florales que desafiaban la codicia de los transeuntes que tenían que entrentarse al dilema de conservar la belleza de la instalación o directamente quedarse con las monedas y destruirla.


Al final, la policia decidio barrer la pieza y llevársela, para preservar así su valor monetario ya que la gente se estaba llevando las monedas, y así, paradógicamente, para conservarla hubo que destruirla.



Una segunda intervención que me encanta es la de NL architects llamada Moving Forest y que consistió en plantar un montón de árboles en carritos de supermercado. Así, estos contemporáneos y móviles bosques, se podían desplazan a gusto de los ciudadanos, para llevarlos a lugares donde se necesitaba un poco de color y aire puro. Estupenda iniciativa.



La intervención de Gunjan Guptaìs llamada Cyclerecyclecycle permitió a la gente que se hiciera su propio trono contemporaneo, utilizando para ello piezas de viejas bicicletas de desguace. Así siguiendo su innovador enfoque para el reciclaje, Gupta propuso a los ciudadanos fabricar mobiliario urbano con piezas inservibles.


Los chicos de The Office for Subversive Architecture, esos que pusieron una escalera para que todo el que quisiera se asomara a una alta valla y viera como iban las obras de la zona olimpica de Londres, que tan en secreto lleva el ayuntamiento, pues esos mismos han sido los que idearon la Sandbox, una caja de arena para adultos, o lo que es lo mismo, una zona extensa llena de arena donde habían dejado moldes de elementos urbanos como casas, edificios altos, puentes, árboles para que la gente pudiera construir su propio paisaje urbano en la arena.

Fish in the Sky de Nothing Design Group quiso decorar la ciudad con bonitos peces de plástico transparente (lastima que no fueran de papel). Esta bella y poética pieza se fabricó en dos tamaños, el grande para los espacios públicos y la pequeña para entregadar a los peatones y que toda la ciudad se llenara de ellos.

El español Martín Ruiz Azúa creó Plaited Fence que pretendía dar a los residuos una nueva connotación positiva. Para ello ideó un sistema de cercas donde se pudiese trenzar material de desecho como bolsas de plástico o periódicos. De esta manera, los residuos flotantes en torno a las calles de la ciudad adquirian una estética segunda vida, y la valla se convertía en una actividad creativa comunal en lugar de una barrera estéril.



Otro español, Marti Guixé con su instalación Sculpt me point, ha querido proporcionar a los ciudadanos una gran mole de hormigón blanco que los ciudadanos tenían la posibilidad de cincelar a su antojo, mientras otros podían sentarse en la circunferencia que le rodeaba para observar desde ahí el trabajos escultórico de los artistas improvisados.


No he encontrado nada sobre la intervención de Spy, pero espero toparme con ella en la red un día de estos y la añadiré.


Y estos son algunos de los ejemplos del arte urbano que se ha echado a las calles de Amsterdam estos días. Bastante de nivel, ojalá hubiera podido esta ahí.


Aquí vemos a la policía llevando a cabo su peligrosa misión...

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Después de ver la instalación Mock up, beijing llevada a cabo por Ai Weiwei junto a sus ya inseparables Herzog & de Meuron, para el Pabellón de Italia en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2008, no me ha quedado más remedio que informarme sobre este artista, que me ha impactado al primer golpe de vista.


Y es que una punzadita me ha pinchado el estómago cuando he puesto los ojos en esta obra y he sentido tremendas ganas de conocer más de la trayectoria de su autor, lástima que en la web se pueda ver poco de su trabajo, así que me ha tocado rastrear un poco para descubrir tras ella a un artista complejo, lleno a partes iguales de sensibilidad y fina crítica hacia el gobierno chino, bajo cuyo mandato ha decidido vivir.


La instalación veneciana, me ha conmovido por su poesía, ligereza, sensibilidad y sencillez. Troncos de bambú unidos con técnicas tradicionales, forman una estructura ligera y en difícil equilibrio de la que surgen pequeñas sillas, también de bambú, que parecen haber crecido ahí de manera natural.


El entramado de palos, que de haber estado mal resuelto, hubiera dado la sensación de estar constreñido entre las cuatro paredes de la sala, resulta ligero y nada agobiante y a mí, me hace pensar en espacios abiertos y naturales y no se por que, también en el otoño...


El artista, ha querido además ir construyendo su obra, delante del público que visitaba el pabellón, con lo que además de bello, ha conseguido que su trabajo sea vivo, como si hubiera ido germinando dentro del espacio invernadero, hasta llenarlo.


Este autor, que no conocía, se ha hecho famoso en el mundo, por haber inspirado el Estadio Olímpico, con forma de nido a Herzog & de Meuron aunque ya era un artista muy respetado en su país. Además es arquitecto, editor, restaurador, mentor y un exitoso bloggero leído todos los días por mas de 10.000 personas y uno de los mas duros críticos contra la política del gobierno chino, a la que no duda en poner en evidencia cada vez que puede, sobre todo por no permitir a los ciudadanos que expresen libremente sus opiniones.


Dejo ejemplos de su trabajo por aquí, como veréis, el autor ha sabido crear un lenguaje narrativo complejo donde modernidad y la tradición sirven para representar, un universo personal en constante contradicción.


Mejor que no diga nada más, ando algo espesa y sin inspiración para describir esta obra con el mimo y cuidado que se merece. Lo mejor será que echéis un ojo a las fotos, no quiero aburriros innecesariamente...


Lo he conocido aquí.

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A vueltas con el arte efímero, uno de mis temas favoritos, la obra de Takamasa Kuniyasu me parece un bello ejemplo, que no tengo mas remedio que dejar por aquí.

Cuando miro sus increibles construcciones situadas entre la obra arquitectónica y la escultura, no puedo dejar de acordarme de algunos de los artistas del Land Art que más me gustan, Andy Goldsworthy y Nils-Udo, del que tengo que hacer un post un día de estos.


Este artista japonés trabaja con pequeños trozos de madera y ladrillos, con los que va tejiendo complejas estructuras con forma de espiral que va girando sobre sí misma y que inevitablemente me hacen pensar en nidos de pájaros gigantes.


Este tipo de obra "tan natural" se integra a la perfección con el entorno elegido, produciendo la sensación de contemplar un trabajo de gran calidad, donde el arte se amalgama a la perfección con el medio ambiente.

A mí, que no he tenido el gusto de acercarme a ninguna de sus obras y que solo las conozco por fotos, me da la sensación de que dentro de ellas se debe uno sentir en un espacio vivo, donde huele a madera y el viento se filtra por sus paredes caladas, algo similar a estar en un templo natural donde relajarse y reflexionar.


O quizás sea algo más inquietante, inestable y amenazante...

Etiquetas: arte, efímero, escultura, exteriorismo, materiales, todos

Dos hechos polémicos copan estos días el pequeño espacio, asignado al mundo del arte en la prensa generalista, todo el mundo está ya al tanto de que Hirtst es algo más millonario que hace una semana y también que Koons ha tomado posesión del templo del Rey del Sol, para colocar allí sus piezas, que tendrán que vérselas con pinturas y objetos originales de finales del XVII.


Y este último asunto, medio de cotilleo, medio serio, ya que se mezclan en él los intereses de políticos y burócratas con los propios del arte, me ha vuelto a la cabeza hoy al toparme con el último trabajo del estudio de arquitectura francés O-S.


Y ¿por qué? pues simplemente porque ha sido creado con conceptos y materiales modernos, para ser expuesto dentro del antiguo Hotel Saint-Côme de Montpellier, un palacio neoclásico, de mediados del XVIII.


Pues este estudio de arquitectura, lo que ha hecho para el Festival des Architectures Vives 08 ha sido levantar una construcción modular tomando como elemento repetitivo vulgares cajas de cartón marrón formando un pórtico que queda enmarcado dentro de uno de los impresionantes patios con columnas de este edificio.


Según explican en Dezeen "El proyecto de escala pequeña subraya y sublima, de acuerdo con lo que han informado los arquitectos sobre su instalación, el carácter íntimo que brinda el patio del hotel Saint-Côme, uno de los emblemas más importantes de la arquitectura del siglo XVIII ubicados en Montpellier. El patio que ahora alberga esta estructura también se ha convertido en un campo-laboratorio de experiencias, donde un caleidoscopio espacial aparece, aparentemente de la nada, para sorprender a las visitas.


Los arquitectos explican así su instalación: “La materia prima de nuestra intervención es cartón. Robamos cajas para empacar de 40x40 que generan, a través de la acumulación, un pórtico. Una piel cálida y luminosa se refleja de las superficie del interior, creando un contraste con el crudo exterior”. El interior además ofrece una vista hacia el exterior a través de pequeñas aperturas en las cajas así como una iluminación que va hasta lo más profundo de la “cueva”. Con elementos sencillos, el pórtico de cajas de cartón ofrece un interesante juego de luces y sombras así como una sensación que arroja al caminante hacia experiencias tempranas, ya sean prehistóricas o, incluso, de la infancia."


Para mi gusto le sobra el dorado, por lo demás me hace mas gracia que ver las obras de Koons en Versalles, y no estoy diciendo con esto que me parezca ni bien ni mal que se expongan allí, simplemente me da lo mismo... puesto que no considero que este hecho influya directamente en la calidad artística de su obra.


El estudio O-S ya había realizado en el 2006 otro interesante trabajo con mínimos elementos para el Festival des Architectures Vives. La pieza se llamó Octopus y en ella emplearon únicamente gigantes tubos corrugados, creando con ellos un pasadizo anexo a un edificio, junto a unos arboles, que quedaron incluidos dentro de la instalación configurando así una especie de jardín corredor y lugar de paso, bastante interesante.



Recomiendo echar un vistazo al resto de las piezas de arquitectura efímera presentadas en este certamen, todas ellas inscritas en marcos representativos y en muchos casos clásicos, de la ciudad de Montpellier.


Las nuevas generaciones de arquitectos no dejan de sorprenderme. Su conocimiento de la realidad social, su dominio de materiales y herramientas y su implicación con el medio ambiente, contribuyen a crear una obra, que habla un idioma absolutamente moderno y con vocación de servicio al ciudadano, y por eso los admiro.

Etiquetas: arquitectura, arte, crítica, efímero, evento, humor, todos

Otra muestra de la afición que tiene la publicidad de apropiarse del lenguaje y de los espacios de la calle para tratar de llegar a su público objetivo y seguro que sin pagar un duro y sin pedir permiso.


Había estado viendo en un montón de blog estas imágenes (juraría que también salio en los más influyentes sobre graffiti) y siempre había pensado que se trataba de la obra de un artista algo obsesionado con las motos, concrétamente por la Vespa, cuyo frontal había utilizado para sus creaciones artísticas de indudable impacto visual.


Como la obra, esteticamente, no me decía mucho, por no decir nada, ni me había molestado en indagar más y ya lo había arriconado en esta memoria a corto plazo que tengo, preocupada por asuntos artísticos de más actualidad, algunos de gran cuantía económica, cuando por un amigo me entero que en realidad es una campaña que la propia Vespa ha realizado con el fotografo Dan ... para tratar de... bla bla bla...


Como no quiero dar más coba a la noticia y añadir así otro granito de arena en esta campaña completamente engañosa de la marca, no pondré links y además voy a coger las fotos sin permiso, el que esté interesado en el tema, que por favor haga una busqueda en Google y rápido dara con la información.


Una ves más una marca me han engañado, además de ensuciar más de 200 muros de ciudades canadienses. Eso me enfada, por no decira algo más fuerte.

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La obra del finlandés Ilkka Halso es altamente simbólica, lo conocí en el PS1 donde aún se puede ver alguna de sus enormes fotografías, a mí se me quedaron grabadas en la retina.


Interviene a su antojo la naturaleza para ofrecérnosla en imágenes, donde la manipulación del hombre está presente en mayor o menor grado, unas veces embelleciendo, otras constriñendo o simplemente enmarcando. Es como si el artista tratara de preservar de todas las maneras posibles, la naturaleza, creando para eso una especie de invernaderos de estética industrial donde poner a salvo lo que el hombre ha dañado.


Algunas de las imágenes de este artista están claramente retocadas, pero en otros casos, corresponde a complejas intervenciones, que ha tenido que llevar a cabo, para después fotografiar.





Me quedo con su serie Excavations, donde el artista penetra en la tierra con precisión quirúrgica para dejar a la vista restos arqueológicos que luego serán estudiados clasificados y trasladados a un museo.




En la serie Restauration trata de combatir con medios técnicos, los desperfectos que el hombre ha causado en la naturaleza, para lo cual, el autor no duda en rodear elementos como arboles o rocas, de andamios lonas y anclajes, para así poder llevar a cabo esta ficticia restauración. En realidad lo que consigue es aislar estos elementos, para protegerlos y de paso construir una impresionante instalación donde naturaleza y tecnología se complementan.



El proyecto Cube consistió en rodear un cuadrado de trigo con un cubo de 6x6x6 metros fabricado con andamios y cubierto por una lona semitransparente. Dentro del cubo instaló una pasarela para que los visitantes pudieran observar el trigo como si de una pieza artística se tratase.


En su último trabajo Museum of Nature, el autor imagina edificios donde la naturaleza queda protegida y a salvo del hombre, así, esta se ofrece a través de los edificios, como un espectáculo o una obra de arte única y en peligro de extinción.


Un trabajo de lo más metafórico y que saca a la luz, con imágenes impactantes, el deterioro de la naturaleza, por la acción directa del hombre.

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La obra del alemán Ignacio Uriarte me ha cautivado al primer vistazo. Lo he coincido por su recientemente clausurada exposición, junto a Nicolás Paris, en el Musac y tengo que decir que me he quedado enganchada a su trabajo, que me recuerda, de lejos claro, algunas cosas que yo hacía cuando empecé mis estudios de Bellas Artes.


Copio lo que de él dice la web de Musac, que ha resumido muy bien el trabajo de este artistas, para eso deben tener expertos conocedores de la obra, que redactarán los textos: "La obra de Ignacio Uriarte se centra en el uso de las herramientas y de las actividades rutinarias habituales de cualquier empleado administrativo, como dibujar aleatoriamente mientras se mantiene una conversación telefónica; arrancar hojas de un bloc, encadenar clips, etc. El artista se apropia de estos actos en lo que él mismo ha denominado como “Arte de oficina”, empleando en su proceso creativo esa monotonía diaria que se traduce en la culminación de su obra.


Sus trabajos van desde dibujos en los que plasma las diferentes gamas de un cartucho de tinta; a dibujos con líneas que muestran los diferentes grosores de un grafito pasando por un vídeo que muestra todas las posibilidades de colocación de un archivo. Círculos, líneas, sobres, cuadernos, compases, etc.


Detrás de cada pieza del artista, existe una profunda reflexión sobre el propio tiempo que dedicamos a estos actos y que bien simboliza metafóricamente su obra All my days (2004) en la que el artista escribe repetidamente todos los días de su vida, partiendo de la fecha de su nacimiento hasta el mismo día que dio por finalizada esta obra, que a su vez puede considerarse un “work in progress” pues finalizaría el último día de vida del artista.


En palabras del artista “Cuando dejé mi vida de empleado administrativo para dedicarme de lleno al arte me di cuenta de que la libertad adquirida implicaba una gran responsabilidad. De ninguna manera quería abusar del arte para lograr una liberación personal que me asimilase al artista cliché, rebelde y marginal, si no que al contrario, quería permanecer en mi propia realidad pequeño burguesa para tratarla desde adentro con conocimiento de causa. Por eso, no he dejado de utilizar herramientas y métodos similares a los de cualquier empleado administrativo, trabajando siempre de manera rutinaria y con la rutina como foco temático."


En el trabajo de Uriarte destaca, a nivel estético, la limitación cromática y la simplicidad formal. Sus obras son resultantes de un esfuerzo metódico y repetitivo que lo ponen en directa relación con los artistas minimal y conceptuales de los años 60 y 70".


¿A que ha quedado muy bien explicado todo?, pues me han ahorrado un gran trabajo, que hoy agradezco especialmente ya que estoy cansadilla.


Como siempre, ahí dejo fotos y que cada uno opine.


Lo he conocido por la página de Musac.

Mirad lo que hacen en sus ratos libres algunos arquitectos con sentido del humor y gran manejo de las herramientas de retoque fotográfico.


Estas imágenes han sido manipuladas por el estudio de arquitectura holandés NL y se han expuesto en el pabellón italiano de la Bienal de Arquitectura de Venecia.


Desde luego hay que admirar cómo han sabido combinar a la perfección, imágenes que hablan del deterioro del ecosistema en el que vivimos y que en algunos casos ha sido propiciado por sus propios colegas de profesión, con elementos que le dan ese toque de humor, que ayuda a poner en evidencia la problematica, de manera más efectiva que si se tratara el tema desde un punto de vista formal.


Otro acercamiento al humor, que es el que en definitiva me está ayudando, a a sobrellevar con dignidad la vuelta al cole.


Las imágenes las he sacado de Dezeen porque en la página del estudio no las he encontrado, espero que no se enfaden por habérselas tomado prestadas. También ahí podéis leer las explicaciones de cada una de las fotos. Yo por hoy lo dejo aquí.

Etiquetas: arquitectura, arte, crítica, humor, todos, urbanismo

Voy a dedicar pocos esfuerzos a la Noche en Blanco, casi los mismos que los artistas le han dedicado a las piezas expuestas y luego sigo con algo más interesante.

No es que me elaborara el itinerario cuidadosamente pues por principios, no quería ir a sitios a los que se accediera con invitación y también descarté lugares cerrados en los que supuse que habría que guardar grandes colas.

Total, que al final me paseé por Templo de Debod, Plaza de España, Gran Vía, Cibeles, Puerta de Alcalá, con paradas para repostar y aguantar mejor la fría noche. No voy a describir minuciosamente lo que vi que se resume en: un trabajo poco elaborado de mantente mientras cobro y con pretensiones efectistas que durarán en mi recuerdo lo que el espectáculo de unos fuegos artificiales en unas fiestas populares.

Varias preguntas lanzo al aire: ¿por qué la playa de Bill Fontana desapareció por arte de magia a las 12 de la noche? ¿qué razón hubo para que los funambulistas no actuaran?, ¿cuánto pagó Lancôme para que le dejaran instalar una pieza tan hortera y que en nada se parecía a la foto del programa, en un sitio público tan importante y para el que no hubieran conseguido permisos en ninguna otra circunstancia? ¿por qué hubo gente que teniendo pinta de no saber quién es Eugenio Ampudia, estuvo más de una hora, con el frío que hacía, esperando en un cola para Evacuar Madrid, es decir, pasar por una pasarela de madera por debajo de la Puerta de Alcalá? ¿Por qué trayectoria artística, yo la desconozco, se le dio a Teresa Sapey un espacio tan representativo como el Palacio de Comunicaciones y realizó una instalación tan chorra?...



Con todas estas preguntas en la cabeza me fui a dormir, y esta mañana seguía con el run run, así que tenía que compensar lo antes posible con algo verdaderamente interesante, inteligente y si podía ser, con sentido del humor. Y nada mejor para mi cura, que una visita a la exposición de Chaplin, para recrearme con su arte y reírme a rabiar con su humor, a veces cruel, a veces sutil, pero siempre estéticamente muy cuidado e inteligente como pocos.



Recomendable mil por cien, porque no sólo se proyectan imágenes de las películas más conocidas, sino que escenas descartadas se muestran para el deleite de los visitantes. Yo he pasado dos horas de carcajada continua, y curioso, las mismas cosas por las que yo me estaba riendo eran con las que disfrutaban tanto los niños como los muy mayores, que andaban por allí.



Qué inteligencia la de este hombre, que hoy domingo, ha hecho unirse en una sonora carcajada a todo un museo.



Me estoy acordando ahora de la escena descartada del palo incrustado en la alcantarilla de Luces de la Ciudad, puro minimalismo, no se puede contar una escena más cómica con menos elementos, o esa otra de Tiempos Modernos, en la que siendo obrero de una cadena de producción se estresa de tanto apretar tornillos y se obsesiona con los botones, produciéndose escenas de hilarante sexualidad al perseguir mujeres para apretar grandes botones, estratégicamente situados, en la anatomía femenina.



Qué decir del espectáculo de danza en que convierte las escenas del combate de boxeo de Luces de la Ciudad. Son memorables además las escenas descartada de la película Shoulder Arms en la que mediante las siluetas recortadas tras una puerta, nos cuenta satíricamente cómo fue el reconocimiento médico al que el mismo Chaplin tuvo que someterse cuando quiso alistarse en el ejercito, auténtico teatro de sombras... y su improvisación de la letra de una canción, también en Tiempos Modernos, me parece una crítica de lo más fina al cine sonoro.



Dejo las escenas que os he comentado, que hablan por sí mismas, espero que disfrutéis tanto como yo al recordar mi visita al Caixaforum, porque con lo de la Noche en Blanco... me había quedado, como en blanco...

Buen lunes.

Etiquetas: arte, crítica, exteriorismo, humor, todos

No he podido evitar asociar estas dos fotos, que tontería, la primera tan cursi y la segunda tan impactante y es que me imagino que el pájaro ha robado la lámpara, ha salido de la casa y volando por toda la ciudad no ha podido aguantar el peso y la ha dejado caer, impactando sobre el asfalto.


En fin una chorrada que me en realidad me sirve como excusa para dejar por aquí el trabajo de Kristof Kintera, un escultor bastante surrealista, que utiliza elementos de uso corriente como electrodomésticos, alimentos, sacos de cemento, bicicletas, muchas bicicletas, herramientas, material eléctrico...


Algunas piezas son realmente buenas otras no tanto, siempre para mi gusto, claro.


Os dejo fotos que me voy a la Noche en Blanco de Madrid, a ver cómo plantan árboles.

Etiquetas: escultura, humor, iluminación, todos

Después del parón veraniego, retomamos los Desayunos en La Luna, esta vez sin tantos calores y con muchas más ganas.

La cita, el sábado 20 de septiembre, a las 11 de la mañana, en la plaza de Santa María Soledad Torres Acosta, más conocida como la Plaza de la Luna, ya sabéis que sólo se necesita una taza, mejor si es vuestra favorita y algo de comer o de beber para compartir, se agradecerían sillas y si alguien tiene mesa plegable y no le trastorna mucho pues que se la lleve. Bueno eso si no va en bicicleta...


Estoy casi deseando que llegue el frío para poder tomarme ese café, muy caliente con mi abrigo y mis guantes, sentada al sol invernal...


Animaos, hay que utilizar los espacios públicos para cosas como esta, que si no se lo apropiarán los de Triball y nos pondrán un montón de cutrequioscos como si la plaza fuera suya. Se garantizan bonitas vistas al jardin vertical, medios seco, que el ayuntamiento ha tenido a bien instalar para nuestro uso y disfrute.

Además estaremos de lo más seguros, ya que las cámaras de seguridad de la zona velarán por nosotros...


Hasta el sábado.

Añado esta nota para expresar mi disgusto ante las noticias que me llegan de Barcelona. Copio lo que cuenta Paloma en su blog Destapa el Control, sobre la iniciativa.


Quiero que al ser el primero, sea un desayuno agradable, reivindicativo y pacífico, por lo que propongo posponerlo para poder buscar otro lugar menos blindado para empezar. No es una bajada de pantalones, es buscar una meta más factible [Se aceptan todo tipo de propuestas]" .

Etiquetas: desayunos, efímero, todos

Dos proyecto de ocupación de espacios públicos en Nueva York, que intentan aportar asientos, en una ciudad, en la que a veces es difícil encontrar lugares de reposo a los que no haya que acceder cruzando una puerta y pagando un caro y malo café.


Curiosamente, muchos de estos sitios de descanso en la vía pública, los están proporcionando en este momento los comercios, que sacan sus bancos a la calle en horario de apertura para luego recogerlos al cierre.


La primera de estas intervenciones se llama Sit Projects y se enmarca dentro del festival de arte urbano Conflux que estos días se desarrolla en la ciudad.


El proyecto, parecido a algún otro que ya he comentado por aquí, consiste en dejar sillas recicladas en la calle, para uso y disfrute de los transeúntes, pero esta vez no las sitúan en las aceras, sino que las han depositado en las paradas de autobús y metro, donde doy fe que verdaderamente se necesitan, el sistema de transporte en esta ciudad, es algo penoso y las largas esperas, a veces se hacen inaguantables sin un sitio donde descansar los doloridos pies.


Me ha hecho gracia ver las fotos de las instalación y observar lo bien que quedan las variopintas y coloristas sillas debajo del toldillo de las marquesinas y la gente sentada en una actitud tan natural, es de lo más neoyorquino.


El proyecto es de Paola Mojica y Daniel Clapp.


Este interesante festival está dejado algún otro proyecto interesante, recomiendo echarle un vistazo, yo lo haría pero es que hoy toca hablar de asientos.


El año pasado, por las mismas fechas y en el mismo evento, la artista Caroline Woolard tuvo ya una idea parecida para proporcionar descanso a los andarines neoyorquinos, esta vez en forma de plataformas adosadas a las señales de tráfico.


El proyecto se llama Have a Seat e intenta que la gente utilice la vía pública para algo más que los desplazamientos, según ella, de este modo la calle se convierte en un destino por sí mismo, donde la gente puede hacer una pausa e interactuar, no quedando reducida a un mero sitio de paso.



Esta misma artista ha creado un sistema para columpiarse en el metro. Mediante un mecanismo, que se instala fácilmente en los vagones, se consigue un agradable balanceo durante los aburridos trayectos del metro, en los que no haya demasiados usuarios, claro.



Y esta acción, me ha recordado a otra, llevada a cabo por el artista Bruno Taylor, que ha querido convertir la calle en un parque de recreo para adultos, y que ha estado dando vueltas estos días por todos los blog, ¿será casualidad, será una evolución de la idea?...


Intervenciones callejeras con sillas hay muchísimas, unas reivindicativas, que tratan de dar servicio a los usuarios de los espacios públicos, pero también las hay simplemente artísticas como la que la interesante artista Doris Salcedo creó en Estambul y de que a mí me encanta. De estas hablaré otro día, largo y tendido.

Etiquetas: arte, humor, intervención, street art, todos

Me gustan los árboles, mas que las plantas, más que las flores, mas que algunos animales y que determinadas personas.

Ayer, mientras miraba la Castellana desde las alturas, pensaba que ese gran bosque longitudinal en el centro del gris y nublado Madrid, era como una brecha que casi dolía mirar, de lo verde y frondoso que era. Nunca me había dado cuenta de lo que cambia esta calle vista desde arriba, todo gracias a los arboles, bueno es que creo que nunca había tenido esta vista desde las alturas. Ya se lo que vais a pensar, que lo podía haber visto en google earth, que para estas cosas es ideal.


Esto me hizo volver a pensar, en lo que echo de menos tener árboles en mi calle, para mirarlos desde arriba, no hay ni uno y claro, yo que me crié en una calle con naranjos, pues no me acabo de acostumbrar a tanto minimalismo vegetal por la zona.

Hoy, para ahondar más en la herida, leo en El País que dentro de la programación de la Noche en Blanco "La Casa de Campo recibirá 500 nuevas encinas como "acto simbólico" encaminado a reducir el impacto ambiental del proyecto" y es que me quedo alucinada... según el programa oficial "Será La noche en blanco más comprometida con el medio ambiente, con la plantación de 500 encinas en la Casa de Campo" ¿¿¿¿????.



Señores, plantar arboles en Madrid se ha convertido en un acto digno de estar en la programación de un evento artístico, pues sí que está mal la cosita, ufff, ya me veo a algún espabilado, comisariando la plantación de las florecillas de los jardines, la poda de los arboles, la repoblación de los parques y contratando para la ejecución de tan artística actividad a los creadores más amigos o más de moda.


Porque, si la iluminación navideña es adjudicada a diseñadores de moda, que nada saben del bajo consumo, sostenibilidad y ecología, el cuidado de los jardines y parques de la ciudad puede caer en manos de dios sabe qué extraño gremio...

Y pensando en esta historia del arbol como objeto artístico, me ha venido a la cabeza inmediatamente la obra del artista coreano Myoung Ho Lee, que se dedica a fotografiar arboles en entornos naturales.


Y ¿qué tienen de particular los árboles que este hombre retrata? pues en principio nada, sólo que el artista, antes de capturar la imagen, los ha aislado de la naturaleza, aunque no irreversiblemente, lo cual, es de agradecer.

Lo que hace, es colocar una tela blanca detrás del arbol, para que la silueta se recorte y separe del fondo, como si fuera el telón de un decorado teatral. De esta manera, el objeto fotografiado, adquieren una apariencia tan artificial que el resultado final te deja perplejo, no sabiendo bien si lo que se ve es un arbol real o una estampación en la tela.

Os dejo con estas curiosas fotografías de arboles descontextualizados, que a mí, en un día de efervescencia creativa, me han inspirado muchas otras cosas.


Lo conocí aquí.

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Tenía otra entrada hecha, pero blogger de vez en cuando me juega malas pasadas y no me deja subir las fotos, y ¿que es un post del ático sin fotos?, pues nada más que una perorata sin sentido, así que voy a subir un vídeo publicitario que me ha gustado (sí he dicho publicitario).

Tiene como protagonista a la ciudad de Sao Paulo, un extraño lugar donde la publicidad exterior no existe y los soportes que la albergaron languidecen en soledad, en ella, además, los gobernantes preguntan a los graffiteros, qué muros pueden borrar los del servicio de limpieza.

Curiosa ciudad, que estoy deseando conocer, un lugar de pura imaginación...

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Hoy cumplo 500 entradas en este ático, un número redondito y aunque no lo considero un hito importante, he tardado bastante en decidir sobre qué o quien hablar.


Al final he resuelto hacerlo sobre una mujer a la que admiro por muchas razones, y con la que me identifico en alguno de sus planteamientos, sobre todo en su percepción del hogar como un lugar algo amenazante y no tan seguro y estable como debiera.


Su nombre es Mona Hatoum, nació en Beirut, de padres palestinos, aunque creció en Londres donde a su familia le sorprendió la guerra civil del Líbano. Cuento esto para que se entienda un poco mejor la idea de desarraigo y provisionalidad que caracteriza toda su obra y que aún sin saber nada sobre ella, se puede intuir.


Temas recurrentes de su obra son: los estereotipos femeninos, la política, el poder poético del cuerpo femenino, y la escenificación de un sentimiento de pérdida, de exilio y de desplazamiento.


Con todo esto construye una obra narrativa y metafórica rebosante de significado político, pero que respirar un sentido del humor que hace que de manera inconscientemente nos acerquemos a ella sin sospechar que al observarla detenidamente vamos a quedar conmocionados.


Como ya he dicho, su acercamiento artístico al mundo del hogar me toca especialmente y ella explica "... mi relación con la noción de hogar, con la idea de familia y apoyo que de ella parecen emanar, siempre ha sido una relación ambigua, tiendo a introducir algún tipo de perturbación física o psicológica que contradiga dicha noción". Las alteraciones en la escala de los objetos que se aprecia en sus obras recientes, en las que abundan los utensilios de cocina, le permiten, según sus propias palabras “transformar lo doméstico en algo amenazador que podría engullirlo todo de repente”.


Información extensísima sobre Mona se puede encontrar en google ya que es una importante figura del arte actual, yo sólo tengo que decir que me maravilla cómo logra hacer que me inquiete ante la visión de simples utensilios de cocina, que ella sobredimensiona para que ante mis ojos se muestre amenazadores y más difícil todavía, lo hace con un sentido del humor surrealista e inteligente que me emociona.


Pero no solo crea piezas a gran escala, también las hay pequeñas y me encantan, en ellas nos habla de su mundo particular, de sus raíces y de sus objetos cotidianos y esas contienen... poesía...


Las fotos las he sacado de Universes in Universe y de White Cube.

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Las increíbles fotos de este post, no corresponden a la documentación gráfica de la intervención de un inspirado artista, nada más lejos de la realidad, en este caso el trabajo y no estoy menospreciando el talento del fotógrafo, se ha limitado a elegir los mejores encuadres de una obra creada por las fuerzas de la naturaleza y el paso del tiempo a partes iguales.


Namibia Sand Houses es el reportaje fotográfico que Richard Ehrlich ha realizado en las casas que construyeron los alemanes que llegaron a Namibia, a principios del siglo XX, para probar fortuna como buscadores de diamantes.


Cuando se descubrieron yacimientos en zonas más habitables, estas "especiales" casas fueron abandonadas, quedando a merced de la arena y el viento que poco a poco anegó sus cuartos, pintados con sutiles colores, donde aun se conserva parte de un mobiliario que emerge y se esconde a golpe de viento, bajo al arena.


Impresionante también la serie Namibia Diamond Mines, donde se aprecia cómo el desierto se ha instalado sobre las ruinas del las minas abandonadas.


Las fotos transmiten maravillosamente la belleza del lugar y yo daría lo que fuera por poder estar allí para verlo, un mar de arena con sus olas, penetrando en una habitación... hoy no se me ocurre nada más bonito que ver...

Lo he visto aquí.

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Dejo por aquí el portfolio del artista Kilian Rüthemann, no se nada sobre él o ella, tampoco me importa pero su obra me ha parecido interesante por el uso que hace de los espacios expositivos, en los cuales su obra se integra a la perfección.


Muy interesado en los suelos de las galerías, que no le importa levantar para elaborar con ellos parte de su obra, o llenar de montones de sal, manchas de cemento, tiras de caucho o charcos de agua.


Pero sus trabajos también salen a los espacios abiertos, en forma de finas varillas telescópicas de parecen inclinarse por el viento, conformando así sutiles esculturas ligeramente curvadas que consiguen también integrarse en armonía con el paisaje.


Aquí un artista que se desenvuelve muy bien en el interior de las salas y que tampoco lo hace mal en exterior, lo cual tiene su mérito...


Lo he visto aquí.

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El estudio de diseño (perdón, he dicho diseño) inglés Why Not ha llevado a cabo un trabajo fino delicado y creativo, muy acorde con el sitio en el que va a ser expuesto, una biblioteca.


Para vestir las salas de la Crawley Library, aún en construcción, están utilizado gran cantidad de troncos de árbol en bruto, en cuya superficie han grabado textos, con diferentes tipografías, las más representativas.


No se mucho más de la obra, ni cuales han sido los textos tallados en la madera, espero no sea lorem ipsum, (vuelvo a pedir perdón) supongo que serán fragmentos de libros. Pero bueno lo dejo por aquí porque el trabajo se lo merece.


A ver cómo queda cuando los arboles pasen a su verdadera ubicación, desde luego en la nave de las fotos, pintan bastante bien, ¿o será eso la bibiloteca?.


Hoy poco texto y nada inspirado, además no recuerdo de dónde saqué la información. Las fotos son de la página del estudio y de Flickr.

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Alucinada me he quedado al descubrir la instalación que Simon Husslein ha realizado en un edificio vacío de Shanghai, mira que deben ser difíciles de encontrar allí, pues a él le han dejado uno, con 12 ventanas a la calle para que construya su delicada obra y deleite así a los transeuntes y ya de paso, a los que andamos por el maravilloso mundo de internet.



La obra de Husslein ya la conocía y había mostrado por aquí, esa vez fue su luminoso Nest One que tengo que reconocer, no le llega ni a la suela de los zapatos a la de hoy, así que he corrido a dejarla por aquí nada más verla, últimamente corro mucho cuando algo me gusta, esta vez... creo que también merece la pena...


Para la Living House, que así se llama su recientita instalación de luz, ha conseguido convencer a los peces para que se trasladen a vivir dentro de un edificio vacío y anodino y que muestren sus costumbres acuáticas a todos los que alcen la vista hacia sus ventanas.


El método para conseguirlo ha sido muy sencillo e ingenioso, por eso me admira más. El artista, ha instalado una pecera con un pez, en el interior de cada habitación y mediante un sistema de espejos y unos focos envueltos en papel de arroz semitransparente, ha conseguido proyectar la sombra tamizada de lo que acontecía dentro de la pecera en las ventanas de la casa.


Además, mediante el sistema de espejos, la imagen el pez que habita en el interior, aparece por duplicado, pero en distinta posición, por lo que da la sensación de que dos peces perfectamente sincronizados están ejecutando danzas acuáticas en el interior de la casa. Increíble el efecto.


Cuando he visto la maqueta del trabajo, que también se puede ver en la web, he pensado inmediatamente en el efecto que se podría conseguir con algo así, en las fachadas de los edificios en obras.


Puestos a divagar... creo que en algunos casos se podían sustituir las indecentes lonas publicitarias de los edificios en rehabilitación, que ahora están abarrotadas de estridentes imágenes de hamburguesas, de inmensas modelos haciendo gala de bolsos de ultralujo o habitadas por caras de políticos de 10 x 10 metros, por otras lonas blancas en las que desde dentro, se proyectaran distintas escenas o sombras chinescas o películas o... que nos hicieran pararnos y quedarnos mirando embelesados.

Es una idea, a ver si la Noche en Blanco nos trae alguna sorpresita en esta línea...

Lo he descubierto gracias a Flores en el Ático, cuando estaba repasando post antiguos...

Etiquetas: arte, efímero, humor, iluminación, intervención, street art

Un poco de humor es lo que necesito hoy, vaya que sí ¿por qué sera que el trabajo casi siempre me atrofia este sentido? así que no he sido muy quisquillosa con la calidad artística de la obra elegida, porque ha primado mucho más la sonrisa que me provocó el toparme con ella, bueno más que sonrisa fue una sonora carcajada.


La artista/diseñadora Nina Saunders ha logrado con la maestría de un buen carpintero, dar vida a un mobiliario compuesto de sillas, sillones y sofás, todos de corte clásico, que ha convertido en criaturas viscosas, que parecen sacadas de una película de animación.


Gracias a su trabajo, los muebles han perdido toda su rigidez y desprovistos de un sólido esqueleto que los sustente o bien se escurren o se inflan o se acoplan o les salen protuberancias de lo más sospechosas.


En fin, que sin querer profundizar en si se trata de verdadero arte, de diseño o se queda en la categoría de las menudencias, os invito a sentaros con la imaginación en uno de estos sofás imposibles y reír un ratito, cada uno que se tome el tiempo que necesite, yo lo estoy haciendo ahora mismo y me siento mucho mejor...


Lo vi aquí y aquí, de donde también saqué fotos, además de en esta otra página.

Etiquetas: arte, decoración, escultura, humor, objetos, todos

Rakel ha pensado que me podía gustar el proyecto que están llevando a cabo sus amigos y tiene toda la razón, así que me he apresurado a dejarlo archivado para que no pase tiempo y se me vaya de la cabeza.


Se llama Project Sky y es el trabajo del artista Alvaro Urbano, los arquitectos Daniel Fernández Pascual, José Manuel Esparza, Chong Cuy y el músico Borja Conde, los cuales han decidido pasear por las ciudades más superpobladas del mundo con un espejo a la espalda, al que se han dado unos 45 grados de inclinación lo que propicia que el cielo de la ciudad se refleje en su superficie y todos los transeuntes puedan reparar y disfrutar de él.


La intención final es que los habitantes de estas megaurbes, reparen en la cantidad de barreras artificiales que hacen, que en su rutina diaria no apetezca alzar la vista y observar un cielo, que no suele dejar ver sus estrellas, escondidas en capas y capas de polución.


El proyecto comprende 8 ciudades, de las cuales hasta ahora han visitado tres, Nueva York, Sao Paulo y Méjico. Recomiendo echar un ojo a la documentación gráfica de este poético proyecto en su web y blog cuya altruista tarea consiste en recrear la vista de los transeuntes, acercándo un trocito de cielo, en su paseo por la ciudad.


Esto me ha recordado la impresionate intervención de un artista, para mí de los más interesantes del panorama actual, del que ya he hablado en varias ocasiones, se llama Helmut Smith y tuvo la estupenda idea de utilizar un soporte publicitario para mostrarnos lo que es un verdadero cielo azul, sin contaminación, sin nubes, sin aviones... de ese que es dificil ver en las ciudades como las del proyecto anterior.



Me resulta curioso hablar de cielos en la ciudad, porque paseando por Manhattan estos días, pensé que era la primera vez que visitando la ciudad, había podido bajar la vista al suelo para observar lo que allí acontecía. La impresionate altura de los edificios del centro siempre me mantenía mirando hacia arriba, aunque tampoco es que estuviera observando el cielo precisamente.


Pues tengo que decir que el suelo de esta ciudad también es de lo más interesante, tan vivo como sus paredes y su cielo. Las infraestructuras de la ciudad están creciendo y mejorando y eso se refleja en el asfalto, que se ha llenado de indescifrables signos, cifras y textos, en fluorescentes colores.


He intentado adivinar su significado y excepto los muy evidentes, el resto me han parecido imposibles de entender, pero os dejo algunas fotos que hice por si a alguno le apetece descifrar este mapa del tesoro de tamaño natural.


Cielos y suelos, interesantísimos lugares ambos, donde fijar la vista por un rato y dejar volar la imaginación.

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